展示会場に入った瞬間から、鑑賞者は美術館というより洞窟に足を踏み入れたような感覚を覚える。絵画は従来の直線状に並べられるのではなく、空間を取り囲むように配置され、閉じた円形を形成している。照明は控えめに抑えられ、作品の表面に光が集中することで、牛革のしわ、質感、そして深い茶色の色合いが際立つ。

空間は素朴で古風な雰囲気を醸し出している。牛革の香り、薄暗い黄色の照明、そしてざらざらとした表面は、時の流れを感じさせる古い崖を彷彿とさせる。作品群は視覚的な流れを途切れることなく繋ぎ合わされており、鑑賞者は特定の作品の前で長時間立ち止まることなく、次々と作品へと導かれる。

この展覧会のユニークな点は、使用されている素材にある。歴史的に見ると、動物の皮は筆記や描画のための羊皮紙の形で用いられてきたが、牛革を直接基材として約70点もの大型作品を個展形式で展示するという試みは、ベトナムでは依然として稀である。

アーティストのチン・タンは次のように語っています。「牛革を贈り物としていただいたことがきっかけで、この一連の絵画を描き始めました。牛革は、内なる平和と変容を目指した作品群を生み出すための『触媒』だったと考えています。」

チン・タン博士（前列中央）が「来るべき季節への約束」展にて。写真：アーティスト提供。

展示スペース「来るべき季節への約束」は3つのパートに分かれています。パート1「基本の教え」は、人生のあらゆる旅の第一歩と考えられています。パート2「母性」では、母親の尊い資質を表現した作品が展示されています。パート3「女性の本質」では、作品の焦点が変わり、崇敬される聖人、仏陀、そして「大慈悲」の美徳が描かれています。

濃い牛革を背景に、精神的な意味合いを帯びたイメージが幾重にも重なり合いながら現れ、そして消えていく。見る者は、仏陀、聖なる動物、儀式用の道具、あるいはかすかな光輪を垣間見ることができるだろう。中には、一瞥、姿勢、あるいは不完全な輪郭線を通してのみ見えるイメージもある。また、遠くから見るとはっきりと見えるものの、近づいてよく見ると革の表面に溶け込んでいくように見えるシンボルもある。

絵画鑑賞が発見と解読のプロセスとなるのは、まさにこのためです。鑑賞者は、作品を多次元的に「見る」ために、移動したり、視点や距離を変えたりする必要があります。視覚的な知覚は絶えず変化し、時には鮮明に、時にはぼやけて、まるで手がかりや記憶を心の中で探し求めるような感覚を生み出します。

展覧会に出品された作品は、牛革を用いて制作された。写真：アーティスト提供。

展示空間には、ゆっくりとした、一定のリズムを刻むドラムの音が満ちていた。音量は大きすぎず、鑑賞体験全体を通して持続的なリズムを生み出していた。薄暗い光に包まれた静謐な空間では、ドラムの音はまるで鑑賞者の胸の中で鼓動しているかのようで、全身全霊でその音を体感するよう促しているかのようだった。

グエン・ホアン・フオン・アインさん（1988年、 ハノイ市ジャンヴォ区生まれ）は次のように述べています。「私が最も感銘を受けたのは、アーティストが素材、光、音を組み合わせて統一された全体像を作り出している点です。これは非常に実験的な展覧会でありながら、鑑賞者が作品を見て自分なりの連想や感情を見出すことができるほど親しみやすいものとなっています。」

もう一つ興味深い点は、作品の制作方法です。アーティストのチン・タンが全体のデザインをスケッチし完成させ、生徒たちは共同制作の一環として最初のペイント作業に参加します。動物の皮は絵を描くのも修正するのも非常に難しい素材で、ちょっとしたミスで全てが台無しになってしまうのですが、ほとんどの作品は修正や手直しをほとんどせずに1日で完成し、制作過程における即興的な感情がそのまま残されています。

ベトナム美術協会会長のルオン・スアン・ドアン氏は、「画家チン・タンは常に絵画において様々な実験を追求しています。この牛革絵画シリーズは、『リズミカルで呪文のような旋律を奏でる打楽器』のようで、強い視覚的・感情的なインパクトを生み出しています」とコメントした。

展覧会「来るべき季節への約束」を通して、絵画はキャンバスという枠を超越した存在へと昇華していくように感じられる。素材、光、音、そして構成が融合し、没入感あふれる体験を生み出す。展覧会を後にする鑑賞者の心に残るのは、特定のイメージではなく、むしろ、暗い肌の質感、揺らめきと捉えどころのないフォルム、そして魂の奥底に響き渡るゆっくりとしたドラムの音といった感覚である。

    出典: https://www.qdnd.vn/van-hoa/van-hoc-nghe-thuat/nhung-net-ve-an-hien-tren-tam-da-bo-1042535