Lassen Sie nicht zu, dass die Technologie eine „künstlerische Illusion“ erzeugt.

Das Lippensynchronisieren wird auf der Bühne immer häufiger; wenn der echte Gesang durch eine vorab aufgenommene, softwarebearbeitete Tonspur ersetzt wird, wird die Wahrung der Authentizität in der Darbietung zu einer "Prüfung" für den Künstler und den wahren Wert der Kunst.

Ausweitung von der Profi- zur Amateurbühne.

Live-Auftritte galten lange als Plattform für Künstler, um durch ihr Talent, ihre Emotionen und ihr Können eine tiefe Verbindung zum Publikum herzustellen. Doch mit der rasanten Entwicklung der Unterhaltungsindustrie und der digitalen Audiotechnik wandelt sich das Konzept des „Live-Singens“. Lippensynchronisation, die Verwendung von vorab aufgenommenen Gesangsspuren oder die Manipulation des Gesangs mit Echtzeit-Software sind heute keine Einzelfälle mehr auf der Bühne.

Auf dem Seminar „Die Wahrung der Integrität in den darstellenden Künsten: Die Verantwortung der Kreativen im digitalen Zeitalter“ am 29. Mai räumten viele Künstler, Forscher und Kulturmanager offen das immer häufiger auftretende Problem der Unehrlichkeit bei Aufführungen ein, das in vielen Kunstprogrammen weit verbreitet ist.

Authentisches Können und Emotionen stehen in künstlerischen Programmen stets im Vordergrund. (Illustration: NHN)

Oberst und Künstler Vu Ho Tung, ehemaliger Vizerektor der Militäruniversität für Kultur und Kunst, ist der Ansicht, dass die Technologie an sich nicht schuld sei; wenn jedoch Technologie anstelle einer ernsthaften beruflichen Ausbildung eingesetzt werde, erzeuge sie leicht eine "künstlerische Illusion", die es der Öffentlichkeit erschwere, zwischen echtem Talent und Produkten zu unterscheiden, die mithilfe von Technologie "verschönert" wurden.

Diese „Illusion“ tritt auf modernen Bühnen immer häufiger auf. Das Publikum sieht den Sänger mit Mikrofon, voller Emotionen, und der Klang wird nahezu perfekt wiedergegeben, doch in Wirklichkeit stammt ein Großteil davon von einer vorab aufgenommenen und technisch bearbeiteten Tonspur. Eine aufwendig inszenierte Performance, spektakuläre Lichteffekte und visuell beeindruckende Choreografien verdecken mitunter das Entscheidendste: die echte Gesangsstimme.

Viele junge Künstler erlangen heutzutage über digitale Plattformen Bekanntheit, indem sie ihre Audioprodukte mithilfe verschiedener Software-Tools bearbeiten. Doch sobald sie die Bühne betreten, wird der Unterschied zwischen ihrer Studioaufnahme und ihrem tatsächlichen Können sofort deutlich. Videos, die die wahre Stimmqualität offenbaren und kürzlich in den sozialen Medien kursierten, zeigen, dass die Technologie eine glamouröse Fassade erzeugt, der das zugrundeliegende professionelle Können oft nicht gerecht wird.

Der Volkskünstler Vuong Duy Bien, Vorsitzender des vietnamesischen Verbandes zur Entwicklung der Kulturindustrie, bezeichnete das Lippensynchronisieren unverblümt als „unecht“. Noch besorgniserregender sei, dass sich dieses Phänomen von professionellen Bühnen auf Massenprogramme, sogar auf Kinderprogramme, ausbreite; er glaube, dass wir ohne strengere Maßnahmen und Sanktionen zu einer „Lippensynchronisations-Supermacht“ werden könnten.

Der Musikforscher und -kritiker Nguyen Quang Long, der an Kulturaustauschprojekten in verschiedenen Ländern teilgenommen hat, stellt fest, dass Authentizität in Kunst und Musik stets oberste Priorität hat. Die verwendete Tonanlage sollte lediglich dazu beitragen, dass das Publikum besser hört, und nicht Techniken einsetzen, um den Gesang ansprechender klingen zu lassen oder die Sängerin weniger ermüden zu lassen; wahre Kunst sollte dies priorisieren!

Betonung authentischer und emotionaler Darstellungsfähigkeiten.

