Gjennom mørket for å hilse lyset

Sun Symfoniorkesteret fremfører musikkvelden «Sjostakovitsj – Den ufortalte historien». (Foto: SSO levert)

Gjennom mørket «Kammersymfoni»

Man kan si at D. Sjostakovitsj' musikk er et speil som gjenspeiler tidens motsetninger, mellom undertrykkelsens mørke og den menneskelige viljens lys, mellom en hånlig holdning og en ukuelig ånd.

Som professor David Fanning, en musikkforsker som spesialiserer seg på de to komponistene Carl Nielsen og Dmitri Sjostakovitsj, sa: «Mellom det motstridende presset fra myndighetenes krav, utholdenheten til de fleste av hans kolleger og hans personlige ideer om å tjene menneskeheten og offentligheten, lyktes han i å smi et musikalsk språk med enorm emosjonell kraft.»

Dmitri Sjostakovitsj ble født 25. september 1906 i St. Petersburg, inn i en middelklassefamilie med en far som var kjemiker og en talentfull pianist. Han var kjent med piano og begynte med komposisjon i svært ung alder. Han vant andrepremien i den første Chopin-konkurransen, fullførte symfoni nr. 1 rett etter at han ble uteksaminert fra konservatoriet i 1926 og ble ønsket velkommen av publikum som den første talentfulle komponisten etter revolusjonen.

Sjostakovitsj følte seg som et medlem av generasjonen som vokste opp takket være revolusjonens seier, og identifiserte seg alltid svært instinktivt med romantikken i den nye æraen han tilhørte. Med en drømmesamling av priser i og utenfor (det tidligere) Sovjetunionen ble han ansett som «en av de mektigste musikalske stemmene i det 20. århundre», med en enorm komposisjonsarv.

Kammersymfonien (Op. 110a) som musikksjef Olivier Ochanine valgte å fremføre på konserten er et verk ladet med tristhet, et selvportrett i lyd, en bekjennelse av Sjostakovitsj' egen smerte og fullstendige utmattelse, samtidig som han bærer i seg sykdom, ensomhet og pine.

Historien forteller at Dmitri Sjostakovitsj, 54 år gammel, dro til den bombeherjede byen Dresden for å komponere musikk til en film som skildret de forferdelige ødeleggelsene under andre verdenskrig . Men uten å ta hensyn til sitt opprinnelige formål, unnfanget han et av de mest dype og gripende verkene i karrieren sin: «Strykekvartett nr. 8 i c-moll», senere transkribert for strykere av Rudolf Barshai som «Kammersymfoni op. 110a».

Stykket, som offisielt er dedikert til «ofrene for fascisme og krig», er faktisk et minnesmerke over komponisten selv. DSCH-akkorden (fire toner D–E♭–C–B) hentet fra hans tyske initialer (D. Sch) runger og gjentas gjennom hele stykket som en kode av ego-selv etset inn i hver takt.

Den unike signaturen han ofte brukte for å signere noen av disse verkene, når han opptrådte i «Kammersymfonien», ble implisitt forstått som en smertefull bekreftelse av «Jeg er fortsatt her», midt i et fellesskap som ønsket å viske ut den personlige fargen til hvert medlem.

Publikum synes å famle seg gjennom en mørk og smertefull reise i komponistens indre verden, fylt med kaotiske bevegelser. Fra dysterheten i den innledende Largo til den forvrengte rytmen og den hjemsøkende repetisjonen som fremkaller krigens redsler i andre sats – Allegro Molto. Fra den spøkelsesaktige valsen som en dans av spøkelser i ruinene av tredje sats til den tankefulle begravelsen i fjerde sats. Og så slutter det med det svake pustet i den skjøre stillheten i siste sats, som en trist og sørgmodig følelse når man kontemplerer minner, ego og grensene for hver enkelt persons utholdenhet.

For de fleste av publikum i Hoan Kiem-teaterets auditorium var det ikke lett å utforske mørket i seg selv. Å gå gjennom melankolien og forvirringen i «Kammersymfonien» var den mest subtile måten å berøre forfatterens komplekse indre verden på. Så brast han i gråt da han ble badet i det strålende lyset fra det påfølgende verket, og innså hvor vakkert lyset var sammenlignet med den mørke avgrunnen han nettopp hadde møtt. Det var sannsynligvis også den franske dirigenten Olivier Ochanines intensjon da han valgte å avslutte Sjostakovitsj sin «ufortalte historie» med et gledesfylt verk med tittelen Konsert nr. 1 for piano, trompet og strykere.

