Le déficit de formation artistique au Vietnam.

TPO – Au-delà des simples problèmes de performance, le phénomène du playback révèle clairement une lacune du système de formation artistique vietnamien : les écoles et le marché sont déconnectés, et un processus de formation professionnelle fait défaut. Dans ce contexte, des modèles de formation structurés, tels que les stages ou les écosystèmes de sociétés de production artistique intégrées observés à travers le monde, constituent des pistes précieuses si le Vietnam souhaite former une génération d’artistes durable.

Le modèle de formation ne suit pas l'évolution du marché.

Le phénomène du playback et de la superposition vocale est considéré par beaucoup dans l'industrie comme un « défaut » persistant du marché musical vietnamien, surtout avec l'essor des technologies, souvent utilisées pour masquer des performances vocales authentiques et de moindre qualité.

Le musicien Nguyen Quang Long a franchement souligné qu'il est insuffisant de considérer le playback comme une solution technique ou un « dernier recours ». La fréquence de ce phénomène montre qu'un nombre croissant d'artistes se produisent sur scène alors que leurs compétences ne correspondent pas aux exigences du métier.

Dès lors, des questions se posent quant au processus de formation des artistes, dans un contexte de marché de la musique et du spectacle vivant en pleine expansion, où des dizaines de représentations attirent chaque année des milliers de spectateurs. Ceci soulève également des interrogations concernant la formation des artistes vietnamiens, le modèle actuel ne privilégiant pas le développement global de l'artiste.

Au Vietnam, les écoles privilégient souvent la musique classique ou les genres exigeant une grande maîtrise technique plutôt que la musique à des fins de divertissement.

En réalité, le système des écoles d'art au Vietnam, des écoles professionnelles aux universités, est bien structuré et bénéficie d'une tradition de plus de 70 ans. Toutefois, un décalage persiste entre les objectifs de formation et les besoins réels du marché.

« Alors que les écoles de musique privilégient la musique classique ou des genres techniquement exigeants comme l’opéra, la musique engagée et la musique lyrique, le marché est très volatil et la musique de divertissement représente le segment le plus important. Par conséquent, la formation dispensée par ces écoles ne répond que partiellement à la demande globale », a observé le musicien Quang Long.

Il est indéniable que de nombreux chanteurs célèbres n'ont pas reçu de formation musicale classique, mais les exceptions sont rares. Selon le musicien Nguyen Quang Long, les genres exigeant une grande technicité requièrent des études et une formation rigoureuses. En revanche, dans le domaine de la musique populaire, avoir suivi une formation dans une école d'art professionnelle constitue un atout considérable.

« Notre formation artistique n'est pas encore parfaite. Nous devons tenir compte des besoins de la société pour l'adapter et la compléter en conséquence. Mais cette formation doit néanmoins maintenir les standards de l'art professionnel ; nous ne pouvons, pour aucune raison, abaisser les exigences en matière de capacités vocales ou de compétences musicales », a déclaré le musicien Nguyen Quang Long.

Un parcours de plusieurs décennies d'entraînement.

Trouver un modèle qui harmonise ces éléments est un problème complexe, mais pas insurmontable. Dans de nombreux pays dotés d'industries musicales développées, comme la Corée du Sud, les États-Unis ou encore la Thaïlande, la formation des artistes ne se limite pas aux écoles, mais s'intègre à un écosystème complet. Dans cet écosystème, les sociétés de divertissement jouent un rôle central, en mettant en place un processus de formation intégré, de la sélection et la formation initiale à la production et au management des artistes.

En Corée du Sud, le processus de formation des artistes repose sur un modèle en circuit fermé, englobant toutes les étapes, de la sélection et la formation à la production et à la gestion des artistes.

En Corée du Sud, avant de devenir artistes et de se produire sur scène, de nombreux jeunes suivent une formation qui dure des années, voire des décennies. Il s'agit d'une formation spécifique, un processus rigoureux et systématique où les jeunes artistes sont formés simultanément au chant, à la danse, à l'art scénique, à la prise de parole en public et à la communication médiatique.

