Batalla de bandas sonoras

Kangding Ray representa una generación de compositores de música cinematográfica experimental que, en lugar de complementar los personajes, los temas y la trama, socavan intencionalmente la base sólida sobre la que podemos interpretar la historia.

Compositor Kangding Ray - Foto: Tom Durston

Esta podría ser la escena cinematográfica más extraña de 2025: una pandilla de matones y un anciano se adentran en el desierto en busca de su hijo desaparecido, haciendo sonar música techno apocalíptica a través de dos altavoces, moviéndose al ritmo, y de repente, uno de ellos es volado por una mina terrestre.

El grupo se había adentrado en un terreno minado. Sirāt, dirigida por el cineasta español Óliver Laxe, tiene una música excepcionalmente distintiva.

La ensordecedora música electrónica y el árido paisaje desértico se anulan mutuamente, creando una sensación de nihilismo y vacío. Los sonidos que deberían haber sido de una fiesta de repente se vuelven amenazantes e inhumanos, cada latido como una sentencia de muerte, una cruel profecía de muerte.

Si el título de la película, en la tradición islámica, significa un puente frágil donde los malvados caen al infierno y los buenos son conducidos al cielo, entonces la banda sonora es como un juego de vida o muerte, lleno de azar y destino humano.

El compositor de Sirāt, Kangding Ray, comenzó como DJ de música electrónica. Esta es apenas su segunda película compuesta, y ganó inmediatamente el premio a la banda sonora en Cannes, recibiendo numerosas nominaciones a importantes premios previos a los Oscar de este año.

En las nominaciones a los Globos de Oro de este año para bandas sonoras de películas, la inclusión de Kangding Ray, junto a otros como Jonny Greenwood (banda sonora de One Battle After Another) y Ludwig Göransson (banda sonora de Sinner, ganadora de esta categoría), crea una rivalidad interesante con compositores que tienen gustos más tradicionales, como el "rey" de las bandas sonoras de películas, Hans Zimmer (banda sonora de F1), y maestros como Alexandre Desplat (banda sonora de Frankenstein).

¿En qué se diferencian su estética y filosofía musical cinematográfica?

Comparemos dos películas que exploran un tema común: Pecadores y Frankenstein. Ambas narran la lucha de la humanidad contra los monstruos.

En Sinners, músicos de blues se enfrentan a vampiros que buscan robarles el alma y su música. En Frankenstein, un científico lucha contra la criatura inmortal e indómita que creó, impulsado por el deseo de detener la muerte. Sin embargo, el papel de la banda sonora en estas dos obras es muy diferente.

Con Frankenstein, una trama clásica que todos conocemos de memoria, Desplat, el compositor francés que creció con Debussy y Ravel, eligió una música muy trágica, muy clásica, muy romántica, muy europea.

Desde la primera y dramática escena inicial, contamos con una orquesta de cuerdas de apoyo. La música de Desplat se centra en la melodía. Representa al personaje, sugiriendo el alma del científico y el alma del excéntrico. La música está guiada por el pensamiento; es una narrativa moral que profundiza en el personaje.

La música de Göransson en Sinners, por otro lado, se centra en el ritmo. Escuchamos el ritmo, el impulso, el golpeteo, nos sumergimos en la música, nos estremecemos ante cualquier conclusión sobre lo bueno o lo malo, lo correcto o lo incorrecto, lo que debe condenarse o no.

El cuerpo reacciona a la música antes de que la razón pueda juzgar. Y como se inspira en el blues, la música de la clase trabajadora, la música de los oprimidos, la banda sonora de Sinners se siente más como un ritual colectivo, una historia compartida, que como la proyección del alma de un solo personaje.

Por lo tanto, el monstruo de Frankenstein tiene sus propias canciones temáticas, su propio estilo musical, y la música sobre el monstruo a veces evoca disgusto, a veces miedo y a veces empatía, compasión y simpatía.

Pero los vampiros de Sinners son mucho más complejos. No hay una sola canción recurrente asociada a ellos. No tienen un rostro musical. No son un individuo específico, sino un sistema completo, una sociedad.

Las victorias de compositores experimentales como Ludwig Göransson o Kangding Ray en los premios pre-Oscar, como los Globos de Oro y los Premios de la Asociación de Críticos de Los Ángeles, no son necesariamente un signo del declive de la música cinematográfica tradicional.

Simplemente demuestran que la música puede abrir un nuevo eje para el cine. No necesariamente un eje paralelo a la imagen, sino un eje perpendicular, un eje oblicuo, que perturbe lo que vemos en pantalla. El cine reside precisamente donde la música "rompe" la imagen.

Hien Trang

Fuente: https://tuoitre.vn/dai-chien-nhac-phim-20260118100058803.htm