Malgré sa passion pour la comédie musicale et la musique lyrique semi-classique, caractérisée par des chansons longues, des paroles complexes et une grande virtuosité technique, Duc Tuan choisit toujours de chanter en direct lors de ses apparitions publiques. – Photo : TTD
Ce n'est pas un hasard si le Département de la Culture et des Sports de Hô Chi Minh-Ville a publié un document demandant un renforcement de la discipline et la garantie de l'honnêteté dans les activités artistiques.
Cette décision intervient à un moment délicat où la question du playback et des voix préenregistrées – un problème de longue date – refait surface et devient un sujet brûlant, obligeant professionnels et public à se confronter à une question fondamentale : qu’entendent exactement les spectateurs sur une scène censée être « en direct » ?
Non seulement entendre, mais aussi être témoin.
La scène musicale était autrefois un lieu où la voix était reine. On entendait la voix d'un chanteur, et le succès ou l'échec se jouait à cet instant précis. Aucun artifice technique ne pouvait masquer les fausses notes, aucun outil puissant ne pouvait « sauver » une prestation en manque de puissance. C'était précisément cette fragilité qui faisait son charme : le public n'écoutait pas seulement, il était aussi témoin.
Mais avec le développement technologique et l'évolution des méthodes de production et d'interprétation, la situation est différente aujourd'hui. Le playback (synchronisation des lèvres avec une piste préenregistrée) et le chant superposé (chant en direct sur une piste vocale préenregistrée) sont progressivement devenus des solutions courantes et éprouvées.
Dans de nombreux programmes, notamment lors de grands événements ou d'émissions en direct, les aspects techniques sont privilégiés, et l'utilisation de sa véritable voix chantée est parfois perçue comme un risque.
Il est important de noter que de nombreux cas de playback ou d'utilisation de voix préenregistrées ne sont pas entièrement dus à la malhonnêteté de l'artiste. La pression liée à l'exécution simultanée de plusieurs tâches – chanter, danser et interagir – rend le maintien d'une voix stable plus difficile. La qualité sonore parfois inégale des salles de spectacle constitue également un obstacle majeur.
De plus, il y a le fait que beaucoup de jeunes chanteurs deviennent célèbres trop tôt, propulsés sur les grandes scènes avant même d'avoir eu le temps de perfectionner leur technique vocale. Face à des milliers de spectateurs, s'appuyer sur la technologie devient parfois un mécanisme de défense.
Choses qui peuvent être faites
Avant toute chose, il est indispensable d'instaurer une plus grande transparence entre les professionnels et le public. Le chanteur Duc Tuan soutient que lorsqu'un programme utilise des voix superposées ou du playback pour des raisons techniques, cela ne devrait pas nécessairement rester secret.
À l'inverse, préciser le format du spectacle peut aider le public à comprendre et à faire des choix éclairés. « La transparence ne diminue en rien la valeur de l'artiste ; elle contribue à instaurer la confiance », a déclaré Duc Tuan.
De plus, il est nécessaire de redéfinir les normes pour les différents types de spectacles. Pour les concerts – où le public paie pour entendre un chanteur qu'il admire – le playback est inacceptable.
Après près de 30 ans de carrière, la « rossignol aux cheveux bruns » a toujours été admirée comme une précieuse chanteuse en concert - Photo : Fournie par l'artiste.
En réalité, les artistes qui continuent de se produire sur scène, tels que Thanh Lam, Hong Nhung, Quang Dung, My Tam, Tung Duong, Vo Ha Tram, Hoang Dung et Phung Khanh Linh, ont toujours occupé une place de choix dans le cœur de leur public. Cette position ne tient certainement pas à une perfection absolue, mais bien à une émotion authentique.
À l'inverse, M. Minh Duc, rédacteur musical chez VOV, soutient que les programmes de haut niveau avec une chorégraphie complexe peuvent absolument utiliser la superposition vocale comme outil de soutien, à condition que les concepts de « performance » et de « mise en valeur » ne soient pas confondus.
musique".
Une autre solution fondamentale réside dans la formation. Le chef d'orchestre Hoang Diep a observé : « Dans un marché où la célébrité s'acquiert de plus en plus rapidement et facilement grâce à la technologie, l'investissement dans les compétences vocales est souvent négligé. »
Cependant, aucune technologie ne peut remplacer entièrement le pouvoir intrinsèque de la voix. La mise en place d'un système de formation systématique, des écoles aux entreprises de management, est une condition préalable à toute amélioration durable des performances.
