Az ajakszinkronizálás, az ének rétegezése és a közönség megtévesztése túl könnyű, ezért kezdenek elterjedtté válni?

Mivel az ajakszinkron és az énekrétegek egyre gyakoribbak, a zenei színpadon az őszinteség kérdése sürgetővé vált. Amikor a technológia bármilyen hangot „megszépíthet”, hol a határ a közönség segítése és megtévesztése között?

Annak ellenére, hogy a zenés színházat és a hosszú dalokkal, nehezen megjegyezhető dalszövegekkel és magas technikai tudással teli, félig klasszikus lírai zenét kedveli, Duc Tuan mégis élőben énekel, amikor fellép - Fotó: TTD

Nem véletlen, hogy Ho Si Minh-város Kulturális és Sportminisztériuma kiadott egy dokumentumot, amelyben a fegyelmet erősítették meg, és biztosították a becsületességet az előadó-művészeti tevékenységekben.

Ez a lépés egy olyan érzékeny időszakban történik, amikor az ajakszinkron és az előre felvett énekhang kérdése – egy régóta fennálló probléma – újra forró témaként kerül elő, arra kényszerítve mind a szakembereket, mind a közönséget, hogy szembenézzenek egy alapvető kérdéssel: Mit hall pontosan a közönség egy olyan színpadon, amely állítólag „élő”?

Sok énekes nem azért választja az ajakszinkront, mert rossz a hangja, hanem egyszerűen azért, mert félnek attól, hogy rosszul fognak kinézni a kamerában (látszanak a nyaki ereik). Jelentős számú művész egyszerűen azért választja az ajakszinkront, mert nem bízik a színpad hangrendszerében. Amikor a technikai kockázatokat minimalizálják, a mikrofonoktól és monitoroktól kezdve a jelfeldolgozó rendszerekig, a művészek nagyobb önbizalommal énekelnek élőben.

Rendező/ Zenei producer: KIKI TRAN

Nemcsak hallani, hanem tanúskodni is.

A zenei színpad régen olyan hely volt, ahol az énekhang volt a középpontban. Az énekes hangja hallatszott, és a siker vagy a kudarc abban a pillanatban dőlt el. Semmilyen technikai kiegészítő nem volt elég vastag ahhoz, hogy elfedje a hamis hangokat, és semmilyen hatékony eszköz nem volt ahhoz, hogy „megmentse” az erőtlen előadást. Ez a törékenység teremtette meg a vonzerejét: a közönség nemcsak hallgatta, hanem tanúja is volt.

A technológia fejlődésével, valamint a produkciós és előadásmódszerekben bekövetkezett változásokkal azonban a mai helyzet más. Az ajakszinkronizálás (az ajkak mozgatása egy előre felvett számra) és az énekrétegezés (élő éneklés, de egy előre felvett énekréteg alapján) fokozatosan „biztonságos megoldásokká” váltak, amelyeket minden nap használnak.

Sok programban, különösen a nagyszabású eseményeken vagy élő közvetítéseken, a technikai szempontok élveznek elsőbbséget, és a valódi énekhang használata néha kockázatosnak tekinthető.

Érdemes megjegyezni, hogy az ajakszinkron vagy az előre felvett énekhangok használatának számos esete nem teljesen a művész becstelenségéből fakad. A több felvonás – éneklés, tánc és interakció egyidejű végrehajtásának nyomása megnehezíti a hang stabilizálását. A helyszínek következetlen hangrendszerei is jelentős akadályt jelentenek.

Ráadásul ott van az a tény is, hogy sok fiatal énekes túl korán válik híressé, mivel még azelőtt nagy színpadokra tolják őket, hogy lehetőségük lett volna tökéletesíteni vokális képességeiket. Amikor több ezer néző előtt állunk, a technológiára való támaszkodás néha önvédelmi mechanizmussá válik.

Megtehető dolgok

Elsősorban nagyobb átláthatóságra van szükség a szakemberek és a közönség között. Duc Tuan énekes amellett érvel, hogy amikor egy műsor technikai okokból vokált vagy visszajátszást használ, azt nem feltétlenül kell titokban tartani.

Ezzel szemben az előadás formátumának nyilvánosságra hozatala segíthet a közönségnek megérteni és megfelelő döntéseket hozni. „Az átláthatóság nem csökkenti a művész értékét; segít a bizalom kiépítésében” – mondta Duc Tuan.

Ezenkívül újra kell határozni a különböző típusú színpadi előadások színvonalát. Élő koncerteknél – ahol a közönség fizet azért, hogy hallhassa a csodált énekest – az ajakszinkronizálás elfogadhatatlan.

Közel 30 évnyi éneklés után a "barna hajú csalogányt" mindig is értékes élő énekesnőként csodálták - Fotó: A művész közlése szerint.

A valóságban az olyan művészek, akik kitartóan élő fellépéseket tesznek, mint Thanh Lam, Hong Nhung, Quang Dung, My Tam, Tung Duong, Vo Ha Tram, Hoang Dung és Phung Khanh Linh, mindig is szép és szilárd helyet foglaltak el közönségük szívében. Ez a pozíció természetesen nem az abszolút tökéletességnek, hanem inkább az őszinte érzelmeknek köszönhető.

Ezzel szemben Minh Duc úr, a VOV zenei szerkesztője amellett érvel, hogy a magas szintű előadásmódot és komplex koreográfiát igénylő programokban abszolút használható az énekrétegzés kiegészítő eszközként, feltéve, hogy az „előadás” és a „bemutatás” fogalmait nem keverik össze.
zene".

