Identyfikacja wizualna: Nowa gra artysty

Strategia „tożsamości wizualnej” – to pozornie akademickie określenie – jest w rzeczywistości jedną z najskuteczniejszych formuł w globalnym przemyśle muzycznym.

Phung Khanh Linh, Hoang Thuy Linh, MONO i Wren Evans to odnoszący sukcesy artyści v-popu, którzy ugruntowali swoją pozycję wizualną – Zdjęcie: FBNV

W dobie TikToka, YouTube Shorts i Instagram Reels artyści nie konkurują już wyłącznie melodią, ale także umiejętnością natychmiastowego rozpoznania siebie przez publiczność za pomocą koloru, kompozycji wizualnej, stylu teledysku, a nawet spójnej estetyki.

Od Stanów Zjednoczonych i Wielkiej Brytanii po K-pop, a teraz także V-pop, wielu artystów osiągnęło sukces, czyniąc ze znaku rozpoznawczego swój wizerunek.

Zdobycie „pamięci wzrokowej” widza.

We współczesnym przemyśle muzycznym wizualizacje nie są już jedynie dodatkiem do muzyki, ale stały się formą „logo identyfikacyjnego” artysty. Na rynku amerykańsko-brytyjskim wiele gwiazd odniosło sukces dzięki umiejętności budowania „tożsamości wizualnej” – wizerunku na tyle silnego, że publiczność rozpoznaje je już po pierwszym spojrzeniu.

Billie Eilish jest tego doskonałym przykładem. Na wczesnym etapie swojej kariery była niemal synonimem neonowoniebieskich włosów, luźnego stylu i chłodnej, czarno-niebieskiej palety barw.

Nawet jeśli to tylko rozmazany obraz na TikToku lub miniaturka na YouTube, publiczność od razu rozpoznaje „to Billie”. Badania nad brandingiem muzycznym uznają to za formę „spójności wizualnej” – spójności wizualnej, która pomaga artystom wywrzeć trwałe wrażenie na odbiorcach.

Wcześniej Daft Punk zbudował niemal całą swoją karierę wokół wizerunku robotów w metalowych hełmach, przekształcając anonimowość w globalną markę. Prince natomiast był tak silnie kojarzony z kolorem fioletowym i symbolem miłości, że samo wspomnienie „fioletu” natychmiast przywodziło na myśl jego osobę.

Madonna, „Królowa Popu”, jest również „mózgiem” potrafiącym zawładnąć pamięcią wizualną swojej publiczności.

Ikony takie jak Michael Jackson i Madonna to artyści, którzy wcześnie zrozumieli, że aby zostać „królem” lub „królową” popu, sama muzyka nie wystarczy. Musieli posiadać ikoniczny wizerunek.

Podczas gdy w USA i Wielkiej Brytanii elementy wizualne stanowią narzędzie budowania marki, K-pop uczynił z nich cały system branżowy.

NewJeans to doskonały przykład ostatnich lat. Zamiast podążać za modelem glamour idolki, grupa zbudowała minimalistyczną estetykę Y2K z nostalgicznymi kolorami filmowymi, ujęciami kamer nawiązującymi do starych aparatów i modą, z którą można się utożsamić.

Począwszy od czcionki i projektu albumu, przez stronę internetową, teledysk, aż po scenę, wszystko jest spójne wizualnie.

Wielu ekspertów w dziedzinie designu i użytkowników Reddita stwierdziło, że wystarczy spojrzeć na pojedynczą klatkę lub posłuchać kilku sekund intro, aby „rozpoznać New Jeans”.

Pokazuje to, że proces budowania tożsamości marki za pomocą elementów wizualnych wyszedł poza sam widok i zaczął wpływać na to, jak odbiorcy odbierają dźwięk.

Podobnie, BLACKPINK podtrzymuje swój wizerunek „dziewczęcej miłości” dzięki wyrazistym kolorom, haute couture i rozpoznawalnym teledyskom. BTS z kolei wyróżnia się wizualnym sposobem opowiadania historii, wykorzystując kolor i symbolikę w swoich muzycznych „erach”.

Sukces K-popu wynika z głębokiego zrozumienia, że ​​w erze cyfrowej muzyka nie jest już tylko doświadczeniem słuchowym, ale produktem oddziałującym na wiele zmysłów – w którym to efekty wizualne mogą być pierwszą rzeczą, jaką widzowie zapamiętują, jeszcze przed melodią.

BLACKPINK to jedna z najbardziej udanych wizualnie artystek K-popu – Zdjęcie: Naver

„Spacer po linie” z identyfikacją wizualną.

W ostatnich latach w Wietnamie wielu młodych artystów zaczęło podejmować wyzwanie „identyfikacji siebie poprzez wizerunek”. Jest to jednak również wybór przypominający „chodzenie po linie”: brak spójności może sprawić, że artysta stanie się nijaki, a nadmierne skupienie się na wizerunku może łatwo doprowadzić do tego, że będzie postrzegany po prostu jako „lepszy lub piękniejszy”.

Sơn Tùng M-TP to najbardziej wyrazisty przykład wczesnego i wyraźnego sukcesu. Od „Lạc Trôi” zbudował swój własny „wizualny wszechświat”: połączenie stylów historycznych i futurystycznych, haute couture, chłodnej palety barw, kinowej oprawy i bogatej, osobistej symboliki. Ta spójność pomaga Sơn Tùngowi utrzymać silną rozpoznawalność nawet podczas długiej nieobecności. Wystarczy zaledwie kilkusekundowy zwiastun, aby widzowie rozpoznali „to Sơn Tùng”.

Hoang Thuy Linh również postawiła na wizualizacje jako „język marki”. Od „De Mi Noi Cho Ma Nghe ” do „See Tinh ” postawiła na współczesny styl ludowy, łącząc elementy kultury wietnamskiej z nowoczesną sztuką pop.

Warto zauważyć, że produkty Hoang Thuy Linh nie tylko emanują „pięknem”, ale także budują poczucie spójnej tożsamości kulturowej.

Trend ten jest jeszcze bardziej widoczny wśród pokolenia Z. MONO, Wren Evans, Phung Khanh Linh i tlinh... wszyscy oni inwestują ogromne sumy w wizualizatory, dzieła sztuki i ogólny styl artystyczny.

W dobie streamingu i TikToka jest to jeszcze ważniejsze. Dzisiejsi odbiorcy żyją w „kulturze miniatur”, gdzie decyzja o kliknięciu często zapada w ciągu pierwszych kilku sekund. Wyrazista paleta kolorów, spójny styl czcionki czy wyrazisty przekaz wizualny mogą stać się przewagą konkurencyjną równie silną jak melodia.

Jednak ta gra w identyfikację wizualną niesie ze sobą również ryzyko. W swojej książce „7 zasad marketingu geniuszu ” Chris Greenwood, ekspert od marketingu muzycznego, stwierdził kiedyś: „Dzisiejsza publiczność pamięta emocje, zanim przypomni sobie melodię”.

Zmusza to artystów do budowania silniejszego wizerunku niż kiedykolwiek wcześniej. Ale wadą jest to, że gdy wizerunek staje się centrum uwagi, muzyce grozi odejście na dalszy plan.

QUYNH NGUYEN

Source: https://tuoitre.vn/dinh-danh-bang-thi-giac-cuoc-choi-moi-cua-nghe-si-20260514094611263.htm