Wystawa „Niekończące się uroczystości” zapożycza tytuł z pamiętnika Hemingwaya, aby nawiązać do nieprzemijającej witalności pewnej formy sztuki: malarstwo lakiernicze zawsze będzie „niekończącym się świętem” w nurcie tradycyjnego malarstwa wietnamskiego.
Phi Phi Oanh przywołuje wspomnienia życia na wsi.
Phi Phi Oanh zaprezentowała cztery prace z serii, która przyniosła jej sławę: „Scry”, „Pro Se” oraz instalację „A Moveable Feast”, przedstawiającą wietnamskie posiłki, zarówno świąteczne, jak i codzienne. Zainteresowana tematyką tradycyjnej kultury wietnamskiej, Phi Phi Oanh śledzi ewolucję tej kultury i uczestniczy w tym procesie poprzez przełomowe dzieła łączące lakier z nowymi formami materiałów.
Jej prace stanowią nową interpretację tego medium, rozszerzają zakres ekspresji lakieru w formie wizualnej, odzwierciedlają historie wymiany kulturowej i umieszczają ten materiał w szerszym kontekście dialogu artystycznego.
Posiłki Phi Phi Oanh są metaforą rytmu wietnamskiego życia, rytmu wschodnioazjatyckiego, rządzonego cyklem księżycowym. Tym razem jej praca „Ruchome Święto” została przeobrażona w instalację: ceremonialna uczta Tet „porusza się” po przestrzeni wystawy, a jej „nogami” jest robot. Integracja technologii z życiem opartym na księżycu odsłania perspektywę artystki na proces transformacji kulturowej.
Phi Phi Oanh nie ogranicza kultury do sztywnych motywów. Obrazy posiłków, talerzy z rybą, tac z pięcioma owocami, cegieł, ścian, mat… symbolizują wiejską kulturę, przywołując nostalgię za zbiorową atmosferą wietnamskiego życia. Pojawiają się one ponownie w jej pracach, ale zawsze są „odświeżane” poprzez nowe materiały: lakier na szkle, żelazo, papier, skórę; „ponownie oglądane” poprzez refleksję nad teorią obrazu; i „żyją nowym życiem” w różnych przestrzeniach doświadczalnych i z nowoczesnym sprzętem technologicznym. „Uwielbiam kontrast między prostymi przedmiotami wokół mnie – tymi, które nie są wypolerowane, którym poświęca się niewiele uwagi – a wypolerowaną powierzchnią lakieru. Lakier nadaje szlachetności najzwyklejszym przedmiotom” – powiedziała Phi Phi Oanh.
Malunek lakierowany na plastiku, 60 x 60 cm.
Eksperymenty malarskie Phi Phi Oanh koncentrują się wokół właściwości lakieru, głębokich, bogatych kolorów i nieustannie zmieniającej się gry światła na powierzchni obrazu. Artystka szczegółowo przedstawia świat rzeczywisty za pomocą żywej, a zarazem stonowanej palety barw. Światło w jej obrazach często rozchodzi się po powierzchniach przedmiotów, nadając im zarówno gęstą, treściwą barwę, jak i ulotny, migoczący charakter. To podejście umieszcza znane, codzienne przedmioty w centrum wizualnego świata bogatego w kolory i światło.
Materiały podłoża, takie jak szkło i metal, również pozwalają światłu odbijać się i rozprzestrzeniać na różne sposoby. Dwa obrazy z serii „Scry” przedstawiają lakier zawieszony między dwiema warstwami przezroczystego szkła. Światło przenika przez nakładające się warstwy lakieru, odsłaniając strukturę przedstawionego obiektu. Światło nadaje lakierowi nowe, elastyczne formy wyrazu, bliskie językowi malarstwa współczesnego.
Nguyen Tuan Cuong i jego historia z cienia.