Trotz jahrelanger Kritik ist Playback in den darstellenden Künsten weiterhin üblich. Viele argumentieren, dass dies nicht einfach eine technische Entscheidung des Künstlers sei. Vielmehr sei es ein Ergebnis des Drucks der modernen Unterhaltungsindustrie. Heutige Aufführungen konzentrieren sich nicht mehr allein auf die Musik, sondern sind zu einer Kombination aus Ton, Licht, Bühnenbild, Medien und visuellen Effekten geworden.

Laut dem Volkskünstler Tan Minh verlangen viele aktuelle Unterhaltungssendungen von den Künstlern, dass sie ununterbrochen und mit hoher Intensität singen und tanzen. „Die menschliche Ausdauer ist begrenzt“, daher greifen viele Sendungen auf Lippensynchronisation oder Gesang zu vorab aufgenommenen Gesangsspuren zurück, um die Gesamtqualität der Show zu gewährleisten.

Die Wahrung der Integrität in der Performance wird für Künstler zu einer „Prüfung“ und zum Maßstab für den wahren Wert der Kunst. (Abbildung zur Veranschaulichung)

Auch wirtschaftliche Faktoren spielen eine wichtige Rolle: Eine vollständige Live-Performance erfordert eine hochwertige Soundanlage, eine gut eingespielte Band, professionelle Techniker und deutlich höhere Organisationskosten als die Verwendung von vorproduzierter Musik. Laut Generalmajor und Musiker Duc Trinh, Präsident des vietnamesischen Musikerverbands, können die Kosten einer Live-Performance um ein Vielfaches höher sein als die einer vorproduzierten. In einem Umfeld, in dem viele Produzenten den Gewinn priorisieren oder Kosten optimieren, erscheint Playback als bequemere Lösung.

Hinzu kommt eine perfektionistische Mentalität; Fernsehsender und Veranstalter wollen oft, dass live übertragene Kunstprogramme und große Festivals "absolut sicher" sind, frei von Fehlern oder technischen Risiken; nach und nach ist dies zu einer professionellen Gewohnheit geworden.

Der Dramatiker Nguyen Dang Chuong, Vizepräsident des vietnamesischen Verbandes der Bühnenkünstler, erklärte, dass im Bereich der darstellenden Künste Artikel 6 Absatz d des Dekrets Nr. 79/2012/ND-CP die „Verwendung von Tonaufnahmen anstelle der echten Stimme des Künstlers oder des echten Klangs von Musikinstrumenten“ eindeutig verbietet. Im Jahr 2020 ersetzte die Regierung jedoch das Dekret 79 durch das Dekret 144, wodurch diese Bestimmung aufgehoben wurde. Könnte dies einer der Hauptgründe für das Phänomen des Lippensynchronisierens bei öffentlichen Aufführungen vieler Gruppen und Einzelpersonen in jüngster Zeit sein?

Daher müssen die Vorschriften und Managementmechanismen verbessert werden, um Playback einzudämmen. Noch wichtiger ist es, den Geist ernsthafter professioneller Arbeit, künstlerischen Selbstrespekts und Respekts vor dem Publikum bei Aufführungen wiederherzustellen. Der Musiker Duc Trinh schlug vor, dass die Künste, analog zur Betonung wissenschaftlicher Integrität in der Forschung, ebenfalls ethische Richtlinien und Integrität für darstellende Künstler benötigen.

Aus pädagogischer Sicht argumentiert der Künstler Vu Ho Tung, dass die alleinige Fokussierung auf Aufführungstechniken unter Vernachlässigung der Persönlichkeitsentwicklung leicht zu technisch versierten, aber kulturell ungebildeten und künstlerisch unfundierten Künstlern führen kann. Kunstausbildungseinrichtungen müssen daher konsequent ein solides technisches und ethisches Fundament für ihre Studierenden schaffen und dem Trend entgegenwirken, „Schnellstars“ auszubilden oder das Medienimage übermäßig zu betonen. Gleichzeitig sollten sie die musikalische Ästhetik der Studierenden fördern, damit diese Werke mit künstlerischem, humanistischem und kulturellem Wert auswählen und wertschätzen können.

Insbesondere ist es notwendig, ein gesundes Aufführungsumfeld zu schaffen, das authentisches künstlerisches Können und Aufrichtigkeit im Ausdruck künstlerischer Emotionen fördert. Dies ist auch eine entscheidende Grundlage für die gesunde und nachhaltige Entwicklung der Kunst und für den Erhalt ihrer authentischen Werte in der heutigen Gesellschaft.

Quelle: https://daibieunhandan.vn/khong-de-cong-nghe-tao-ao-giac-nghe-thuat-10418640.html