På denne måten har SSO reist tilbake i tid, slik at vi fra de siste årene av sitt liv møter en ung Sjostakovitsj som både var full av liv og intelligens, men likevel merkelig sarkastisk og ekstravagant. I konsert nr. 1 for piano, trompet og strykere er piano og trompet ikke bare to instrumenter, men to stemmer som krangler – mellom fornuft og følelser, mellom frykt og frihet. Trompeten ser ut til å erte, le arrogant av tragedier. Pianoet, derimot, både tårer og synger en sang fylt med tro på ethvert menneske.

Og ønsk lyset velkommen med «Konsert nr. 1»

I løpet av hans levetid fikk Sjostakovitsj sitt liv, ideologi, politiske synspunkter og noen av verkene hans blandede anmeldelser. Men ingen kan benekte at han var en stor komponist.

Gjennom øynene til mange kjente kritikere, med symfonier, kan man se innflytelsen fra Musogrskij, Tsjaikovskij og til og med til en viss grad - Rachmaninov på Sjostakovitsj i den episke formen og kraftfulle orkesterarrangementene.

Men innen konsertverdenen, spesielt med pianokonsertene, prøvde Sjostakovitsj å avvike så langt som mulig fra de store russiske modellene. Når man sammenligner Sjostakovitsj' pianokonsert nr. 1 med lignende verk av hans samtidige, er det vanskelig å si at de tilhører samme sjanger.

Hvis Rachmaninov, Tsjaikovskij eller Brahms prøvde å utvide pianokonsertene til noe som lignet en symfoni med solopiano, forvandlet Sjostakovitsj verket sitt til noe helt nytt, satirisk og vittig, kompakt og pent.

Det sies at Sjostakovitsj opprinnelig hadde til hensikt å komponere en trompetkonsert for Alexander Schmidt, førstetrompetist i Leningrad-filharmonien, men han syntes de tekniske utfordringene var vanskelige og bestemte seg for å legge til piano og gjøre det om til en konsert for to instrumenter med et orkester kun bestående av strykere – ganske uvanlig for Sjostakovitsj.

Verket viser også en uvanlig side ved musikken hans, og bringer underholdning, moro og vidd, og blir en av de mest populære konsertene i dag.

Klaverkonsert nr. 1, komponert i 1933, er et av Sjostakovitsj' mest briljante og dristige verk – en satirisk konsert, vevd sammen med ungdommelig ånd, skarp vidd og uventede øyeblikk med dyp skjønnhet.

Stykket er skrevet for piano, trompet og strykere, og er nærmest en dobbelkonsert: trompeten spiller rollene som kommentator, klovn og provokatør, og sjonglerer med pianoet i vittige og uventede utvekslinger. Verkets fremdriftsfylte, lekne energi gjenspeiler den unge Sjostakovitsj – både en virtuos utøver og en rampete satiriker.

Verkets fire satser er en virvelvind av stil og følelser, og beveger seg fra de lekne fanfarene og den skarpe samtalen mellom to instrumenter i første sats til de varme og skjøre pianotonene i andre sats. Deretter punkterer korte, mystiske pauser de to verdenene med overdådige harmonier i tredje sats, og avsluttes med en skjev latter og et rampete blunk i siste sats.

To artister, pianosolist Luu Duc Anh og trompetsolist Daiki Yamanoi, tar på seg oppgaven med å bringe denne konserten til publikum i hovedstaden. Som en av de ledende pianistene i Vietnam har Luu Duc Anh en imponerende merittliste, med prestisjetunge musikkskoler han har gått på, nasjonale og internasjonale priser han har mottatt, prestisjetunge orkestre han har deltatt i og prestisjetunge konkurranser han har vært dommer i.

«Konsert nr. 1» berørte publikums hjerter, takket være fremføringsteknikken og den emosjonelle dybden til dette elskede ansiktet.

Ved siden av ham fungerer Sun Symphony Orchestras assosiert trompetist Daiki Yamanoi som partner og sjonglør, og fletter sammen vidd og lyrikk i hver musikalske dialog.

Sammen belyser de Sjostakovitsj’ paradoksale verden – der latter går hånd i hånd med fortvilelse og satire blir det sanneste uttrykket for forfatterens budskap.

Sjostakovitsj – Konserten «Untold Stories» åpnet med «Mikhail Glinkas valsfantasi», en drømmedans, et rom klart, romantisk og lett som et pust. Glinka – pioneren innen russisk musikk – la grunnlaget for natten med mild, skjør skjønnhet før Sjostakovitsj’ musikalske verden avslørte drømmens skjørhet foran historiens tyngde. Begge komponistene, i to forskjellige perioder, gjorde valsen til et symbol på menneskelivet – både grasiøs og hjemsøkende, men også potensielt ukuelig og full av vitalitet.

CUC PHUONG-INNSJØEN

Kilde: https://nhandan.vn/bang-qua-bong-toi-de-don-chao-anh-sang-post923587.html