La carenza di formazione artistica in Vietnam.

TPO - Al di là delle semplici questioni di performance, il fenomeno del lip-sync riflette chiaramente una lacuna nel modello di formazione artistica vietnamita, dove le scuole e il mercato sono disallineati e manca un processo di formazione professionale. In questo contesto, modelli di formazione ben strutturati come i "tirocini" o gli ecosistemi a circuito chiuso delle società di intrattenimento presenti in tutto il mondo diventano suggerimenti preziosi se il Vietnam vuole costruire una generazione di artisti sostenibile.

Il modello formativo non è al passo con le esigenze del mercato.

Il fenomeno del playback e della sovrapposizione di voci è considerato da molti nel settore come una "macchia" di lunga data nel mercato musicale vietnamita, soprattutto con l'avvento della tecnologia, spesso utilizzata per mascherare performance vocali meno autentiche e di qualità inferiore.

Il musicista Nguyen Quang Long ha fatto notare senza mezzi termini che considerare il playback come una soluzione tecnica o un "ricorso di ultima istanza" è riduttivo. La diffusione di questo fenomeno dimostra che sempre più artisti salgono sul palco quando le loro capacità performative non sono all'altezza delle esigenze della professione.

Da qui emergono interrogativi sul processo di formazione degli artisti nel contesto di un mercato musicale e dello spettacolo in rapida espansione, con decine di spettacoli che attraggono migliaia di spettatori ogni anno. Ciò solleva anche questioni relative alla formazione degli artisti vietnamiti, dove l'attuale modello formativo non si concentra sullo sviluppo olistico dell'artista.

Nelle scuole vietnamite, spesso si dà priorità alla musica classica o ai generi che richiedono un'elevata abilità tecnica, piuttosto che alla musica a scopo di intrattenimento.

In realtà, il sistema delle scuole d'arte in Vietnam, dalle scuole professionali e dagli istituti superiori alle università, è piuttosto ben strutturato e vanta una tradizione di oltre 70 anni. Tuttavia, persiste un divario tra gli obiettivi formativi e le reali esigenze del mercato.

"Mentre le scuole di musica si concentrano sulla musica classica o su generi tecnicamente impegnativi come l'opera, la musica rivoluzionaria e la musica lirica d'arte, il mercato è estremamente volatile e il segmento più ampio è quello della musica d'intrattenimento. Pertanto, la formazione offerta da queste scuole soddisfa solo parzialmente la domanda complessiva", ha osservato il musicista Quang Long.

È innegabile che molti cantanti famosi non abbiano ricevuto una formazione accademica, tuttavia i casi eccezionali sono rari. Secondo il musicista Nguyen Quang Long, per i generi che richiedono elevate competenze tecniche, gli artisti devono sottoporsi a studi e formazione rigorosi. Al contrario, per la musica d'intrattenimento, aver frequentato una scuola d'arte professionale rappresenta un vantaggio significativo.

"La nostra formazione artistica non è ancora perfetta. Dobbiamo tenere conto delle esigenze della società per adattarla e integrarla di conseguenza. Ma la formazione deve comunque mantenere gli standard dell'arte professionale; non possiamo, per nessun motivo, abbassare i requisiti di capacità vocale o competenza musicale", ha affermato il musicista Nguyen Quang Long.

Un percorso di decenni di allenamento.

Trovare un modello che armonizzi questi elementi è un problema difficile, ma non insormontabile. In molti paesi con industrie musicali sviluppate, come la Corea del Sud, gli Stati Uniti o persino la Thailandia, la formazione degli artisti non si limita alle scuole, ma è integrata in un ecosistema completo. In questo ecosistema, le società di intrattenimento svolgono un ruolo centrale, costruendo un processo formativo chiuso che va dalla selezione e formazione alla produzione e alla gestione degli artisti.

In Corea del Sud, il processo di formazione artistica si basa su un modello a ciclo chiuso, che comprende tutte le fasi, dalla selezione e formazione alla produzione e alla gestione degli artisti.

In Corea del Sud, prima di diventare artisti e di esibirsi sul palco, molti giovani intraprendono un percorso formativo che dura anni, persino decenni. Questa è la caratteristica principale della formazione dei tirocinanti: un processo rigoroso e sistematico in cui i giovani artisti vengono formati simultaneamente nel canto, nella danza, nella performance, nell'oratoria e nella comunicazione.

