真実と虚偽の境界線
コンサートや大規模なプログラム、授賞式などが数多く開催されるなど、ベトナムの音楽市場はますます活気に満ちており、観客はステージ上のアーティストと交流する機会が増えている。しかし、このブームには、生歌とバックコーラスやリップシンクといった補助的な技術との境界線がますます曖昧になっているという、物議を醸す現実が伴っている。
今日の多くのコンサートステージでは、歌手は複雑な振り付け、絶え間ない動き、観客とのやり取り、照明効果、LEDスクリーン、大規模なステージ演出など、複数の要素を同時にこなさなければなりません。そのため、安定した歌唱力を維持することが多くの歌手にとって大きな課題となっています。こうした状況において、バックトラック、つまり事前に録音されたボーカルを補助的な解決策として利用することが一般的になりつつあります。
ボーカルを重ねることで、パフォーマンスがよりスムーズになり、プレッシャーのかかる状況下での不必要なミスを防ぐことができます。しかし、録音済みの音声が大きすぎて実際の歌声がかき消されてしまうと、観客は歌手の歌声を聞いているのか、それとも再生音源を聞いているのか分からなくなってしまいます。そこでリップシンクの出番です。リップシンクとは、歌手がステージ上で歌っているふりをし、事前に録音されたトラック（再生音源）に合わせて唇や体を動かす行為です。
録音済みの歌声と口パクを明確に区別できる人はそう多くありません。専門家でない人にとって、この2つの概念は混同されやすいものです。こうした曖昧さから、観客は実際に何を聴いているのか判断しづらく、公演後にはしばしば議論が巻き起こります。
聴衆の音楽鑑賞習慣も変化している。多くの若い世代は、歌手の声が綿密に編集され、完璧な仕上がりになっているデジタルプラットフォーム上の洗練された音楽に慣れ親しんでいる。そのため、ステージ上では、音程がずれたり、息切れしたり、発音が不明瞭だったりといった自然な欠点が「ミス」とみなされる。これは結果的にアーティストにプレッシャーを与え、安全で洗練されたパフォーマンスを確保するために、より高度なテクニックに頼らざるを得ない状況を生み出している。
コンサートチケットの高額な価格を考えると、観客はそれに見合うだけの価値のあるものを期待する。視覚的に素晴らしいパフォーマンスや生歌など、コンサートを自宅でラジオで音楽を聴くのと区別する要素はまさにそこにある。これらの要素が欠けていたり、保証されていなかったりすると、失望は避けられない。
口パクや録音済みのボーカルの使用は必ずしも問題ではないが、それらを分類する必要があると主張する人もいる。「歌手は生で歌うべきだ。ダンスやパフォーマンスに重点を置くなら、パフォーマーと呼べるだろう。ソングライターはオリジナル曲を作曲すべきだ。この境界線が曖昧になると、その肩書きの意味が失われる」と、ある観客はコメントした。
現在の音声編集技術を使えば、平凡な声でもレコーディングスタジオで完璧な声に変えることができる。優れた録音技術に加え、容姿端麗でステージ映えするパフォーマンスがあれば、歌手としてステージに立つ資格を得られる。しかし、こうした状況がプロとしての基準の低下を招いている。
人工知能が急速に発展する時代において、人間の声は以前ほど安定していないかもしれない。しかしその代わりに、人間は感情を持っている。これは機械にはなかなか真似できないものだ。多くの歌手はこの利点を活かすどころか、テクノロジーに過度に依存することで、自らの強みを失い、不利な立場に追い込まれている。
悪い習慣
2026年第1四半期の文化芸術活動レビュー会議でも、代表者から口パクやオーバーレイの使用といったパフォーマンスの問題が提起された。文化芸術局（中央宣伝大衆動員部）の幹部は、第1四半期の文化芸術活動状況と第2四半期の重点課題に関する報告書の中で、「不正なパフォーマンス」の傾向が高まっていることを強調した。
