Visuelle Identifizierung: Das neue Spiel des Künstlers

Die Strategie der „visuellen Identität“ – dieser scheinbar akademische Begriff – ist in Wirklichkeit eine der wirkungsvollsten Formeln in der globalen Musikindustrie.

Phung Khanh Linh, Hoang Thuy Linh, MONO und Wren Evans sind erfolgreiche V-Pop-Künstler, die sich visuell einen Namen gemacht haben – Foto: FBNV

Im Zeitalter von TikTok, YouTube Shorts und Instagram Reels konkurrieren Künstler nicht mehr nur mit Melodien, sondern auch mit ihrer Fähigkeit, sich dem Publikum durch Farbe, visuelle Komposition, Musikvideostil und sogar eine einheitliche Ästhetik sofort erkennbar zu machen.

Von den USA und Großbritannien über K-Pop bis hin zum V-Pop haben viele Künstler Erfolg erzielt, indem sie visuelle Elemente zu ihrem „Markenzeichen“ gemacht haben.

Das „visuelle Gedächtnis“ des Publikums einfangen.

In der modernen Musikindustrie sind visuelle Elemente nicht mehr nur Beiwerk zur Musik, sondern haben sich zu einer Art „Identifikationslogo“ für den Künstler entwickelt. Auf dem US-amerikanisch-britischen Markt haben viele Stars ihren Erfolg ihrer Fähigkeit zu verdanken, eine „visuelle Identität“ aufzubauen – eine visuelle Persönlichkeit, die so stark ist, dass das Publikum sie schon auf den ersten Blick erkennt.

Billie Eilish ist ein Paradebeispiel. In den Anfängen ihrer Karriere war sie fast schon ein Synonym für neonblaues Haar, lässige Mode und eine coole schwarz-blaue Farbpalette.

Selbst wenn es sich nur um ein verschwommenes Bild auf TikTok oder ein YouTube-Thumbnail handelt, erkennt die Öffentlichkeit sofort: „Das ist Billie.“ Studien im Bereich Musik-Branding betrachten dies als eine Form der „visuellen Konsistenz“ – die visuelle Kohärenz, die Künstlern hilft, einen bleibenden Eindruck beim Publikum zu hinterlassen.

Daft Punk hatten zuvor fast ihre gesamte Karriere auf dem Image von Robotern mit Metallhelmen aufgebaut und Anonymität zu einer globalen Marke gemacht. Prince hingegen war so eng mit der Farbe Lila und dem Symbol der Liebe verbunden, dass allein die Erwähnung von „Lila“ sofort an ihn denken ließ.

Madonna, die „Königin des Pop“, ist auch ein „Meisterstratege“ mit der Fähigkeit, die visuelle Erinnerung ihres Publikums zu prägen.

Ikonen wie Michael Jackson und Madonna waren Künstler, die früh verstanden, dass Musik allein nicht ausreichte, um zum „König“ oder zur „Königin“ des Pop zu werden. Sie mussten ein ikonisches Image besitzen.

Während die USA und Großbritannien visuelle Elemente als Branding-Instrument betrachten, hat K-Pop sie zu einem ganzen Industriesystem erhoben.

NewJeans ist in den letzten Jahren ein Paradebeispiel dafür. Anstatt dem glamourösen Idol-Modell zu folgen, schuf die Gruppe eine minimalistische Y2K-Ästhetik mit nostalgischen Filmfarben, Kamerawinkeln, die an Kameras alter Schule erinnern, und alltagstauglicher Mode.

Von der Schriftart und dem Albumdesign über die Website und das Musikvideo bis hin zur Bühnenperformance ist alles in einem einheitlichen visuellen Stil gehalten.

Viele Designexperten und Reddit- Nutzer haben angemerkt, dass man allein durch das Betrachten eines einzelnen Bildes oder das Anhören weniger Sekunden des Intros „New Jeans“ erkennen kann.

