Obwohl Duc Tuan sich dem Musiktheater und der halbklassischen, lyrischen Musik mit langen Liedern, schwer zu merkenden Texten und hohem technischem Können widmet, singt er bei seinen Auftritten immer noch live. – Foto: TTD
Es ist kein Zufall, dass das Kultur- und Sportministerium von Ho-Chi-Minh-Stadt ein Dokument herausgegeben hat, in dem es um mehr Disziplin und Ehrlichkeit bei darstellenden Kunstaktivitäten bittet.
Dieser Schritt erfolgt zu einem heiklen Zeitpunkt, da das Thema Lippensynchronisation und vorab aufgenommene Gesangspassagen – ein seit langem bestehendes Problem – wieder aktuell wird und sowohl Fachleute als auch die Öffentlichkeit zwingt, sich mit einer Kernfrage auseinanderzusetzen: Was genau hört das Publikum auf einer Bühne, die angeblich „live“ ist?
Nicht nur hören, sondern auch miterleben.
Früher stand auf der Musikbühne die Stimme im Mittelpunkt. Der Gesang eines Sängers wurde gehört, und Erfolg oder Misserfolg entschieden sich in diesem Augenblick. Keine noch so ausgefeilte Technik konnte falsche Töne kaschieren, kein noch so wirkungsvolles Mittel eine kraftlose Darbietung retten. Gerade diese Zerbrechlichkeit machte ihren Reiz aus: Das Publikum hörte nicht nur zu, sondern erlebte es auch.
Doch mit der technologischen Entwicklung und den veränderten Produktions- und Aufführungsmethoden präsentiert sich die Bühne heute anders. Lippensynchronisation (das Bewegen der Lippen zu einer vorab aufgenommenen Tonspur) und Vocal-Layering (Live-Gesang basierend auf einer vorab aufgenommenen Gesangsspur) haben sich nach und nach zu gängiger, sicherer Lösung entwickelt.
Bei vielen Programmen, insbesondere bei Großveranstaltungen oder Live-Übertragungen, haben technische Aspekte Priorität, und die Verwendung der eigenen Gesangsstimme wird manchmal als Risiko angesehen.
Es ist wichtig zu beachten, dass viele Fälle von Lippensynchronisation oder der Verwendung von vorab aufgenommenen Gesangsspuren nicht allein auf die Unehrlichkeit des Künstlers zurückzuführen sind. Der Druck, mehrere Darbietungen gleichzeitig zu absolvieren – singen, tanzen und interagieren – erschwert es, die Stimmstabilität zu wahren. Auch die uneinheitliche Tontechnik in vielen Veranstaltungsorten stellt ein erhebliches Hindernis dar.
Hinzu kommt die Tatsache, dass viele junge Sängerinnen und Sänger zu früh berühmt werden und auf große Bühnen gedrängt werden, bevor sie ihre Gesangstechnik perfektionieren konnten. Vor Tausenden von Zuschauern wird der Einsatz von Technologie manchmal zu einem Selbstschutzmechanismus.
Dinge, die man tun kann
Zuallererst bedarf es mehr Transparenz zwischen Fachleuten und Publikum. Sänger Duc Tuan argumentiert, dass die Verwendung von Overlay-Gesang oder Playback aus technischen Gründen nicht unbedingt geheim gehalten werden sollte.
Umgekehrt kann die Offenlegung des Aufführungsformats dem Publikum helfen, dieses zu verstehen und angemessene Entscheidungen zu treffen. „Transparenz mindert nicht den Wert des Künstlers; sie trägt zum Vertrauensaufbau bei“, sagte Duc Tuan.
Darüber hinaus müssen die Standards für verschiedene Arten von Bühnenauftritten neu festgelegt werden. Bei Live-Konzerten – wo das Publikum Eintritt bezahlt, um einen Sänger zu hören, den es bewundert – ist Playback inakzeptabel.
Nach fast 30 Jahren Gesangskarriere wird die „braunhaarige Nachtigall“ seit jeher als begnadete Live-Sängerin bewundert – Foto: Zur Verfügung gestellt von der Künstlerin.
Tatsächlich haben Künstler wie Thanh Lam, Hong Nhung, Quang Dung, My Tam, Tung Duong, Vo Ha Tram, Hoang Dung und Phung Khanh Linh, die sich dem Live-Auftritt verschrieben haben, seit jeher einen festen Platz in den Herzen ihres Publikums. Diese Stellung verdankt sie sicherlich nicht absoluter Perfektion, sondern vielmehr echten Emotionen.
Herr Minh Duc, Musikredakteur bei VOV, argumentiert hingegen, dass Sendungen mit hohem Leistungsniveau und komplexer Choreografie durchaus Gesangsschichten als unterstützendes Mittel einsetzen können, solange die Begriffe „Performance“ und „Präsentation“ nicht verwechselt werden.
Musik".
Eine weitere grundlegende Lösung liegt in der Ausbildung. Dirigent Hoang Diep bemerkte: „In einem Markt, in dem Ruhm mithilfe von Technologie immer schneller und einfacher zu erreichen ist, wird die Investition in stimmliche Fähigkeiten oft vernachlässigt.“
Allerdings kann keine Technologie die ureigene Kraft der Stimme vollständig ersetzen. Der Aufbau eines systematischen Ausbildungssystems, von Schulen bis hin zu Managementunternehmen, ist eine Grundvoraussetzung, wenn man die Leistungsstandards langfristig anheben will.
