 |
Le tableau Vision après le sermon a été peint par Paul Gauguin en 1888. Photo : Wikipédia. |
L'illusion après la conférence
À Pont-Aven, vivant au sein de la communauté artistique qui allait devenir plus tard une école, Gauguin découvrit son nouveau sens esthétique.
Ce style, que l'on pourrait qualifier de synthétique ou de partition, se caractérise par des surfaces planes aux couleurs vives, ignorant l'espace virtuel et les formes aux contours nets. Visant à reproduire à la fois la réalité et l'imaginaire, il est également connu sous le nom de symbolisme.
L'une des œuvres les plus célèbres, *L'Illusion après le sermon * ou * Le Combat de Jacob avec l'ange* , représente des femmes bretonnes en prière tout en écoutant un sermon relatant un événement de la Genèse : le combat de Jacob avec l'ange.
Dans une lettre à Vincent Van Gogh datée du 26 septembre 1888, Gauguin décrit parfaitement son travail et ses intentions : « Je viens de terminer un tableau religieux très difficile à exécuter, mais qui me ravit et me satisfait. Je veux l’offrir à l’église de Pont-Aven. Bien sûr, il ne leur plaît pas. »
Des Bretonnes, vêtues de noir profond, se rassemblent pour prier. Leurs bonnets, d'un blanc éclatant et or, sont coiffés de chapeaux blancs et dorés. Les deux bonnets de droite évoquent des chapeaux de diable. Un pommier s'étend sur toute la toile, son feuillage pourpre foncé étant représenté par endroits comme des nuages vert émeraude percés de rayons de soleil vert doré. Le sol est d'un cinabre pur. L'église, en pente douce, est brun rougeâtre.
L'ange portait une robe bleu foncé et Jacob une robe vert bouteille. Les ailes de l'ange étaient d'un or chromé pur. Ses cheveux étaient également chromés et ses pieds étaient orange.
Je crois avoir dépeint les personnages de manière extrêmement simple, sans fioritures et sincère. Tout est empreint de solennité. La vache sous l'arbre paraît minuscule et semble se cabrer. Pour moi, dans ce tableau, le paysage et la bataille n'existent que dans l'imagination des fidèles pendant la prière.
D'après les propres mots de Gauguin, on comprend la démarche de l'artiste : trouver le moyen de représenter à la fois la réalité et l'illusion, sans privilégier l'une par rapport à l'autre. Cette simplicité, interprétée par le contraste des couleurs et les contours qui définissent les cadres, apparaît comme une synthèse efficace et aboutie de ce que l'auteur a voulu exprimer.
Gauguin ne cherchait pas à exprimer ses propres émotions ou son imagination, mais plutôt la complexité des personnages représentés. Pour ce faire, il choisit de diviser l'espace en deux parties à l'aide du tronc d'arbre : d'un côté, les femmes en prière ; de l'autre, leurs pensées pendant la prière ; une image réaliste, l'autre spirituelle.
Présentée dans une composition unique, l’œuvre s’inspire clairement du style japonais (japonisme), avec le tronc d’arbre utilisé comme une sorte d’axe de perspective, et notamment la posture des « lutteurs »¹ inspirée d’une photographie de lutteurs japonais.
Bien que moins influencé par l'art japonais que Vincent Van Gogh ou les impressionnistes, Gauguin a néanmoins employé une nouvelle conception de la perspective qui lui a permis de décentrer toute la scène et de créer une impression de planéité et d'éther, donnant l'impression que tous les éléments étaient placés sur un pied d'égalité.
L'élément le plus frappant du tableau est le fort contraste entre les vêtements noirs et blancs des femmes bretonnes et le rouge du sol ; l'œuvre se distingue par sa palette de couleurs simplifiée.
En éliminant les tons locaux, c'est-à-dire les couleurs supposément tirées de la nature, Gauguin accentue cet effet en ne peignant pas d'ombres, comme pour exprimer plus clairement l'absurdité de la scène.
L'arrière-plan est traité avec la même méticulosité : le groupe de femmes au second plan n'est représenté que superficiellement, voire fantomatiquement, afin de mettre en valeur la femme seule au premier plan dont le visage est visible.
Les yeux clos de la femme suggèrent qu'elle médite, et en même temps, l'artiste crée une distance avec le spectateur, un participant non invité à la scène ; quelqu'un qui ne peut pas comprendre l'expérience de ces femmes menant une vie simple, imprégnée de folklore et de spiritualité.
On peut y voir une critique à peine voilée de la société que Gauguin tentait de fuir...
---------------
1. Texte original : « lutteurs ». Le titre du tableau utilise le mot français « lutte », qui signifie « bataille » ou « combat » ; tandis que « lutteurs » signifie à la fois « participants à la bataille » et fait référence aux lutteurs japonais.
Source : https://znews.vn/buc-tranh-noi-thuc-tai-va-ao-anh-cung-ton-tai-post1666014.html