Solo chi soddisfa pienamente i criteri ha la possibilità di debuttare e, in realtà, questo percorso è spesso molto lungo: G-Dragon (BigBang) ha seguito un percorso di formazione di 11 anni, di cui 5 alla SM Entertainment e 6 alla YG, e molti altri idol hanno avuto periodi di formazione altrettanto lunghi, come Jihyo (TWICE, 10 anni), Jennie (Blackpink, 6 anni) o Suho (EXO, 6 anni).

Di conseguenza, molte persone intraprendono il percorso per diventare idol già all'età di 10 anni, sacrificando la propria giovinezza per un lungo e arduo periodo di formazione. Il primo passo è superare i casting. Secondo Koreaboo, molti bambini partecipano in media a 30 provini prima di ricevere un contratto da tirocinante.

Tuttavia, essere ammessi è solo l'inizio. Durante il loro periodo di formazione di circa 7 anni, devono affrontare un programma estenuante dalla mattina fino alle 2-3 del mattino successivo, studiando contemporaneamente canto, danza, lingue straniere, capacità comunicative, gestione dell'immagine e controllo del peso.

Il rigoroso processo di allenamento per diventare un idol K-pop. Foto: Mashable.

La giornalista Euny Hong ha commentato: "L'addestramento delle star del K-pop è un'educazione umana olistica". Questo modello, tuttavia, comporta anche un'enorme pressione per eliminare i tirocinanti. Secondo In Jin Woong, uno dei più famosi istruttori di formazione per idol, solo circa il 10% dei tirocinanti ha l'opportunità di debuttare.

Anche con il talento, la possibilità di debuttare dipende comunque dalla strategia dell'azienda. "Puoi cantare e ballare bene, ma se non ti adatti al concept, verrai comunque scartato", ha affermato In Jin Woong. Molti devono aspettare 4-5 anni per un nuovo progetto, oppure abbandonare il settore quando raggiungono un'età troppo avanzata.

Rispetto a questo modello, il Vietnam si trova attualmente ancora in una fase di transizione. Infatti, alcune scuole che offrono corsi di arte e arti performative hanno iniziato ad aggiungere competenze di supporto alla performance, come danza, linguaggio del corpo, capacità comunicative e galateo artistico…







Alcuni istituti di formazione stanno iniziando a orientarsi verso un modello di artisti moderni e versatili.

Nel frattempo, il ruolo delle società di intrattenimento nella formazione degli artisti in Vietnam non è ancora chiaramente definito. Nei mercati sviluppati, esse rappresentano una forza trainante, operando secondo un modello di impresa culturale professionale.

"Osservando i paesi limitrofi che hanno costruito con successo modelli simili, possiamo notare una tendenza generale: il modello aziendale a ciclo chiuso, che comprende formazione, produzione e gestione degli artisti, sta acquisendo sempre maggiore importanza. Se vogliamo sviluppare l'industria musicale, questo è un modello quasi inevitabile. In questo modello, lo Stato svolge un ruolo guida, costruendo il quadro giuridico e creando condizioni favorevoli attraverso politiche come incentivi fiscali e sostegno alle attività creative, per consentire alle imprese culturali di svilupparsi", ha affermato il musicista Quang Long.

È chiaro che, se vogliamo sviluppare l'industria musicale, è essenziale creare un modello di formazione legato al mercato. Tuttavia, questo non significa semplicemente copiare modelli stranieri. Il Vietnam ha bisogno di un modello che si adatti alle proprie realtà culturali, sociali e di mercato.

"Oltre alle capacità vocali e performative, i giovani artisti devono possedere molti altri elementi, come le capacità comunicative, la costruzione di un'immagine personale, la comprensione del pubblico e, soprattutto, l'etica professionale. Nel contesto del forte sviluppo dei social media, gli artisti non sono solo interpreti, ma anche influencer. Pertanto, mantenere un'immagine positiva, comportarsi in modo appropriato ed essere attenti al pubblico sono fattori cruciali per uno sviluppo sostenibile", ha affermato il musicista Quang Long.

Nel lungo periodo, non si tratta solo di politiche di gestione o di regolamenti più severi in materia di performance, ma anche di costruire un ecosistema formativo sostenibile. Quando le scuole e il mercato trovano un terreno comune, quando le aziende si impegnano maggiormente nel processo formativo e quando gli artisti comprendono chiaramente il valore dell'integrità, il mercato musicale può svilupparsi in una direzione sana.

Fonte: https://tienphong.vn/lo-hong-dao-tao-nghe-si-o-viet-nam-post1834159.tpo