Podczas gdy świat przedstawiony na obrazach Phi Phi Oanh jest przejrzysty i pełen światła, obrazy Nguyen Tuan Cuonga otwierają zupełnie inną przestrzeń. Obrazy Cuonga często koncentrują się na małych zakamarkach tradycyjnych wietnamskich domów: bambusowym parapecie, parapecie, drewnianym łóżku czy nasłonecznionym kącie werandy – przestrzeniach pozbawionych ludzi, ale pełnych śladów życia. To miejsca, w których światło pojawia się jedynie słabo i cicho, jakby przesączając się przez warstwy czasu.
Nguyen Tuan Cuong ma obsesję na punkcie światła i cienia. Wszystkie obiekty, które artysta przedstawia na swoich obrazach, umieszczone są w ramach odniesienia światła i cienia. Światło pada nie tylko z jasnych, ale także z ciemnych obszarów, co stanowi jedną z unikalnych zalet malarstwa lakierniczego. W obrazach Cuonga światło zawsze pochodzi z półcienistych cieni. Nie pada bezpośrednio na obiekt, lecz gromadzi się między warstwami ciemnego koloru, przenikając przez wiele warstw materiału, zanim dotrze do powierzchni. Paleta barw jest głęboko brązowa, z cienkimi, transparentnymi warstwami lakieru, ułożonymi gęsto i solidnie.
Na tym materialnym tle, pozytywne punkty świetlne zdają się rozszerzać na całej powierzchni, podczas gdy negatywne obszary świetlne są stłumione, zawieszone w niejednoznacznej atmosferze emocji. Kreowanie przestrzeni i panowanie nad emocjami za pomocą światła to najbardziej wyrazista cecha tej serii.
„Endless Festivities” to również nowy ruch artystyczny Nguyena Tuana Cuonga, po przełomowym projekcie „Ancient Moon District” z 2024 roku. Dzięki tej wystawie artysta stopniowo odchodzi od konwencjonalnych przestrzeni, wkraczając w przestrzeń doznań i pamięci.
Detale w obrazie stopniowo zanikają, przywracając swobodną powierzchnię materiału, z kilkoma abstrakcyjnymi, nieco surrealistycznymi rytmami. To zdecydowane odejście od realizmu. Artysta drastycznie ogranicza detale, odważnie zacierając granice architektury i pozostając wiernym transparentnemu stylowi malarstwa. To połączenie wcale nie oddaje przestrzeni, a raczej wzmacnia poczucie przestrzeni i atmosfery na powierzchni obrazu. Nieliczne pozostałe detale stają się ukrytymi punktami wewnętrznego odczuć, sugerując spokojne miejsce odpoczynku pośród zgiełku codziennego życia.
To życie, które zwraca się ku wnętrzu, wycofuje się, metaforycznie przekazywane przez warstwy mglistych, nakładających się wspomnień. Droga od poetyckiej przestrzeni „Moonlight in the Old Quarter” do sensorycznej przestrzeni tej wystawy musi być drogą kogoś, kto ma dogłębne zrozumienie materiałów lakierniczych i pasję do malarstwa tradycyjnego.
Malowidło lakierowane na drewnie, 60 x 90 cm. (Zdjęcie w artykule: udostępnione przez autora)
Uderzającą cechą najnowszej serii obrazów Nguyen Tuan Cuong jest to, że kolor jest postrzegany poprzez sam materiał, a nie wyrażany przez niego. Właściwości fizyczne materiału są osłabione, a kolor odpowiednio stonowany. Artysta koncentruje się wyłącznie na procesie obróbki materiału – monotonnym procesie tradycyjnych technik malarskich lakierem, który jednak ma nieprzemijającą wartość.
