Ci-dessous se trouvent des peintures de paysages qui sont dites « surréalistes, tissant des histoires au-delà de la vision visible », selon le site d'art et de photographie Click121.
« Café la nuit » de Vincent Willem Van Gogh (1888)
Intitulé « Terrasse de café la nuit », le tableau illustre parfaitement le mouvement postimpressionniste. Van Gogh a rapidement incorporé son « effet de nuit » caractéristique à ses œuvres. Débuté en 1888, cet « effet de nuit » est devenu un élément emblématique de son répertoire.
« Pont japonais et bassin aux nymphéas » de Claude Monet (1899)
Des feuilles vertes de nénuphars sont dispersées autour de l'étang et sont visibles à la surface de l'eau. De nombreux nénuphars sont en fleurs, émergeant de l'eau. Bien que les fleurs soient majoritairement blanches, Monet nous offre un aperçu d'autres couleurs, notamment le bleu, le rose, le rouge et le jaune.
« Voyageur entre montagnes et rivières » de Pham Khoan (1000)
Le paysage géant « Voyageur entre montagnes et rivières » a établi une référence qui a souvent inspiré les artistes ultérieurs. Pham Khoan a utilisé des lignes de contour angulaires pour représenter les montagnes et les pentes, ainsi que des coups de pinceau semblables à des gouttes de pluie pour les remplir, soulignant ainsi leur caractère majestueux et intemporel.
« Iris » de Vincent Willem Van Gogh (1889)
Ce fut le premier tableau peint par Van Gogh pendant son séjour à l'asile. Les couleurs sont nombreuses et semblent se fondre harmonieusement. Si les bleus et les verts dominent le paysage, des touches de jaune et de blanc complètent ce chef-d'œuvre.
« La mer de glace » de Caspar David Friedrich (1824)
L'une des œuvres les plus marquantes de Friedrich, elle est considérée comme déroutante en raison de son sujet unique et de sa composition radicale. Selon Friedrich, l'Arctique ressemble à une mer de glace, d'où son nom. De petits icebergs sont empilés au premier plan, leur donnant l'apparence d'un escalier. Cependant, les icebergs se fondent les uns dans les autres pour former une tour de glace à l'arrière-plan.
« Wivenhoe Park » de John Constable (1816)
Personne n'a autant saisi la beauté naturelle de l'Angleterre que John Constable. Cet environnement quasi photographique dégage une impression de calme et d'harmonie. La synthèse imaginative du lieu par l'artiste se manifeste dans les vastes étendues de soleil éclatant et d'ombre fraîche, les lignes majestueuses des haies et le bel équilibre des arbres, des prairies et de la rivière.
« Olivier au soleil et au ciel jaune » de Vincent Willem Van Gogh (1889)
Van Gogh souhaitait représenter les oliviers différemment. Son héritage transparaît dans ce tableau, un chef-d'œuvre indéniable.
"L'Ermitage à Pontoise" de Camille Pissarro (1867)
Le tableau représente une route de campagne sinueuse au pied de l'Ermitage, le village de Pontoise, en France, où l'artiste Camille Pissarro a vécu de 1866 à 1882. Il a choisi le cadre rural de la capitale provinciale pour plusieurs paysages à grande échelle qui sont devenus ses premiers chefs-d'œuvre.
« L'Abbaye dans la forêt de chênes » de Caspar David Friedrich (1810)
Friedrich représente une abbaye historique au centre du tableau. En montrant des personnes transportant des cercueils vers l'abbaye, Friedrich cherche à évoquer le temps qui passe. L'idée est que, quoi que nous fassions, la nature finira toujours par triompher, par prendre le dessus sur les bâtiments et par survivre à l'humanité.
« La Neuvième Vague » d'Ivan Aivazov (1850)
Représentant une mer après une nuit de tempête, des gens s'agrippent aux débris d'un navire naufragé pour tenter de se sauver d'une mort certaine. L'épave a la forme d'une croix, semblant être une allégorie chrétienne de la délivrance du péché sur terre. Les couleurs chaudes de l'œuvre adoucissent le ton menaçant de la mer, augmentant les chances de survie. Ce tableau dépeint à la fois la dévastation et la beauté de la nature.
« Esprits bienveillants » d'Asher B. Durand (1849)
Œuvre d'art essentiellement nostalgique, Durand, ami de Cole et Bryant, a représenté ses amis dans un décor auquel Cole et Bryant faisaient tous deux référence dans leurs œuvres. Le tableau illustre l'idée d'une connexion avec la nature en combinant deux lieux – Kaaterskill et Clove Falls – de manière idéalisée.
« Vue de Tolède » par El Greco (1600)
L'un des deux paysages du Greco encore existants, avec « Vue et fruits de Tolède », s'intitule « Vue de Tolède ». Le noir, le blanc et le bleu profond figurent parmi les couleurs fortes du tableau. Il est entièrement terreux. Le contraste saisissant entre le bleu profond du ciel et le vert éclatant des collines en contrebas est saisissant. « Vue de Tolède » transmet au visiteur l'impression de morosité de Tolède. Aux alentours de la ville, l'observateur peut observer un ciel inhabituellement couvert.
« Le Méandre » de Thomas Cole (1836)
En observant « The Oxbow », on constate que Cole a divisé la composition en deux parties inégales en traçant une diagonale allant du coin inférieur droit au coin supérieur gauche. Le côté gauche du tableau offre une scène époustouflante qui inspire le danger. De sombres nuages d'orage semblent déverser une pluie torrentielle sur la zone centrale voisine. Cette zone du tableau représente un paysage sauvage et intact, empreint de nature sauvage.
« Champ de blé aux cyprès » de Vincent Willem Van Gogh (1889)
Des champs de blé dorés, un imposant cyprès provençal se dressant tel un obélisque vert à droite, des oliviers d'un vert plus pâle au second plan, des collines et des montagnes clairement visibles en arrière-plan, et des nuages blancs tourbillonnant dans le ciel bleu clair : tout cela est représenté dans ce tableau. Van Gogh le considérait comme l'un de ses « plus beaux » paysages d'été…
Source : https://thanhnien.vn/nhung-buc-tranh-phong-canh-kinh-dien-cua-cac-hoa-si-bac-thay-the-gioi-18524013116072577.htm






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