ミュージカルやセミクラシックの叙情音楽など、長尺の楽曲、覚えにくい歌詞、高度な技術を要するジャンルを追求しているにもかかわらず、ドゥク・トゥアンは出演時には生歌を歌うことを選んでいる。 - 写真：TTD
ホーチミン市文化スポーツ局が、舞台芸術活動における規律強化と誠実性の確保を求める文書を発行したことは、決して偶然ではない。
この動きは、口パクや録音済みのボーカルといった長年の問題が再び大きな話題となっているデリケートな時期に起こったものであり、プロと一般の人々の両方に、いわゆる「生演奏」の舞台で観客が一体何を聴いているのかという根本的な疑問を突きつけている。
ただ聞くだけでなく、目撃することも大切だ。
かつて音楽の舞台は、声が中心となる場所だった。歌手の声が響き渡り、その瞬間に成功か失敗かが決まる。どんなに高度な技術を駆使しても音程のずれは隠せず、力強さに欠ける演奏を「救う」強力な手段もなかった。しかし、まさにこの脆さこそが魅力を生み出していた。観客はただ聴くだけでなく、その瞬間を目撃していたのだ。
しかし、技術の発展と制作・パフォーマンス方法の変化に伴い、今日の舞台は様相を変えている。リップシンク（事前に録音された音声に合わせて唇を動かすこと）やボーカルレイヤリング（事前に録音されたボーカルレイヤーをベースに生歌を歌うこと）は、次第に日常的に使われる「安全な解決策」となってきた。
多くの番組、特に大規模なイベントや生放送では、技術的な側面が優先され、自分の本当の歌声を使うことはリスクとみなされる場合がある。
リップシンクや録音済みのボーカルを使用するケースの多くは、必ずしもアーティストの不誠実さから生じるものではないことに留意すべきである。歌、ダンス、そして観客との交流といった複数のパフォーマンスを同時に行うプレッシャーは、声の安定性を維持することをより困難にする。また、多くの会場で音響システムが不安定であることも、大きな障害となっている。
さらに、多くの若い歌手が早すぎる時期に有名になり、歌唱力を磨く機会もないまま大きな舞台に押し上げられるという現実もある。何千人もの観客の前では、テクノロジーに頼ることが一種の自己防衛機制となることもあるのだ。
できること
まず第一に、プロと視聴者の間の透明性を高める必要がある。歌手のドゥク・トゥアンは、番組が技術的な理由でオーバーレイボーカルや再生音源を使用する場合、それを必ずしも秘密にする必要はないと主張している。
逆に、公演形式を明示することで、観客は理解を深め、適切な選択をすることができる。「透明性はアーティストの価値を損なうものではなく、信頼関係の構築に役立つ」とドゥク・トゥアンは述べた。
さらに、様々な種類の舞台公演について、基準を再確立する必要がある。観客が料金を支払って憧れの歌手の歌声を聴くライブコンサートにおいては、口パクは容認できない。
30年近く歌い続けてきた「茶髪のナイチンゲール」は、貴重なライブボーカリストとして常に賞賛されてきた。写真：アーティスト提供。
実際、タイン・ラム、ホン・ニュン、クアン・ズン、ミー・タム、トゥン・ズオン、ヴォー・ハ・トラム、ホアン・ズン、フン・カイン・リンといった、ライブパフォーマンスにこだわり続けるアーティストたちは、常に聴衆の心の中で美しく確固たる地位を築いてきた。この地位は、決して完璧さゆえのものではなく、むしろ純粋な感情表現によるものだ。
一方、VOVの音楽編集者であるミン・ドゥック氏は、「パフォーマンス」と「ショーケース」の概念を混同しない限り、高度なパフォーマンスと複雑な振り付けを伴う番組では、ボーカルの重ね合わせを補助的なツールとして十分に活用できると主張している。
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もう一つの根本的な解決策は、トレーニングにある。指揮者のホアン・ディエップ氏は、「テクノロジーの助けを借りて名声がますます速く簡単に得られるようになった市場では、歌唱力への投資がしばしば見過ごされている」と述べている。
しかし、いかなる技術も声の持つ本来の力を完全に代替することはできない。長期的に業績水準を高めたいのであれば、学校から経営会社に至るまで、体系的な研修システムを構築することが不可欠である。
歌手のマイ・リーもこの見解に賛同しており、歌手は自分の声の長所と短所を理解し、得意分野と苦手分野を特定することで、音楽スタイルやパフォーマンスにおいて適切な選択ができるようになるため、一定のトレーニング過程を経る必要があると考えている。