テト（旧正月）やその他の祝祭期間中に開催されるイベントや音楽プログラムの中には、生演奏ではなく録音済みの音源を使用するケースが依然として見られます。これは、プログラムの構成や品質管理における限界を反映しているだけでなく、一部のアーティストのプロ意識が守られていないことも示しています。
この状況は世間の怒りを買い、国民の信頼を損ない、芸術の根幹をなす専門的基準や真正性の価値にも影響を与えている。早急に是正されなければ、悪しき慣習となる恐れがある。
芸術に携わる者としてティエンフォン紙に自身の見解を語ったギタリストのドゥック・ニャ氏は、口パクを単なる「舞台トリック」と捉えるならば、世間は容易に惑わされてしまうと考えている。しかし、真の感情と表現力によって成り立つ芸術形式である音楽の本質に照らし合わせるならば、口パクを完全に禁止することは極端な措置ではなく、歌唱という職業の中核的価値を守るために必要な措置であると彼は主張する。
何よりもまず、歌手とは音のライブパフォーマンスである。映画俳優のようにシーンを何度も撮り直したり、画家のように時間をかけて作品を完成させたりできるのとは異なり、歌手は舞台上でリアルタイムに芸術を創造する。声は単なる道具ではなく、この職業の本質そのものである。実際に歌っていないのに舞台上で歌手という肩書きを与えられるとしたら、それはもはやパフォーマンスではなく、単なる模倣に過ぎない。
「危険なのは、観客がオーディオファイルを買っているのではなく、生きた体験を買っているという点です。彼らはコンサートに、その場の雰囲気、人間らしい不完全さ、声がかすれる瞬間、そして超越的な瞬間を聴きに来るのです。こうしたものが記憶に残るのです。口パクはこうした要素をすべて排除し、音楽を観客の前で開封されるパッケージ商品に変えてしまいます。そうなると、ステージはもはや創造性の場ではなく、再生する場になってしまうのです」と、アーティストのドゥク・ニャは語った。
甘やかしたり、甘やかしたりしてはいけない。
プロの視点から言えば、口パクを容認すること――たとえある程度であっても――は、歌唱という職業の根幹をなす基準を損なうことに等しい。真のアーティストは、呼吸法をマスターし、音程とリズムをコントロールし、ステージ上で柔軟に対応し、バンドと円滑にコミュニケーションを取る能力を備えていなければならない。
口パクが容認されるようになると、市場の価値観は徐々に歌唱力から離れ、外見、ギミック、メディアでの影響力を重視するようになるだろう。プロとしての基準が下がれば、真剣に仕事に取り組む人々は苦境に立たされるだけでなく、観客も騙されたと感じ、信頼を失ってしまうだろう。
かつては一部の先進的な音楽業界では口パクが容認されていたが、ライブパフォーマンスへの回帰の傾向はますます顕著になっている。ある匿名の歌手は、ベトナム人歌手の99％が何度も口パクをしたことがあると認めた。しかし、口パクはライブで歌うよりもさらにストレスがかかる。なぜなら、口パクをするたびに緊張し、体がこわばり、口パクが正しくできないのではないかという恐怖で目がうつろになるからだ。
「生で歌うのはやはり感情がこもっていて、歌うたびに違う感情が湧き上がってくるんです。普段から生で歌う歌手は口パクをすることにすごく抵抗があるんですよ。口パクだと必ずバレてしまうから」と、この人は語った。
「口パクを完全に禁止するのは、アーティストの活動を困難にするためではなく、市場の緩慢さから彼らを守るためです。これにより、プロのアーティストは技術を向上させ、観客を尊重し、そして何よりも自分自身に正直になることが求められます。ルールが明確になれば、観客も自分が何にお金を払っているのかを理解できるでしょう」と、アーティストのドゥク・ニャは語った。
出典: https://tienphong.vn/99-ca-si-viet-nhieu-lan-hat-nhep-post1832680.tpo
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