![]() |
Maleriet Syn efter prædikenen blev malet af Paul Gauguin i 1888. Foto : Wikipedia. |
Illusionen efter forelæsningen
I Pont-Aven, hvor han levede midt i det kunstneriske fællesskab, der senere skulle blive kendt som en skole, opdagede Gauguin sin nye æstetiske sans.
Denne stil kan kaldes syntetisk eller partitioneret, karakteriseret ved flade overflader i klare farver, der ignorerer virtuelt rum og former defineret af skarpe konturer. Med den hensigt at gengive både virkelighed og fantasi er denne stil også kendt som symbolisme.
Et af de mest berømte værker, *Illusionen efter prædikenen * eller * Jakobs kamp med englen* , skildrer bretonske kvinder, der beder, mens de lytter til en prædiken, der beretter om en begivenhed i Første Mosebog: Jakobs kamp med englen.
I et brev til Vincent van Gogh dateret 26. september 1888 beskrev Gauguin perfekt sit arbejde og sine intentioner: "Jeg har lige færdiggjort et religiøst maleri, der er meget vanskeligt at udføre, men det glæder og tilfredsstiller mig. Jeg vil give det til Pont-Aven-kirken. Selvfølgelig kan de ikke lide det."
Bretonske kvinder samles til bøn i dybsort tøj. Deres huer er i lys hvid og gylden farve. De to huer til højre ligner djævlehatte. Et æbletræ strækker sig hen over maleriet, dets mørkelilla løv er afbildet i pletter som smaragdgrønne skyer med huller af gyldengrønt sollys. Jorden (ren cinnober). Kirken skråner nedad og er rødbrun.
Englen var iført en mørkeblå kappe, og Jakob en flaskegrøn. Englens vinger var af rent kromguld. Englens hår var også krom, og dens fødder var orange.
Jeg synes, jeg portrætterede personerne på en ekstremt enkel, usminket og oprigtig måde. Alt er meget højtideligt. Koen under træet er for lille til sin faktiske størrelse og ser ud som om, den er ved at rejse sig. For mig eksisterer landskabet og kampen i dette maleri kun i folks fantasi, mens de beder under prædikenen.”
Ud fra Gauguins egne ord forstår vi kunstnerens opgave: at finde en måde at repræsentere både virkelighed og illusion på, og at nægte at prioritere den ene frem for den anden. Denne enkelhed, fortolket gennem farvekontrast og de konturer, der definerer rammerne, fremstår som en effektiv og komplet syntese af, hvad forfatteren havde til hensigt at udtrykke.
Gauguin forsøgte ikke at demonstrere sine egne følelser eller fantasi, men snarere kompleksiteten af de afbildede personer. For at gøre dette besluttede han at opdele rummet i to dele ved hjælp af træstammen: på den ene side kvinderne, der beder; på den anden side, hvad de tænkte, mens de bad; på den ene side et realistisk billede, på den anden side et spirituelt.
Værket er arrangeret i en unik komposition og trækker tydeligt på den japanske (japonisme) stil, hvor træstammen bruges som en slags perspektivakse, og især "brydernes"¹ kropsholdning er inspireret af et fotografi af japanske brydere.
Selvom Gauguin var mindre påvirket af japansk kunst end Vincent van Gogh eller impressionisterne, anvendte han stadig et nyt perspektivdesign, der tillod ham at flytte hele scenen ud af centrum og skabe en flad, æterisk følelse, der fik alle elementer til at se ud til at være placeret på lige fod.
Maleriets mest slående træk er den stærke kontrast mellem de bretonske kvinders sort-hvide tøj og jordens røde farve; værket er tydeligt i dets forenklede farvepalet.
Ved at eliminere lokale toner, dvs. farver der angiveligt er taget fra naturen, understreger Gauguin denne effekt ved ikke at male skygger, som for at udtrykke scenens absurditet tydeligere.
Baggrunden er lige så omhyggeligt håndteret: gruppen af kvinder i det andet lag er kun overfladisk, om ikke spøgelsesagtigt, afbildet for at fremhæve den eneste kvinde i forgrunden, hvis ansigt er synligt.
Kvindens lukkede øjne antyder, at hun mediterer, og samtidig skaber kunstneren en distance til beskueren, en ubuden deltager i scenen; en person, der ikke kan forstå oplevelsen af disse kvinder, der lever enkle liv, gennemsyret af folklore og spiritualitet.
Her kan vi se en utilsløret kritik af det samfund, som Gauguin forsøgte at undslippe ...
-----------------
1. Originaltekst: “lutteurs”. Maleriets titel bruger det franske ord “lutte”, der betyder “kamp” eller “kamp”, mens “lutteurs” både betyder “deltagere i kampen” og henviser til japanske brydere.
Kilde: https://znews.vn/buc-tranh-noi-thuc-tai-va-ao-anh-cung-ton-tai-post1666014.html








