Leppesynkronisering, lagvis vokal og å lure publikum er for enkelt, så det blir stadig mer utbredt?

Med stadig mer vanlige leppesynkroniseringer og lagdeling av vokaler, har spørsmålet om ærlighet på musikkscenen blitt presserende. Når teknologi kan «forskjønne» en hvilken som helst stemme, hvor går da grensen mellom å hjelpe og lure publikum?

Til tross for at han forfølger musikalsk teater og semiklassisk lyrisk musikk med lange sanger, tekster som er vanskelige å huske og høy teknisk dyktighet, velger Duc Tuan fortsatt å synge live når han opptrer - Foto: TTD

Det er ingen tilfeldighet at kultur- og idrettsdepartementet i Ho Chi Minh-byen utstedte et dokument som ba om styrket disiplin og sikring av ærlighet i utøvende kunstaktiviteter.

Dette trekket kommer på et sensitivt tidspunkt hvor spørsmålet om leppesynkronisering og forhåndsinnspilt vokal – et langvarig problem – dukker opp igjen som et hett tema, noe som tvinger både profesjonelle og publikum til å konfrontere et kjernespørsmål: Hva er det egentlig publikum hører på en scene som angivelig er «live»?

Mange sangere velger å leppesynkronisere ikke fordi stemmene deres er dårlige, men rett og slett fordi de er redde for å se dårlig ut på kamera (vise halsårene sine). Et betydelig antall artister velger leppesynkronisering rett og slett fordi de ikke stoler på scenens lydsystem. Når tekniske risikoer minimeres, fra mikrofoner og monitorer til signalbehandlingssystemer, får artister mer selvtillit til å synge live.

Regissør/ musikkprodusent KIKI TRAN

Ikke bare å høre, men også å være vitne til.

Musikkscenen pleide å være et sted der stemmen var i sentrum. En sangers stemme kunne høres, og suksess eller fiasko ble avgjort i det øyeblikket. Ingen mengde teknisk polstring kunne maskere upassende toner, og heller ikke noe verktøy kunne være kraftig nok til å "redde" en forestilling som manglet kraft. Det var nettopp denne skjørheten som skapte dens tiltrekningskraft: publikum ikke bare lyttet, men også var vitne til den.

Men med utviklingen av teknologi og endringer i produksjons- og fremføringsmetoder, er dagens scene annerledes. Lip-syncing (å flytte lepper til et forhåndsinnspilt spor) og vocal layering (å synge live, men basert på et forhåndsinnspilt vokalspor) har gradvis blitt «trygge løsninger» som brukes hver dag.

I mange programmer, spesielt store arrangementer eller direktesendinger, prioriteres tekniske aspekter, og det å bruke sin virkelige sangstemme blir noen ganger sett på som en risiko.

Det er verdt å merke seg at mange tilfeller av leppesynkronisering eller bruk av forhåndsinnspilt vokal ikke utelukkende stammer fra artistens uærlighet. Presset med å utføre flere handlinger – synge, danse og samhandle samtidig – gjør det vanskeligere å opprettholde vokal stabilitet. De inkonsekvente lydsystemene på mange spillesteder utgjør også en betydelig hindring.

I tillegg er det et faktum at mange unge sangere blir berømte for tidlig, og blir presset ut på store scener før de har fått sjansen til å perfeksjonere vokalferdighetene sine. Når man står foran tusenvis av tilskuere, blir det noen ganger en selvforsvarsmekanisme å stole på teknologi.

Ting som kan gjøres

Først og fremst må det være større åpenhet mellom profesjonelle og publikum. Sanger Duc Tuan argumenterer for at når et program bruker overleggsvokal eller avspilling av tekniske årsaker, bør det ikke nødvendigvis holdes hemmelig.

Omvendt kan det å avsløre fremføringsformatet hjelpe publikum med å forstå og ta passende valg. «Åpenhet reduserer ikke kunstnerens verdi; det bidrar til å bygge tillit», sa Duc Tuan.

I tillegg må standardene for ulike typer sceneopptredener gjenopprettes. For livekonserter – der publikum betaler for å høre en sanger de beundrer – er leppesynkronisering uakseptabelt.

Etter nesten 30 år med sang har den «brunhårede nattergalen» alltid blitt beundret som en verdifull livevokalist – Foto: Levert av artisten.

I virkeligheten har artister som holder ut med liveopptredener, som Thanh Lam, Hong Nhung, Quang Dung, My Tam, Tung Duong, Vo Ha Tram, Hoang Dung og Phung Khanh Linh, alltid hatt en vakker og solid plass i publikums hjerter. Denne posisjonen skyldes absolutt ikke absolutt perfeksjon, men snarere ekte følelser.

Motsatt argumenterer Minh Duc, musikkredaktør ved VOV, for at programmer med høyt fremføringsnivå og kompleks koreografi absolutt kan bruke vokallagdeling som et støttende verktøy, så lenge begrepene «fremføring» og «presentasjon» ikke blandes sammen.
musikk".