Dies zeigt, dass der Prozess der Markenidentitätsbildung durch visuelle Elemente über das bloße Sehen hinausgeht und auch die Wahrnehmung von Klängen in der Öffentlichkeit beeinflusst.

BLACKPINK pflegt ihr „Girl Crush“-Image mit kräftigen Farben, modischem Stil und unverwechselbaren Musikvideos. BTS hingegen zeichnet sich durch sein visuelles Storytelling aus, das in seinen verschiedenen musikalischen Epochen mit Farbe und Symbolik arbeitet.

Der Erfolg von K-Pop beruht auf dem tiefen Verständnis, dass Musik im digitalen Zeitalter nicht mehr nur ein Hörerlebnis ist, sondern ein multisensorisches Produkt – bei dem die visuellen Elemente das Erste sein können, woran sich das Publikum erinnert, noch vor der Melodie.

BLACKPINK gehört zu den visuell erfolgreichsten K-Pop-Künstlern – Foto: Naver

„Auf einem Drahtseil tanzen“ mit visueller Identifizierung.

In Vietnam haben in den letzten Jahren viele junge Künstler begonnen, sich „über visuelle Mittel zu identifizieren“. Dies ist jedoch auch eine Entscheidung, die einem Drahtseilakt gleicht: Fehlende Konsistenz kann einen Künstler langweilig erscheinen lassen; übermäßiger Fokus auf das Bild kann hingegen leicht dazu führen, dass er einfach als „besser oder schöner“ wahrgenommen wird.

Sơn Tùng M-TP ist das prominenteste Beispiel für frühen und eindeutigen Erfolg. Ausgehend von „Lạc Trôi“ schuf er sein eigenes „visuelles Universum“: eine Mischung aus historischen und futuristischen Stilen, Haute Couture, einer kühlen Farbpalette, filmischer Bildgestaltung und einer dichten, persönlichen Symbolik. Diese Konstanz trägt dazu bei, dass Sơn Tùng auch während längerer Abwesenheiten einen hohen Wiedererkennungswert behält. Schon ein kurzer Teaser genügt, damit das Publikum erkennt: „Das ist Sơn Tùng.“

Hoang Thuy Linh wählte visuelle Elemente ebenfalls als „Markensprache“. Von „De Mi Noi Cho Ma Nghe “ bis „See Tinh “ verfolgte sie einen zeitgenössischen Folklorestil, der vietnamesische Kulturelemente mit moderner Pop-Art verband.

Es ist bemerkenswert, dass es bei der Bildsprache der Produkte von Hoang Thuy Linh nicht nur um „Schönheit“ geht, sondern auch um die Schaffung eines Gefühls einer einheitlichen kulturellen Identität.

Dieser Trend ist bei der Generation Z noch ausgeprägter. MONO, Wren Evans, Phung Khanh Linh und tlinh... investieren alle stark in Visualisierer, Artwork und ihren gesamten künstlerischen Stil.

Im Zeitalter von Streaming und TikTok ist dies umso wichtiger. Das heutige Publikum lebt in einer „Thumbnail-Kultur“, in der die Entscheidung zum Klicken oft in den ersten Sekunden fällt. Eine unverwechselbare Farbpalette, ein einheitlicher Schriftstil oder eine klare visuelle Botschaft können ebenso entscheidend für den Wettbewerbsvorteil sein wie die Melodie.

Dieses Spiel mit der visuellen Identität birgt jedoch auch Risiken. In seinem Buch *7 Principles of Genius Marketing * erklärte der Musikmarketing-Experte Chris Greenwood einmal: „Das heutige Publikum erinnert sich eher an das Gefühl als an die Melodie.“

Dies zwingt Künstler dazu, ein stärkeres Image als je zuvor aufzubauen. Der Nachteil dabei ist jedoch, dass die Musik Gefahr läuft, in eine Nebenrolle gedrängt zu werden, wenn das Image im Mittelpunkt steht.

QUYNH NGUYEN

Quelle: https://tuoitre.vn/dinh-danh-bang-thi-giac-cuoc-choi-moi-cua-nghe-si-20260514094611263.htm