 |
Obraz Wizja po kazaniu został namalowany przez Paula Gauguina w 1888 roku. Zdjęcie : Wikipedia. |
Iluzja po wykładzie
W Pont-Aven, żyjąc w środowisku artystycznym, które później stało się znane jako szkoła, Gauguin odkrył swój nowy zmysł estetyczny.
Styl ten można by nazwać syntetycznym lub partycjonalnym, charakteryzującym się płaskimi powierzchniami o jaskrawych kolorach, ignorującym przestrzeń wirtualną i kształty określone ostrymi konturami. Z zamiarem odtworzenia zarówno rzeczywistości, jak i wyobraźni, styl ten jest również znany jako symbolizm.
Jedno z najsłynniejszych dzieł, *Iluzja po kazaniu * lub * Walka Jakuba z aniołem* , przedstawia modlące się Bretonki, słuchające kazania opowiadającego o wydarzeniu z Księgi Rodzaju: walce Jakuba z aniołem.
W liście do Vincenta van Gogha z 26 września 1888 roku Gauguin doskonale opisał swoją twórczość i zamierzenia: „Właśnie ukończyłem obraz religijny, który jest bardzo trudny do wykonania, ale zachwyca mnie i satysfakcjonuje. Chcę go podarować kościołowi w Pont-Aven. Oczywiście, że im się nie podoba”.
Kobiety z Bretonki gromadzą się na modlitwie w głębokich, czarnych strojach. Ich czepce są jasnobiałe i złote. Dwa czepce po prawej stronie przypominają diabelskie kapelusze. Na obrazie rozciąga się jabłoń, której ciemnofioletowe liście ukazane są w postaci plam przypominających szmaragdowozielone chmury z przerwami złocisto-zielonego światła słonecznego. Ziemia (czysty cynober). Kościół opada w dół i ma czerwonobrązowy kolor.
Anioł miał na sobie ciemnoniebieską szatę, a Jakub butelkowozieloną. Skrzydła anioła były z czystego chromowanego złota. Włosy anioła również były chromowane, a stopy pomarańczowe.
Myślę, że przedstawiłem postacie w niezwykle prosty, surowy i szczery sposób. Wszystko jest bardzo uroczyste. Krowa pod drzewem jest za mała jak na swój rozmiar i wygląda, jakby stawała dęba. Dla mnie, na tym obrazie, krajobraz i bitwa istnieją tylko w wyobraźni ludzi modlących się podczas kazania.
Z słów samego Gauguina rozumiemy zadanie artysty: znaleźć sposób na przedstawienie zarówno rzeczywistości, jak i iluzji, nie stawiając jednej nad drugą. Ta prostota, interpretowana poprzez kontrast kolorów i kontury definiujące kadry, jawi się jako skuteczna i kompletna synteza tego, co autor chciał wyrazić.
Gauguin nie próbował ukazać własnych emocji ani wyobraźni, lecz złożoność przedstawionych postaci. W tym celu postanowił podzielić przestrzeń na dwie części za pomocą pnia drzewa: po jednej stronie modlące się kobiety; po drugiej to, o czym myślały podczas modlitwy; po jednej stronie obraz realistyczny, po drugiej duchowy.
Dzieło skomponowane w wyjątkowy sposób wyraźnie nawiązuje do stylu japońskiego (japonisme), w którym pień drzewa służy jako rodzaj osi perspektywy, a zwłaszcza postawa „zapaśników”¹ inspirowana jest fotografią japońskich zapaśników.
Mimo że Gauguin był mniej pod wpływem sztuki japońskiej niż Vincent van Gogh czy impresjoniści, zastosował nową perspektywę, która pozwoliła mu umieścić całą scenę poza środkiem i stworzyć płaski, eteryczny efekt, przez co wszystkie elementy wydawały się być umieszczone na równym poziomie.
Najbardziej uderzającą cechą obrazu jest silny kontrast między czarno-białym strojem bretońskich kobiet a czerwienią podłoża. Dzieło odznacza się uproszczoną paletą barw.
Eliminując lokalne odcienie, czyli kolory rzekomo zaczerpnięte z natury, Gauguin podkreśla ten efekt poprzez zaniechanie malowania cieni, jakby chciał w ten sposób wyraźniej wyrazić absurdalność sceny.
Tło zostało równie starannie zaprojektowane: grupa kobiet w drugiej warstwie jest przedstawiona tylko powierzchownie, wręcz widmowo, aby wyeksponować pojedynczą kobietę na pierwszym planie, której twarz jest widoczna.
Zamknięte oczy kobiety sugerują, że medytuje, ale jednocześnie artysta tworzy dystans wobec widza, nieproszonego uczestnika sceny, kogoś, kto nie jest w stanie zrozumieć doświadczeń tych kobiet, które prowadzą proste życie przesiąknięte folklorem i duchowością.
Tutaj możemy dostrzec nieskrywaną krytykę społeczeństwa, z którego Gauguin próbował uciec...
---------------
1. Tekst oryginalny: „lutteurs”. Tytuł obrazu pochodzi od francuskiego słowa „lutte”, oznaczającego „bitwę” lub „walkę”, podczas gdy „lutteurs” oznacza „uczestników bitwy” i odnosi się do japońskich zapaśników.
Source: https://znews.vn/buc-tranh-noi-thuc-tai-va-ao-anh-cung-ton-tai-post1666014.html
