Bataille de la bande originale

Kangding Ray représente une génération de compositeurs de musique de film expérimentale qui, au lieu de compléter les personnages, les thèmes et l'intrigue, sapent intentionnellement les fondements solides sur lesquels nous pouvons interpréter le récit.

Compositeur Kangding Ray - Photo : Tom Durston

Voici peut-être la scène de film la plus bizarre de 2025 : une bande de voyous et un vieil homme partent dans le désert à la recherche de leur enfant disparu, en diffusant de la musique techno apocalyptique à plein volume sur deux haut-parleurs, en se balançant au rythme, et soudain, l’un d’eux est tué par une mine terrestre.

Le groupe s'était aventuré en terrain miné. Sirāt, réalisé par le cinéaste espagnol Óliver Laxe, possède une musique exceptionnellement singulière.

La musique électronique assourdissante et le paysage désertique aride s'annulent mutuellement, créant un sentiment de nihilisme et de vide. Les sons qui auraient dû annoncer une fête deviennent soudain menaçants et inhumains, chaque battement résonnant comme un glas, une cruelle prophétie de mort.

Si le titre du film, dans la tradition islamique, signifie un pont fragile où les méchants tombent en enfer et les bons sont conduits au paradis, alors la bande originale est comme un jeu de vie et de mort, plein de hasard et de destin humain.

Le compositeur de Sirāt, Kangding Ray, a débuté comme DJ de musique électronique. Il s'agit seulement de sa deuxième composition pour un film, et il a immédiatement remporté le prix de la meilleure musique de film à Cannes, recevant de nombreuses nominations aux principales cérémonies de remise de prix jusqu'aux Oscars de cette année.

Dans les nominations aux Golden Globes de cette année pour les musiques de film, la présence de Kangding Ray, aux côtés d'autres compositeurs comme Jonny Greenwood (musique de One Battle After Another) et Ludwig Göransson (musique de Sinner - lauréat de cette catégorie), crée une rivalité intéressante avec des compositeurs aux goûts plus traditionnels, tels que le « roi » des musiques de film, Hans Zimmer (musique de F1), et des maîtres comme Alexandre Desplat (musique de Frankenstein).

En quoi leurs esthétiques et philosophies en matière de musique de film diffèrent-elles ?

Comparons deux films qui explorent un thème commun : Sinners et Frankenstein. Tous deux racontent l’histoire de la lutte de l’humanité contre les monstres.

Dans Sinners, des musiciens de blues affrontent des vampires qui cherchent à leur voler leurs âmes et leur musique. Dans Frankenstein, un scientifique lutte contre la créature immortelle et indomptée qu'il a créée, animé par le désir d'enrayer la mort. Cependant, le rôle de la bande originale dans ces deux œuvres est très différent.

Avec Frankenstein, une intrigue classique que tout le monde connaît par cœur, Desplat — le compositeur français qui a grandi avec Debussy et Ravel — a choisi une musique très tragique, très classique, très romantique, très européenne.

Dès la première scène d'ouverture, un orchestre à cordes nous accompagne. La musique de Desplat, axée sur la mélodie, incarne le personnage, suggérant à la fois l'âme du scientifique et celle de l'excentrique. Guidée par la pensée, elle constitue un récit moral qui approfondit la personnalité du personnage.

La musique de Göransson dans Sinners, en revanche, est axée sur le rythme. On perçoit la pulsation, l'impulsion, le martèlement des doigts ; on est happé par la musique, on frémit à l'idée de porter des jugements sur le bien et le mal, le juste et l'injuste, ce qui doit être condamné et ce qui ne doit pas l'être.

Le corps réagit à la musique avant même que la raison puisse juger. Et parce qu'elle puise son inspiration dans le blues, la musique de la classe ouvrière, la musique des opprimés, la bande originale de Sinners s'apparente davantage à un rituel collectif, à une histoire partagée, qu'à une projection de l'âme d'un seul personnage.

Par conséquent, le monstre de Frankenstein possède ses propres thèmes musicaux, son propre style musical, et la musique qui lui est associée évoque tantôt le dégoût, tantôt la peur, et tantôt l'empathie, la compassion et la sympathie.

Mais les vampires de Sinners sont bien plus complexes. Ils n'ont pas de thème musical récurrent. Ils n'ont pas d'identité musicale propre. Ils ne sont pas un individu précis, mais un système entier, une société.

Les victoires de compositeurs expérimentaux comme Ludwig Göransson ou Kangding Ray lors de remises de prix pré-Oscars telles que les Golden Globes et les Los Angeles Critics' Association Awards ne sont pas nécessairement un signe du déclin de la musique de film traditionnelle.

Ils démontrent simplement que la musique peut ouvrir une nouvelle perspective au cinéma. Pas nécessairement une perspective parallèle à l'image, mais plutôt une perspective perpendiculaire, oblique, qui perturbe ce que nous voyons à l'écran. Le cinéma se situe précisément là où l'image est « brisée » par la musique.

Hien Trang

Source : https://tuoitre.vn/dai-chien-nhac-phim-20260118100058803.htm