Pomimo uprawiania teatru muzycznego i półklasycznej muzyki lirycznej z długimi piosenkami, trudnymi do zapamiętania tekstami i wysokimi umiejętnościami technicznymi, Duc Tuan nadal wybiera śpiewanie na żywo, gdy się pojawia - Zdjęcie: TTD
Nie jest przypadkiem, że Departament Kultury i Sportu miasta Ho Chi Minh wydał dokument wzywający do zaostrzenia dyscypliny i zapewnienia uczciwości w działalności związanej ze sztukami widowiskowymi.
Decyzja ta zapadła w newralgicznym momencie, gdy problem synchronizacji ruchu ust i nagranych wcześniej wokali – problem, który istnieje od dawna – powraca jako gorący temat. Zmusza to zarówno profesjonalistów, jak i publiczność do zmierzenia się z zasadniczym pytaniem: Co właściwie słyszą widzowie na scenie, która rzekomo jest „na żywo”?
Nie tylko słyszeć, ale i być świadkiem.
Scena muzyczna była kiedyś miejscem, w którym głos był w centrum uwagi. Głos śpiewaka był słyszalny, a sukces lub porażka decydowały się w tej samej chwili. Żadne techniczne wypełnienie nie było wystarczająco grube, by zamaskować fałszujące dźwięki, ani żadne potężne narzędzie, by „uratować” występ pozbawiony mocy. To właśnie ta kruchość tworzyła jej urok: publiczność nie tylko słuchała, ale i była świadkiem.
Jednak wraz z rozwojem technologii i zmianami w metodach produkcji i występów, dzisiejsza scena jest inna. Synchronizacja ruchu ust (ruch ust do wcześniej nagranego utworu) i nakładanie wokalu (śpiewanie na żywo, ale w oparciu o wcześniej nagraną warstwę wokalną) stopniowo stały się „bezpiecznymi rozwiązaniami” stosowanymi na co dzień.
W wielu programach, zwłaszcza podczas dużych wydarzeń lub transmisji na żywo, priorytet stanowią aspekty techniczne, a wykorzystanie prawdziwego głosu wokalisty może być czasem postrzegane jako ryzykowne.
Warto zauważyć, że wiele przypadków synchronizacji ust z wokalem lub korzystania z wcześniej nagranych partii wokalnych nie wynika wyłącznie z nieuczciwości artysty. Presja związana z jednoczesnym wykonywaniem wielu czynności – śpiewaniem, tańcem i interakcją – utrudnia utrzymanie stabilności wokalu. Niespójne systemy nagłośnieniowe w wielu miejscach również stanowią istotną przeszkodę.
Poza tym, rzeczywistość jest taka, że wielu młodych wokalistów zdobywa sławę zbyt wcześnie, będąc wpychanymi na wielkie sceny, zanim zdążyli udoskonalić swoje umiejętności wokalne. Stojąc przed tysiącami widzów, poleganie na technologii staje się czasem mechanizmem samoobrony.
Rzeczy, które można zrobić
Przede wszystkim potrzebna jest większa transparentność między profesjonalistami a publicznością. Piosenkarz Duc Tuan argumentuje, że jeśli program wykorzystuje nakładkę wokalną lub playback ze względów technicznych, niekoniecznie powinno to być utrzymywane w tajemnicy.
Z drugiej strony, ujawnienie formatu występu może pomóc publiczności zrozumieć i dokonać właściwych wyborów. „Przejrzystość nie umniejsza wartości artysty; pomaga budować zaufanie” – powiedział Duc Tuan.
Ponadto konieczne jest ponowne ustalenie standardów dla różnych rodzajów występów scenicznych. W przypadku koncertów na żywo – gdzie publiczność płaci za możliwość usłyszenia podziwianego przez siebie piosenkarza – lip-syncowanie jest niedopuszczalne.
Po prawie 30 latach śpiewania „brązowowłosy słowik” zawsze był podziwiany jako wspaniały wokalista na żywo. Zdjęcie: Dostarczone przez artystę.
W rzeczywistości artyści, którzy wytrwale występują na żywo, tacy jak Thanh Lam, Hong Nhung, Quang Dung, My Tam, Tung Duong, Vo Ha Tram, Hoang Dung i Phung Khanh Linh, zawsze zajmowali piękne i trwałe miejsce w sercach publiczności. Ta pozycja z pewnością nie wynika z absolutnej perfekcji, lecz z autentycznych emocji.
Z kolei pan Minh Duc, redaktor muzyczny w VOV, twierdzi, że programy charakteryzujące się wysokim poziomem wykonania i skomplikowaną choreografią mogą bez problemu wykorzystywać warstwy wokalne jako narzędzie wspomagające, pod warunkiem, że nie myli się pojęć „wykonania” i „pokazu”.
muzyka".
Innym fundamentalnym rozwiązaniem jest szkolenie. Dyrygent Hoang Diep zauważył: „Na rynku, gdzie sława jest coraz szybsza i łatwiejsza do osiągnięcia dzięki technologii, inwestowanie w umiejętności wokalne jest często pomijane”.
