Non permettete alla tecnologia di creare un'“illusione artistica”.

Il playback sta diventando sempre più comune sul palco; quando la voce reale viene sostituita da una traccia preregistrata elaborata da un software, mantenere l'autenticità dell'esibizione diventa una "prova" per l'artista e per il vero valore dell'arte.

Diffusione dai palcoscenici professionistici a quelli amatoriali.

Le esibizioni dal vivo sono state a lungo considerate uno spazio in cui gli artisti potevano connettersi pienamente con il pubblico attraverso il loro talento, le loro emozioni e le loro capacità professionali. Tuttavia, con il rapido sviluppo dell'industria dell'intrattenimento e della tecnologia audio digitale, il concetto di "cantare dal vivo" sta cambiando; il playback, l'utilizzo di voci preregistrate o la manipolazione vocale con software in tempo reale non sono più episodi isolati sul palco di oggi.

Al seminario "Mantenere l'integrità nelle arti performative: la responsabilità dei creatori nell'era digitale", tenutosi il 29 maggio, molti artisti, ricercatori e operatori culturali hanno apertamente riconosciuto il problema sempre più diffuso della disonestà nelle performance, un fenomeno prevalente in molti programmi artistici.

Nei programmi artistici, la genuina capacità interpretativa e l'emozione sono sempre prioritarie. (Illustrazione: NHN)

Il colonnello e artista Vu Ho Tung, ex vicerettore dell'Università militare di cultura e arte, ritiene che la tecnologia in sé non sia la causa del problema; tuttavia, quando la tecnologia viene utilizzata per sostituire una seria formazione professionale, crea facilmente un'"illusione artistica", rendendo difficile per il pubblico distinguere tra il vero talento e le opere che sono state "abbellite" con l'ausilio della tecnologia.

Questa "illusione" sta diventando sempre più comune sui palcoscenici moderni. Il pubblico vede il cantante con un microfono in mano, che si muove con emozione, e il suono riprodotto quasi alla perfezione, ma in realtà gran parte di esso proviene da una traccia preregistrata e tecnicamente elaborata. Una messa in scena elaborata, luci spettacolari e coreografie visivamente sbalorditive a volte oscurano l'elemento più cruciale: la vera voce del cantante.

Molti giovani artisti oggi raggiungono la notorietà grazie alle piattaforme digitali, con prodotti audio potenziati da vari software di elaborazione. Tuttavia, quando salgono sul palco, il divario tra la loro "voce da studio" e la loro effettiva capacità di esibirsi dal vivo diventa immediatamente evidente. I video che mostrano la vera qualità vocale, circolati di recente sui social media, dimostrano come la tecnologia crei una facciata glamour, mentre la reale competenza professionale spesso non corrisponde.

L'artista del popolo Vuong Duy Bien, presidente dell'Associazione vietnamita per lo sviluppo delle industrie culturali, ha definito senza mezzi termini il playback "falso". Ancor più preoccupante è il fatto che questo fenomeno si stia diffondendo dai palcoscenici professionali ai programmi di massa, persino in quelli per bambini; egli ritiene che, senza misure e sanzioni più severe, potremmo diventare una "superpotenza del playback".

Avendo partecipato a spettacoli di scambio culturale in diversi paesi, il ricercatore e critico musicale Nguyen Quang Long osserva che l'autenticità nell'arte e nella musica è sempre fondamentale. L'impianto audio utilizzato dovrebbe solo aiutare il pubblico ad ascoltare più chiaramente, non impiegare tecniche per rendere la voce più accattivante o il cantante meno affaticato; la vera arte dovrebbe dare la priorità a questo!

Dare risalto alle capacità di interpretazione autentiche ed emotive.