Auch die Sängerin My Le teilt diese Ansicht und ist der Meinung, dass Sänger einen gewissen Trainingsprozess durchlaufen müssen, um die Stärken und Schwächen ihrer Stimme zu verstehen, ihre Stärken und Schwächen zu erkennen, um die richtigen Entscheidungen hinsichtlich Musikstil und Darbietung treffen zu können.
Sie sagte: „Ich habe einige Reality-TV-Shows gesehen, in denen Sänger gezwungen werden, in Bereichen aufzutreten, in denen sie nicht gut sind. Wenn man sich die Wiederholungen dieser Shows ansieht, sieht es gut aus, sogar recht gut, aber wenn sie denselben Auftritt bei einem Konzert absolvieren ... oh mein Gott, es ist eine absolute Katastrophe!“
Ebenso wichtig ist der Wandel in der Produktionsmentalität. Jahrelang konzentrierten sich vietnamesische Musikbühnen auf visuelle Effekte: größere LED-Leinwände, komplexere Choreografien, aufwendigere Bühnenbilder. Doch wenn die Musik, der Kern des Erlebnisses, nicht im gleichen Maße gefördert wird, ist alles andere nur Beiwerk.
Das Problem der Lippensynchronisation betrifft daher nicht nur einige wenige Künstler oder Einzelfälle. Es ist vielmehr Ausdruck eines Missverhältnisses: Die Technologie entwickelt sich zu schnell, während die professionellen Standards nicht Schritt halten.
Eine weitere Realität ist, dass sich auch das heutige Publikum verändert. Es lässt sich nicht mehr so leicht von Darbietungen beeinflussen, die zwar schön, aber unecht sind.
Der jüngste Erfolg von Live-Band-Konzerten vieler junger Sänger – wie etwa „Museum of Regrets“ von Vu, „Amidst a Thousand Tours“ von Phung Khanh Linh und „Spinning Around“ von Hoang Dung – zeigt, dass das Bedürfnis nach einer Rückkehr zu wahren Werten und authentischen Stimmen weiterhin besteht und sogar noch stärker wird.
Letztendlich lässt sich Musik nicht vollständig mithilfe von Technologie „zusammensetzen“. Eine Aufnahme kann zwar perfekt bearbeitet werden, aber nur ein einziger Live-Moment, in dem der Gesang von Emotionen durchdrungen ist, hinterlässt einen bleibenden Eindruck beim Publikum.
Wenn eine Bühne ihren authentischen Gesang verliert, verliert sie nicht nur ein technisches Element, sondern ihre Seele. Und wenn wir das Vertrauen des Publikums zurückgewinnen wollen, sollten wir vielleicht nicht als Erstes mehr Technik einsetzen, sondern mutig zum Einfachsten zurückkehren: mit unseren Stimmen singen und alle damit verbundenen Risiken in Kauf nehmen.
Gerade in diesen Risiken erwacht die Musik erst richtig zum Leben.
Die Welt verbietet nicht, sondern kategorisiert.
Phung Khanh Linh, Lam, Hoang Dung – Sängerinnen und Sänger, die auf dem besten Weg sind, die Herzen der Musikliebhaber zu erobern – bleiben ihren emotionalen Live-Auftritten treu – Foto: Zur Verfügung gestellt vom Künstler.
Die Welt geht dieses Problem systematischer an, anstatt es als „geheime Übereinkunft“ weiter bestehen zu lassen.
In Südkorea, wo die Unterhaltungsindustrie mit hoher Präzision arbeitet, ist die Verwendung von vorproduzierten Tonspuren zwar nicht verboten, aber klar kategorisiert. Dem Publikum sind Konzepte wie AR (All Recorded), MR (Music Recorded) und Live AR (eine Mischung aus Live- und vorproduziertem Gesang) vertraut.
In vielen Musikprogrammen in Korea und anderen Ländern ist das Aufführungsformat öffentlich oder zumindest erkennbar, wodurch eine gewisse Transparenz zwischen Künstler und Publikum entsteht. Trotz technischer Unterstützung bleiben die Anforderungen an die Gesangsausbildung jedoch sehr hoch, sodass Künstler über ein solides Fundament verfügen müssen, bevor sie die Bühne betreten.
In Japan genießt professionelle Disziplin einen hohen Stellenwert. Für J-Pop-Künstler, insbesondere für diejenigen, die eine langfristige Bühnenkarriere anstreben, ist Live-Gesang bei ihren Solokonzerten nahezu obligatorisch.
Technologie kann helfen, aber nicht ersetzen. Daher akzeptieren japanische Zuschauer kleine Unvollkommenheiten – einen leicht verstimmten Ton, einen hastigen Atemzug – als Teil des authentischen Erlebnisses.
In den USA und Europa, wo die Musikindustrie seit Jahrzehnten floriert, ist Live-Musik nicht nur eine Option, sondern die Norm. Bei Veranstaltungen wie den Grammy Awards oder Coachella ist ein Live-Auftritt fast schon Pflicht.
Fehler, von schiefem Gesang bis hin zu kreischenden Stimmen, sind nicht ungewöhnlich, werden aber selten als „Misserfolge“ angesehen. Im Gegenteil, sie gelten als Beweis für Authentizität, etwas, das Technologie nicht nachahmen kann.
Quelle: https://tuoitre.vn/hat-nhep-hat-de-danh-lua-khan-gia-de-qua-nen-lam-tran-lan-20260331225527312.htm
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