彼女はこう言った。「歌手が自分の得意分野ではない場所で『強制的に』パフォーマンスさせられるリアリティ番組をいくつか見たことがある。それらの番組の再放送を見ると、問題なく、むしろかなり上手く見えるのに、同じ演目をコンサートで披露すると…ああ、もう、完全な大惨事よ！」
同様に重要なのは、制作に対する考え方の変化です。長年、ベトナムの音楽ステージは、より大きなLEDスクリーン、より複雑な振り付け、より豪華な舞台装置といった視覚効果を追い求めてきました。しかし、体験の中核である音楽に相応の投資がなされなければ、他のすべては単なる「飾り」に過ぎません。
したがって、口パク問題は、一部のアーティストや少数の事例だけの問題ではない。それは、技術の進歩が速すぎる一方で、プロの基準がそれに追いついていないという、ミスマッチの表れなのである。
もう一つの現実として、現代の観客層も変化している。彼らはもはや「美しくても偽物」のパフォーマンスに簡単に心を動かされることはなくなった。
ヴーの「後悔の博物館」、フン・カイン・リンの「千の旅の真ん中」、ホアン・ズンの「ぐるぐる回る」など、多くの若手歌手によるライブバンドコンサートが最近成功を収めていることは、真の価値観と本物の声への回帰の必要性が依然として存在し、むしろ強まっていることを示している。
結局のところ、音楽はテクノロジーを使って完全に「組み立てる」ことができるものではありません。録音は完璧に編集できますが、感情を込めて歌声が響く、たった一度のライブの瞬間だけが、聴衆に深い印象を残すのです。
ステージから本来の歌声が失われると、それは単なる技術的な要素の喪失ではなく、まさに魂そのものを失うことになる。観客の信頼を取り戻したいのであれば、まず最初にすべきことは、技術をさらに加えることではなく、最もシンプルなことに立ち返ること、つまり、声で歌い、それに伴うあらゆるリスクを受け入れることなのかもしれない。
まさにこうしたリスクの中にこそ、音楽は真に生き生きと輝くのだ。
世界は禁止するのではなく、分類する。
フン・カイン・リン、ラム、ホアン・ズンといった、音楽ファンを魅了し続けている歌手たちは、感情豊かなライブパフォーマンスで揺るぎない姿勢を貫いている。写真：アーティスト提供。
世界はこの問題を「秘密協定」として放置するのではなく、より体系的な方法で対処しようとしている。
エンターテインメント業界が高度な精度で運営されている韓国では、録音済みの楽曲の使用は禁止されていませんが、明確に分類されています。視聴者は、AR（All Recorded）、MR（Music Recorded）、Live AR（ライブと録音済みのボーカルを組み合わせたもの）といった概念に馴染みがあります。
韓国をはじめとする多くの国の音楽番組では、パフォーマンス形式は公開されているか、少なくとも分かりやすいものであり、アーティストと観客の間に一定の透明性が生まれている。しかし、技術的なサポートがあるにもかかわらず、ボーカルトレーニングの水準は依然として非常に高く、アーティストはステージに立つ前に確固たる基礎を身につけておく必要がある。
日本では、プロとしての規律が非常に重視される。特に長期的な活動を目指すJ-POPアーティストにとって、ソロコンサートでの生歌はほぼ必須条件となっている。
テクノロジーは補助的な役割を果たすことはできるが、代替することはできない。そのため、日本の観客は、わずかな音程のずれや息遣いの乱れといった不完全な瞬間を、本物の体験の一部として受け入れるのだ。
一方、音楽業界が数十年にわたり繁栄してきたアメリカやヨーロッパでは、「ライブ」は単なる選択肢ではなく、当たり前のこととなっている。グラミー賞やコーチェラのようなイベントでは、ライブパフォーマンスはほぼ必須条件と言えるだろう。
音程がずれたり、甲高い声を出したりといったミスは珍しくないが、それらは「失敗」とみなされることはほとんどない。むしろ、それらは本物らしさの証であり、テクノロジーでは再現できないものだと考えられている。
出典: https://tuoitre.vn/hat-nhep-hat-de-danh-lua-khan-gia-de-qua-nen-lam-tran-lan-20260331225527312.htm
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