Nonostante anni di critiche, il playback persiste nelle arti performative. Molti sostengono che non si tratti semplicemente di una scelta tecnica dell'artista, ma piuttosto del risultato delle pressioni dell'industria dell'intrattenimento moderna. Gli spettacoli odierni non si concentrano più esclusivamente sulla musica, ma sono diventati una combinazione di suono, luci, scenografia, media ed effetti visivi.

Secondo Tan Minh, artista di fama internazionale, molti programmi di intrattenimento attuali richiedono agli artisti di cantare e ballare continuamente ad alta intensità. Poiché "la resistenza umana è limitata", molti programmi optano per il playback o per il canto su basi preregistrate per garantire la qualità complessiva dello spettacolo.

Mantenere l'integrità nell'esecuzione diventa una "prova" per gli artisti e una misura del vero valore dell'arte. (Immagine illustrativa)

Anche i fattori economici rappresentano una ragione significativa; un'esibizione dal vivo completa richiede un impianto audio di alta qualità, una band ben preparata, tecnici professionisti e costi organizzativi notevolmente superiori rispetto all'utilizzo di musica preregistrata. Secondo il generale Duc Trinh, musicista e presidente dell'Associazione dei musicisti del Vietnam, il costo di un'esibizione dal vivo può essere diverse volte superiore a quello di un'esibizione preregistrata. In un contesto in cui molti produttori privilegiano il profitto o l'ottimizzazione dei costi, il playback diventa una soluzione più conveniente.

Inoltre, prevale una mentalità perfezionista; le emittenti televisive e gli organizzatori spesso desiderano che i programmi artistici trasmessi in diretta e i grandi festival siano "assolutamente sicuri", privi di errori o rischi tecnici; gradualmente, questa è diventata un'abitudine professionale.

Il drammaturgo Nguyen Dang Chuong, vicepresidente dell'Associazione vietnamita degli artisti teatrali, ha affermato che, nell'ambito delle arti performative, il punto d) dell'articolo 6 del Decreto n. 79/2012/ND-CP vieta espressamente "l'uso di registrazioni audio per sostituire la voce reale dell'artista o il suono reale degli strumenti musicali"; tuttavia, nel 2020, il Governo ha sostituito il Decreto 79 con il Decreto 144, che ha abrogato tale disposizione. Potrebbe essere questa una delle ragioni fondamentali alla base del fenomeno del "lip-sync" nelle esibizioni pubbliche di molti gruppi e singoli artisti negli ultimi tempi?

Pertanto, è necessario migliorare le normative e i meccanismi di gestione per arginare il fenomeno del playback. Ancora più importante, è fondamentale ripristinare lo spirito di serietà professionale, il rispetto per l'artista e il rispetto per il pubblico durante le esibizioni. Il musicista Duc Trinh ha suggerito che, così come la ricerca scientifica pone l'accento sull'integrità scientifica, anche le arti necessitano di norme etiche e di integrità per gli artisti dello spettacolo.

Dal punto di vista formativo, l'artista Vu Ho Tung sostiene che concentrarsi esclusivamente sulle tecniche esecutive, trascurando la formazione del carattere professionale, può facilmente creare artisti tecnicamente abili ma privi di profondità culturale e di una solida base artistica. Gli istituti di formazione artistica devono impegnarsi costantemente a costruire una solida base tecnica ed etica per i propri studenti, evitando la tendenza a formare "star della velocità" o a dare eccessiva importanza all'immagine mediatica. Allo stesso tempo, dovrebbero potenziare l'estetica musicale degli studenti, consentendo loro di selezionare e apprezzare opere di valore artistico, umanistico e culturale.

In particolare, è necessario creare un ambiente performativo sano che valorizzi l'autentica capacità esecutiva e la sincerità dell'emozione artistica. Questo è anche un fondamento cruciale per lo sviluppo sano e sostenibile dell'arte e per la preservazione dei suoi valori autentici nella società odierna.

Fonte: https://daibieunhandan.vn/khong-de-cong-nghe-tao-ao-giac-nghe-thuat-10418640.html