Behandle hverandre med respekt og respekt.

Kunstnere og publikum har like roller, rettigheter og ansvar overfor kunst. Kunstnere må ha en respektfull holdning til sitt håndverk. Publikum må også bevare roen samtidig som de verdsetter kunst.

Lyden av trommer i Me Linh - Skjermbilde

Fra en naiv opptreden

Nylig gikk en video viralt på nettet som viste en ung person, en etterkommer av en berømt kunstnerfamilie, som forsøkte seg på å fremføre et klassisk utdrag fra en tradisjonell vietnamesisk opera. Forestillingen, selv om den bare varte noen få minutter, utløste umiddelbart et heftig kommentatorfelt.

Både eksperter og fans mener at forestillingen var utilfredsstillende. Fra sang og uttale til dansetrinn og uttrykk, avslørte alt en mangel på forståelse av karakteren og den tradisjonelle stilen til cải lương (vietnamesisk opera).

Vi kan ikke, i navnet til å oppmuntre unge mennesker, amatørisere en kunstform som er bygget på et fundament av strenge standarder.

Publikum ble enda mer såret da de fikk vite at det var en uautorisert forestilling.

Denne informasjonen gjør de allerede få meningene som forsvarer den unge kvinnelige kunstneren enda mindre overbevisende.

Unge mennesker trenger muligheter, men tydeligvis ikke gjennom skandaler, med en slurvete forestilling som ikke har gjennomgått skikkelig øving.

Basert på denne nylige hendelsen kan man også stille spørsmål ved om den faglige evalueringsmekanismen er streng nok og gir tilstrekkelige avskrekkende sanksjoner.

Og hva bør Cai Luong-scenen gjøre i dag når de står overfor mangel på nye generasjons kunstnere?

Kunstneres profesjonelle etikk

I dagens kunstverdsettelseslandskap, kombinert med utviklingen av cyberspace, har det dukket opp et kulturelt trekantet atferdsmønster. De tre elementene kunstner, publikum og sosiale medier former samtidig hvordan kunst skapes, mottas og formidles.

Først og fremst har vi kunstneren, utgangspunktet for enhver kunstnerisk reise. Hver rolle, hvert verk, krever nøye vurdering av hvilken karakter man skal velge, hvordan man skal portrettere den og hvordan man skal forholde seg til tradisjonen.

Gjennom teaterhistorien har det vært roller som overskred grensene for en typisk rolle og ble kunstneriske høydepunkter.

Rollen til Trưng Trắc i stykket «Trommen til Mê Linh» var en gang assosiert med navnet til den avdøde kunstneren Thanh Nga – et legendarisk ikon for cải lương (vietnamesisk tradisjonell opera).

I vestlig teater har rollen som Hamlet i William Shakespeares skuespill lenge vært en målestokk for en skuespillers ferdigheter. På Broadway krever rollen som Christine i The Phantom of the Opera en ekstremt streng kombinasjon av vokalteknikk og sceneopptreden.

Slike roller er ikke bare en del av manuset, men også kulturelle ikoner for publikum på tvers av generasjoner.

Derfor, når en kunstner, spesielt en ung kunstner, legemliggjør slike roller, går de i hovedsak inn i en dialog med teaterhistorien. Motet deres er prisverdig. Kunstnerisk praksis krever imidlertid en lang prosess med akkumulering og flittig trening; man må unngå å haste og hoppe over stadier, da hastverk fører til svinn.

De fleste store artister starter med små roller, og lærer seg håndverket på skuespillerkurs før de gradvis stiger til ikoniske roller. Dette betyr at de får grundig opplæring i håndverket sitt og den profesjonelle etikken i et profesjonelt miljø før de tar fatt på arven etter forgjengerne. Dette gjenspeiler en seriøs holdning til yrket sitt, respekt for publikum og selvrespekt.

De offentlige og nettverksalgoritmene

Fra publikums perspektiv er de ikke bare billettkjøpere, men i hovedsak det ultimate dommerpanelet. Applaus eller stillhet, ros eller diskusjon etter forestillingen – alt er tilbakemeldingssignaler som hjelper scenen med å justere seg.

Verdenskunsthistorien er full av eksempler på sterke publikumsreaksjoner. Seerne har rett til å kommentere forestillinger som ikke er på topp. Faktisk er slik kritikk en måte å beskytte estetiske standarder på. Publikums kommentarer viser at de ikke er likegyldige eller vender ryggen til kunst, spesielt ikke tradisjonell kunst.

I den digitale tidsalderen har imidlertid publikumsreaksjoner overskredet teatrets grenser og spredt seg vidt over internett. Sosiale medier opererer i henhold til logikken i den oppmerksomhetsbaserte økonomimodellen , og skaper algoritmer som prioriterer kontroversielt og følelsesmessig motstridende innhold, noe som gjør dem til et fokuspunkt for massene.

Vi har sett dette skje ved mange kulturelle arrangementer. For eksempel tiltrekker hendelser ved store prisutdelinger som Oscar- eller Grammy-utdelingen seg alltid offentlig oppmerksomhet og diskusjon.

Sosiale medier fungerer derfor både som en kraftig kanal for formidling av kunst og en plattform der publikum uttrykker sine følelser, gir uttrykk for meninger og raskt danner bølger av offentlig diskurs.

Dette forklarer hvorfor profesjonelle debatter lett kan eskalere til opphetede krangler. Det er ikke uvanlig at upassende og ekstreme kommentarer dukker opp på grunn av sinne og mangel på selvkontroll. Mange kontoer involverer personangrep, ytrer harde ord og spiraler inn i kontrovers.

Å skape et sunt rom for dialog.

Det er tydelig at hvis de tre elementene kunstner, publikum og sosiale medier er i ubalanse, kan kunsten lett havne i en vanskelig situasjon. Kunstnere kan mangle tilstrekkelig profesjonell erfaring, men likevel forhaste seg inn i store roller.

Publikumsreaksjoner er normale i kunst, men nettmiljøet presser følelsene til det ekstreme, og visker ut grensen mellom kritikk og personangrep.

Til syvende og sist trenger kunst alltid et rom for sunn dialog. Kunstnere må ta håndverket sitt på alvor. Publikum kan uttrykke sine meninger, men de må også bevare roen og moderasjonen.

Sosiale medier, hvis de brukes klokt, kan bli et sted å spre en kjærlighet til kunst i stedet for å fremme bitterhet.

Bare når trekanten av kulturell atferd forblir balansert, kan kulturlivet utvikle seg bærekraftig i den digitale tidsalderen.

TRAN XUAN TIEN

Kilde: https://tuoitre.vn/ung-xu-van-hoa-voi-van-hoa-20260319094621017.htm