En annen grunnleggende løsning ligger i opplæring. Dirigent Hoang Diep observerte: «I et marked der berømmelse oppnås stadig raskere og lettere ved hjelp av teknologi, blir investering i vokalferdigheter ofte oversett.»

Ingen teknologi kan imidlertid fullstendig erstatte stemmens iboende kraft. Å bygge et systematisk opplæringssystem, fra skoler til ledelsesselskaper, er en forutsetning hvis vi ønsker å heve prestasjonsstandardene på lang sikt.

Sangeren My Le deler også dette synet, og mener at sangere må gjennomgå en viss treningsprosess for å forstå styrkene og svakhetene ved stemmene sine, identifisere sine styrker og mangler for å kunne ta passende valg i musikalsk stil og fremføring.

Hun sa: «Jeg har sett noen reality-TV-serier der sangere blir «tvunget» til å opptre på områder der de ikke er flinke. Når jeg ser på de innspilte versjonene, virker de greie, til og med ganske flinke, men når de fremfører den samme sangen på en konsert ... herregud, det er en fullstendig katastrofe!»

Like viktig er endringen i produksjonstankegangen. I årevis hadde vietnamesiske musikkscener en tendens til å jage visuelle effekter: større LED-skjermer, mer kompleks koreografi, mer ekstravagant iscenesettelse. Men hvis musikken, kjernen i opplevelsen, ikke får tilsvarende investering, er alt annet bare «belegget».

Problemet med leppesynkronisering er derfor ikke bare historien om noen få artister eller noen få hendelser. Det er en manifestasjon av en mismatch der teknologien utvikler seg for raskt, mens profesjonelle standarder ikke har holdt tritt.

En annen realitet er at dagens publikum også er i endring. De lar seg ikke lenger lett påvirke av forestillinger som er «vakre, men falske».

Den nylige suksessen med livekonserter av mange unge sangere – som «Museum of Regrets» av Vu, «Amidst a Thousand Tours» av Phung Khanh Linh, «Spinning Around» av Hoang Dung – viser at behovet for å vende tilbake til sanne verdier og autentiske stemmer fortsatt eksisterer, og til og med blir sterkere.

Til syvende og sist er ikke musikk noe som kan «settes sammen» fullstendig ved hjelp av teknologi. Et opptak kan redigeres til perfeksjon, men det er bare et enkelt live-øyeblikk, der vokalen resonnerer med følelser, som vil gi et varig inntrykk på publikum.

Når en scene mister sin autentiske vokal, mister den ikke bare et teknisk element, men selve sjelen. Og hvis vi ønsker å gjenvinne publikums tillit, er kanskje det første vi må gjøre ikke å legge til mer teknologi, men å modig vende tilbake til det enkleste: å synge med stemmene våre og akseptere alle risikoene som følger med.

Det er nettopp i disse risikoene at musikken virkelig blir levende.

Verden forbyr ikke, men kategoriserer.

Phung Khanh Linh, Lam, Hoang Dung – sangere på vei til å vinne over musikkelskere – står fast i sine følelsesmessig rike liveopptredener – Foto: Levert av artisten.

Verden konfronterer dette problemet på en mer systemisk måte, i stedet for å la det flyte rundt som en «hemmelig avtale».

I Sør-Korea, hvor underholdningsindustrien opererer med høy presisjon, er bruk av forhåndsinnspilte spor ikke forbudt, men det er tydelig kategorisert. Publikum er kjent med konsepter som AR (All Recorded), MR (Music Recorded) og Live AR (en blanding av live og forhåndsinnspilt vokal).

I mange musikkprogrammer i Korea og flere andre land er fremføringsformatet offentlig eller i det minste gjenkjennelig, noe som skaper en viss grad av åpenhet mellom artisten og publikum. Til tross for teknisk støtte er standardene for sangtrening fortsatt svært høye, noe som krever at artister har et solid grunnlag før de går ut på scenen.

I Japan verdsettes profesjonell disiplin høyt. For J-pop-artister, spesielt de som ønsker en langsiktig utøverkarriere, er det å synge live nærmest en obligatorisk standard på solokonsertene deres.

Teknologi kan hjelpe, men den kan ikke erstatte. Derfor aksepterer japanske publikummere uperfekte øyeblikk – en liten upassende tone, et raskt pust – som en del av den autentiske opplevelsen.

I USA og Europa, hvor musikkbransjen har blomstret i flere tiår, er «live» ikke bare et alternativ, men en norm. På arrangementer som Grammy Awards eller Coachella er det nesten en forutsetning å opptre live.

Feil som spenner fra feilaktige til skrikende stemmer er ikke uvanlige, men de blir sjelden sett på som «feil». Tvert imot oppfattes de som bevis på autentisitet, noe teknologien ikke kan gjenskape.

QUYNH NGUYEN

Kilde: https://tuoitre.vn/hat-nhep-hat-de-danh-lua-khan-gia-de-qua-nen-lam-tran-lan-20260331225527312.htm