La chanteuse My Le partage également ce point de vue, estimant que les chanteurs doivent suivre une certaine formation pour comprendre les forces et les faiblesses de leur voix, identifier leurs points forts et leurs lacunes afin de faire des choix appropriés en matière de style musical et d'interprétation.
Elle a dit : « J'ai regardé quelques émissions de télé-réalité où des chanteurs sont "forcés" de se produire dans des domaines où ils ne sont pas bons. En regardant les rediffusions de ces émissions, ça a l'air bien, voire même plutôt bien, mais quand ils font le même numéro en concert... oh mon dieu, c'est un désastre complet ! »
Tout aussi important est le changement de mentalité dans la production. Pendant des années, les scènes musicales vietnamiennes ont privilégié les effets visuels : écrans LED plus grands, chorégraphies plus complexes, décors plus extravagants. Mais si la musique, essence même de l’expérience, ne bénéficie pas d’un investissement à la hauteur, tout le reste n’est que superflu.
Le problème du playback ne se limite donc pas à quelques artistes ou à quelques incidents isolés. Il révèle un décalage entre la rapidité des progrès technologiques et la lenteur des normes professionnelles.
Une autre réalité est que le public d'aujourd'hui évolue lui aussi. Il n'est plus facilement séduit par des spectacles « beaux mais faux ».
Le succès récent des concerts avec groupes live donnés par de nombreux jeunes chanteurs — tels que « Museum of Regrets » de Vu, « Amidst a Thousand Tours » de Phung Khanh Linh, « Spinning Around » de Hoang Dung — montre que le besoin de revenir aux vraies valeurs et aux voix authentiques existe toujours, et se fait même plus pressant.
En fin de compte, la musique ne peut pas être entièrement « assemblée » par la technologie. Un enregistrement peut être peaufiné à la perfection, mais seul un instant unique, en direct, où la voix vibre d'émotion, laissera une empreinte indélébile sur le public.
Lorsqu'une scène perd son authenticité vocale, elle perd non seulement un élément technique, mais aussi son âme. Et si nous voulons regagner la confiance du public, la première chose à faire n'est peut-être pas d'ajouter de la technologie, mais de revenir courageusement à l'essentiel : chanter avec nos voix et accepter tous les risques que cela comporte.
C’est précisément dans ces risques que la musique prend véritablement vie.
Le monde ne bannit pas, il catégorise.
Phung Khanh Linh, Lam, Hoang Dung - chanteurs en passe de conquérir le cœur des mélomanes - restent fidèles à leurs performances live riches en émotions - Photo : Fournie par l'artiste.
Le monde s'attaque désormais à ce problème de manière plus systémique, au lieu de le laisser planer comme un « accord secret ».
En Corée du Sud, où l'industrie du divertissement fonctionne avec une grande précision, l'utilisation de pistes préenregistrées n'est pas interdite, mais clairement encadrée. Le public est familier avec des concepts tels que AR (All Recorded), MR (Music Recorded) et Live AR (un mélange de voix en direct et préenregistrées).
Dans de nombreuses émissions musicales en Corée et dans plusieurs autres pays, le format des spectacles est public, ou du moins identifiable, ce qui instaure une certaine transparence entre l'artiste et le public. Cependant, malgré le soutien technique, les exigences en matière de formation vocale restent très élevées, ce qui impose aux artistes de posséder de solides bases avant de monter sur scène.
Au Japon, la discipline professionnelle est très valorisée. Pour les artistes de J-pop, notamment ceux qui envisagent une longue carrière, chanter en direct est quasiment une obligation lors de leurs concerts solo.
La technologie peut aider, mais elle ne peut pas remplacer. C'est pourquoi le public japonais accepte les imperfections — une légère fausse note, une respiration précipitée — comme faisant partie intégrante de l'expérience authentique.
Aux États-Unis et en Europe, où l'industrie musicale prospère depuis des décennies, le spectacle vivant n'est pas seulement une option, mais une norme. Lors d'événements comme les Grammy Awards ou Coachella, se produire en direct est quasiment une condition sine qua non.
Les erreurs, allant des fausses notes aux cris stridents, sont fréquentes, mais elles sont rarement considérées comme des « échecs ». Au contraire, elles sont perçues comme une preuve d'authenticité, quelque chose que la technologie ne peut reproduire.
Source : https://tuoitre.vn/hat-nhep-hat-de-danh-lua-khan-gia-de-qua-nen-lam-tran-lan-20260331225527312.htm
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