Cienkie warstwy lakieru, starannie nakładane poprzez wielokrotne szlifowanie, tworzą wyrazistą głębię koloru i solidną fakturę. Kolory wyłaniają się następnie, wchodząc w interakcję z każdą cienką warstwą lakieru i cierpliwym szlifowaniem. To kolor całkowicie zależny od myśli i stanu umysłu artysty, a nie realistyczny. Przyczynia się on do stworzenia bardziej abstrakcyjnego stanu przestrzeni i światła w tej serii, najbardziej zauważalnie w obrazach „Nietrwałość”, „Drewniane łóżko” i „Letnie popołudnie”. To również słodki owoc cierpliwego podejścia do malarstwa lakierniczego.
Zestawione obok siebie, te dwie praktyki ukazują szeroki zakres ekspresji malarstwa lakierniczego. Pomimo różnic w obrazowaniu i scenerii, obie praktyki wywodzą się ze wspólnego fundamentu: tradycyjnej lakierni i skrupulatnej, mozolnej pracy artystycznej.
Dla Phi Phi Oanh ten fundament stał się punktem wyjścia do eksperymentów z materiałami i strukturami wizualnymi, rozszerzając możliwości materiałów w nowych kierunkach. Dla Nguyen Tuan Cuong tradycja stała się narzędziem eksploracji subtelnych stanów przestrzeni sensorycznej.
Jedna osoba zanurza się w nowoczesnym życiu, malując lakierem, druga cierpliwie zagłębia się w głębię tradycyjnej wietnamskiej lakierni. Jedna przedstawia świat przedmiotów i zdarzeń, światła i koloru; druga przestrzeń i atmosferę nostalgii i starożytności.
Te dwa światy wizualne można pojmować jako dwie strony tego samego życia: stronę wyraźnie ujawniającą się w świetle czynności i rytuałów, kiedy wszystko rozkłada się przed oczami; i stronę wycofaną w mrok przestrzeni pamięci.
Są to także dwa rytmy ruchu w utworze „Endless Festivities”: rytm świętowania z olśniewającymi momentami życia na zewnątrz oraz rytm niekończącej się kontemplacji z momentami cichej refleksji wewnątrz.
Pomiędzy tymi dwoma rytmami lakier – z warstwową strukturą światła i cienia – staje się szczególnym materiałem: zdolnym zarówno oświetlać konkretne obrazy życia, jak i zachowywać niejednoznaczne i głębokie stany pamięci.
„W obrazach lakierowanych Phi Phi Oanha i Nguyen Tuan Cuonga „obiekty psychologiczne”, często spotykane w niektórych długoletnich trendach malarstwa „subiektywno-abstrakcyjnego”, mogą być nieobecne. I odwrotnie, tutaj, zwłaszcza w sztuce lakierowanej Phi Phi Oanha, często widzimy bardzo „konkretno-obiektywne” obiekty, nawet bez żadnej „dekoracji” czy „obrazu”, bardzo realne zarówno pod względem formy, jak i koloru – jakby wszystko wynikało z tezy: jedynie doznanie jest bezpośrednim przedmiotem percepcji, świat to całość „idei”, „kompleksów sensorycznych”, subtelnie uznających istnienie obiektów manifestujących się w doznaniach, uznających, że sądy o rzeczach można sprowadzić do sądów o treści świadomości”.
I tutaj nie możemy nie podkreślić roli elementów instrumentalnych, które artysta priorytetowo potraktował, stosując je we właściwym czasie, we właściwym miejscu i zgodnie ze swoimi umiejętnościami: to jest istota Tradycyjnej Wietnamskiej Laki, kolor i jakość lakieru tutaj - rzeczywiście - przekształciły się z koloru materialności w kolor świadomości, kolor ducha... I zgodnie z tym rzeczywistość w sztuce Phi Phi Oanh i Nguyen Tuan Cuong również przekształca się z rzeczywistości opisowej w rzeczywistość poznawczą, rzeczywistość ducha”, Quang Viet - badacz sztuki.
Źródło: https://baophapluat.vn/hai-hoa-si-hoi-he-mien-man.html
Komentarz (0)