Seuls ceux qui remplissent pleinement les critères ont la chance de faire leurs débuts, et en réalité, ce parcours est souvent très long : G-Dragon (BigBang) a suivi 11 ans de formation, dont 5 ans chez SM Entertainment et 6 ans chez YG, et de nombreuses autres idoles ont également de longues périodes de formation comme Jihyo (TWICE, 10 ans), Jennie (Blackpink, 6 ans) ou Suho (EXO, 6 ans).

De ce fait, nombreux sont ceux qui se lancent dans la voie du statut d'idole dès l'âge de 10 ans, sacrifiant leur jeunesse pour un long et difficile parcours d'entraînement. La première étape consiste à réussir les auditions. Selon Koreaboo, la plupart des enfants participent en moyenne à 30 auditions avant de se voir proposer un contrat de stagiaire.

Cependant, l'admission n'est que le début. Pendant leurs sept années de formation environ, ils suivent un programme exténuant du matin jusqu'à deux ou trois heures du matin le lendemain, étudiant simultanément le chant, la danse, les langues étrangères, les techniques de communication, le contrôle de leur image et la gestion de leur poids.

Le processus d'entraînement rigoureux pour devenir une idole de K-pop. Photo : Mashable.

La journaliste Euny Hong a déclaré : « La formation des stars de K-pop est une éducation humaine holistique. » Ce modèle engendre également une pression immense pour éliminer les apprentis. Selon In Jin Woong, un célèbre formateur d'idoles, seulement 10 % environ des apprentis ont la chance de débuter.

Même avec du talent, la possibilité de débuter dépend toujours de la direction artistique de la compagnie. « Vous pouvez bien chanter et bien danser, mais si vous ne correspondez pas au concept, vous serez éliminé », explique In Jin Woong. Nombreux sont ceux qui doivent attendre quatre à cinq ans avant de décrocher un nouveau projet, ou quitter le secteur lorsqu'ils sont trop âgés.

Par rapport à ce modèle, le Vietnam se trouve actuellement encore dans une phase de transition. De fait, certaines écoles d'arts et de spectacle ont commencé à intégrer des compétences de soutien à la performance telles que la danse, le langage corporel, la communication et le savoir-être des artistes…







Certains établissements de formation commencent à s'orienter vers un modèle d'artistes modernes et polyvalents.

Par ailleurs, le rôle des sociétés de divertissement dans la formation des artistes au Vietnam reste encore mal défini. Dans les pays développés, elles constituent un acteur incontournable, opérant selon un modèle d'entreprise culturelle professionnelle.

« En observant les pays voisins qui ont mis en place avec succès des modèles similaires, on constate une tendance générale : le modèle d’entreprise intégrée, englobant la formation, la production et la gestion d’artistes, prend une importance croissante. Si nous voulons développer l’industrie musicale, ce modèle est quasiment incontournable. Dans ce modèle, l’État joue un rôle de guide, en établissant le cadre juridique et en créant des conditions favorables grâce à des politiques telles que des incitations fiscales et un soutien aux activités créatives, afin de permettre aux entreprises culturelles de se développer », a déclaré le musicien Quang Long.

Il est clair que pour développer l'industrie musicale, il est essentiel de mettre en place un modèle de formation adapté au marché. Cependant, cela ne signifie pas simplement copier les modèles étrangers. Le Vietnam a besoin d'un modèle adapté à ses réalités culturelles, sociales et économiques propres.

« Outre leurs compétences vocales et scéniques, les jeunes artistes doivent maîtriser de nombreux autres aspects tels que la communication, le développement de leur image, la compréhension du public et, surtout, l'éthique professionnelle. Dans un contexte de forte croissance des réseaux sociaux, les artistes ne sont plus seulement des interprètes, mais aussi des influenceurs. Par conséquent, préserver une image positive, adopter un comportement approprié et être attentif au public sont des facteurs essentiels à une carrière durable », a déclaré le musicien Quang Long.

À long terme, il ne s'agit pas seulement de politiques de gestion ou de réglementations plus strictes en matière de performance, mais aussi de construire un écosystème de formation durable. Lorsque les écoles et le marché trouveront un terrain d'entente, lorsque les entreprises s'impliqueront davantage dans le processus de formation et lorsque les artistes comprendront clairement la valeur de l'intégrité, le marché de la musique pourra évoluer de manière saine.

Source : https://tienphong.vn/lo-hong-dao-tao-nghe-si-o-viet-nam-post1834159.tpo