Jednak żadna technologia nie jest w stanie całkowicie zastąpić inherentnej mocy głosu. Zbudowanie systematycznego systemu szkoleniowego, od szkół po firmy zarządzające, jest warunkiem koniecznym, jeśli chce się podnieść standardy wydajności w perspektywie długoterminowej.
Piosenkarz My Le również podziela ten pogląd, wierząc, że śpiewacy muszą przejść pewien proces szkolenia, aby zrozumieć mocne i słabe strony swojego głosu, zidentyfikować swoje mocne strony i braki, aby móc podejmować właściwe decyzje dotyczące stylu muzycznego i wykonania.
Powiedziała: „Oglądałam kilka reality show, w których piosenkarze są „zmuszani” do występów w miejscach, w których nie są dobrzy. Oglądając powtórki tych programów, wydaje się to w porządku, a nawet całkiem dobre, ale kiedy wykonują ten sam numer na koncercie… o mój Boże, to kompletna katastrofa!”
Równie ważna jest zmiana podejścia do produkcji. Przez lata wietnamskie sceny muzyczne dążyły do uzyskania efektów wizualnych: większych ekranów LED, bardziej złożonej choreografii, bardziej ekstrawaganckiej inscenizacji. Ale jeśli muzyka, sedno tego doświadczenia, nie jest odpowiednio angażowana, wszystko inne staje się jedynie „przykrywką”.
Problem synchronizacji ust nie jest zatem tylko historią kilku artystów czy incydentów. To przejaw niedopasowania, w którym technologia rozwija się zbyt szybko, a standardy profesjonalne nie nadążają za nią.
Kolejną rzeczywistością jest to, że dzisiejsza publiczność również się zmienia. Nie daje się już łatwo zwieść występom, które są „piękne, ale sztuczne”.
Ostatnie sukcesy koncertów na żywo wielu młodych śpiewaków, takich jak „Museum of Regrets” Vu, „Amidst a Thousand Tours” Phung Khanh Linh, „Spinning Around” Hoang Dunga, pokazują, że potrzeba powrotu do prawdziwych wartości i autentycznych głosów wciąż istnieje, a nawet staje się silniejsza.
Ostatecznie muzyki nie da się w całości „zmontować” za pomocą technologii. Nagranie można zmontować do perfekcji, ale to tylko jeden moment na żywo, w którym wokal rezonuje z emocjami, pozostawia trwałe wrażenie na publiczności.
Kiedy scena traci swój autentyczny wokal, traci nie tylko element techniczny, ale i duszę. A jeśli chcemy odzyskać zaufanie publiczności, być może pierwszym krokiem nie jest dodawanie kolejnych technologii, ale odważny powrót do najprostszej rzeczy: śpiewania głosem i akceptowania wszelkich związanych z tym ryzyk.
Właśnie w tych ryzykach muzyka naprawdę ożywa.
Świat nie zakazuje, lecz kategoryzuje.
Phung Khanh Linh, Lam, Hoang Dung – piosenkarze, którzy zdobywają serca melomanów – pozostają niezłomni w swoich pełnych emocji występach na żywo. Zdjęcie: Dostarczone przez artystę.
Świat mierzy się z tym problemem w sposób bardziej systemowy, zamiast pozwalać mu istnieć jako „tajne porozumienie”.
W Korei Południowej, gdzie przemysł rozrywkowy działa z dużą precyzją, korzystanie z nagranych wcześniej utworów nie jest zakazane, ale jest jasno sklasyfikowane. Publiczność zna takie koncepcje jak AR (All Recorded), MR (Music Recorded) i Live AR (połączenie wokalu na żywo i nagranego wcześniej).
W wielu programach muzycznych w Korei i kilku innych krajach format występu jest publiczny lub przynajmniej rozpoznawalny, co zapewnia pewien stopień transparentności między artystą a publicznością. Jednak pomimo wsparcia technicznego, standardy szkolenia wokalnego pozostają bardzo wysokie, wymagając od artystów solidnego przygotowania przed wejściem na scenę.
W Japonii wysoko ceniona jest profesjonalna dyscyplina. Dla artystów J-popu, zwłaszcza tych planujących długoterminową karierę, śpiewanie na żywo jest niemal obowiązkowym standardem podczas solowych koncertów.
Technologia może pomóc, ale nie zastąpi. Dlatego japońska publiczność akceptuje niedoskonałe momenty – lekką nierówność tonu, pospieszny oddech – jako część autentycznego doświadczenia.
Tymczasem w Stanach Zjednoczonych i Europie, gdzie przemysł muzyczny kwitnie od dziesięcioleci, „koncert na żywo” to nie tylko opcja, ale norma. Na wydarzeniach takich jak rozdanie nagród Grammy czy festiwal Coachella, występy na żywo są niemalże warunkiem koniecznym.
Błędy, od fałszowania po piskliwy głos, nie są rzadkością, ale rzadko uznaje się je za „porażkę”. Wręcz przeciwnie, są postrzegane jako dowód autentyczności, czegoś, czego technologia nie jest w stanie odtworzyć.
Source: https://tuoitre.vn/hat-nhep-hat-de-danh-lua-khan-gia-de-qua-nen-lam-tran-lan-20260331225527312.htm
Komentarz (0)