Egy másik alapvető megoldás a képzésben rejlik. Hoang Diep karmester megjegyezte: „Egy olyan piacon, ahol a hírnév egyre gyorsabban és könnyebben elérhető a technológia segítségével, a hangképzésbe való befektetést gyakran figyelmen kívül hagyják.”

Azonban egyetlen technológia sem helyettesítheti teljesen a hangban rejlő erőt. Egy szisztematikus képzési rendszer kiépítése, az iskoláktól a vezetői cégekig, előfeltétele annak, ha hosszú távon emelni akarjuk a teljesítményszintet.

My Le énekes is osztja ezt a nézetet, úgy véli, hogy az énekeseknek egy bizonyos képzési folyamaton kell átesniük ahhoz, hogy megértsék hangjuk erősségeit és gyengeségeit, azonosítsák erősségeiket és hiányosságaikat, hogy megfelelő döntéseket hozhassanak zenei stílusuk és előadásmódjuk tekintetében.

Azt mondta: „Láttam néhány valóságshow-t, ahol az énekeseket »kényszerítik« arra, hogy olyan területeken lépjenek fel, ahol nem jók. Ezeknek a műsoroknak az ismétléseit nézve rendben lévőnek, sőt egészen jónak tűnik, de amikor ugyanazt a számot adják elő egy koncerten... istenem, az egy kész katasztrófa!”

Ugyanilyen fontos a produkciós szemléletváltás is. Évekig a vietnami zenei színpadok hajlamosak voltak vizuális effekteket hajszolni: nagyobb LED-képernyőket, összetettebb koreográfiát, extravagánsabb díszletet. De ha a zene, az élmény magja, nem kap arányos befektetést, akkor minden más csak "a bevonat".

A szájszinkronizáció problémája tehát nem csupán néhány művész vagy néhány incidens története. Ez egy olyan eltérés megnyilvánulása, ahol a technológia túl gyorsan fejlődik, miközben a szakmai színvonal nem tart lépést vele.

Egy másik valóság az, hogy a mai közönség is változik. Már nem könnyen befolyásolhatók a „gyönyörű, de mű” előadásokkal.

A fiatal énekesek élő zenekari koncertjeinek közelmúltbeli sikere – mint például a Vu „Museum of Regrets”, a Phung Khanh Linh „Amidst a Thousand Tours” és a Hoang Dung „Spinning Around” című számai – azt mutatja, hogy továbbra is fennáll, sőt, egyre erősebb az igény a valódi értékekhez és a hiteles hangokhoz való visszatérésre.

Végső soron a zene nem valami, amit teljesen „össze lehet rakni” technológia segítségével. Egy felvételt tökéletesen meg lehet szerkeszteni, de csak egyetlen élő pillanat, ahol az ének érzelmekkel rezonál, hagy maradandó benyomást a közönségre.

Amikor egy színpad elveszíti az autentikus énekhangját, nemcsak egy technikai elemet veszít, hanem magát a lelkét is. És ha vissza akarjuk nyerni a közönség bizalmát, talán nem az az első dolog, amit tennünk kell, hogy több technológiát hozzunk létre, hanem az, hogy bátran visszatérjünk a legegyszerűbb dologhoz: a saját hangunkkal énekeljünk, és vállaljuk az ezzel járó összes kockázatot.

Pontosan ezekben a kockázatokban kel igazán életre a zene.

A világ nem tilt, hanem kategorizál.

Phung Khanh Linh, Lam, Hoang Dung - az énekesek, akik úton vannak a zenekedvelők meghódítása felé - érzelmekben gazdag élő előadásaikban rendíthetetlenek maradnak - Fotó: A művész közlése szerint.

A világ rendszerszintű módon néz szembe ezzel a problémával, ahelyett, hogy „titkos megállapodásként” hagyná lebegni a levegőben.

Dél-Koreában, ahol a szórakoztatóipar nagy precizitással működik, az előre felvett zeneszámok használata nem tiltott, de egyértelműen kategorizált. A közönség ismeri az olyan fogalmakat, mint az AR (All Recorded – Teljesen felvett), az MR (Music Recorded – Zene felvéve) és a Live AR (élő és előre felvett énekhang keveréke).

Sok koreai és más országbeli zenei programban az előadás formátuma nyilvános vagy legalábbis felismerhető, ami bizonyos fokú átláthatóságot teremt a művész és a közönség között. A technikai támogatás ellenére azonban az énekképzés színvonala továbbra is nagyon magas, és megköveteli a művészektől, hogy szilárd alapokkal rendelkezzenek, mielőtt színpadra lépnek.

Japánban a szakmai fegyelmet nagyra értékelik. A J-pop előadók számára, különösen azok számára, akik hosszú távú előadói karriert terveznek, az élő éneklés szinte kötelező alapkövetelmény a szólókoncertjeiken.

A technológia segíthet, de nem helyettesítheti. Ezért a japán közönség a tökéletlen pillanatokat – egy kis hamis hangot, egy kapkodó lélegzetet – a hiteles élmény részének tekinti.

Eközben az Egyesült Államokban és Európában, ahol a zeneipar évtizedek óta virágzik, az „élő” fellépés nem csupán egy lehetőség, hanem norma. Az olyan eseményeken, mint a Grammy-díjátadó vagy a Coachella, az élő fellépés szinte alapfeltétel.

A hamis hangnemtől a visító hangokig terjedő hibák nem ritkák, de ritkán tekintik őket „kudarcnak”. Épp ellenkezőleg, a hitelesség bizonyítékának tekintik őket, amit a technológia nem tud lemásolni.

QUYNH NGUYEN

Forrás: https://tuoitre.vn/hat-nhep-hat-de-danh-lua-khan-gia-de-qua-nen-lam-tran-lan-20260331225527312.htm