Сквозь тьму, чтобы приветствовать свет.

Симфонический оркестр Sun исполняет музыкальный вечер «Шостакович — Нерассказанная история». (Фото предоставлено Симфоническим оркестром)

Сквозь тьму «Камерная симфония»

Можно сказать, что музыка Д. Шостаковича – это зеркало, отражающее противоречия времени, между тьмой угнетения и светом человеческой воли, между насмешливым отношением и неукротимым духом.

Как сказал профессор Дэвид Фаннинг, исследователь музыки, специализирующийся на творчестве двух композиторов — Карла Нильсена и Дмитрия Шостаковича: «Находясь под противоречивым давлением со стороны правительства, благодаря терпению большинства коллег и личным идеям служения человечеству и публике, ему удалось создать музыкальный язык, обладающий колоссальной эмоциональной силой».

Дмитрий Шостакович родился 25 сентября 1906 года в Санкт-Петербурге в семье среднего достатка. Отец был химиком, а мать – талантливой пианисткой. Увлечённый игрой на фортепиано и рано начавший заниматься композицией, он завоевал вторую премию на Первом конкурсе имени Шопена, завершил Симфонию № 1 сразу после окончания консерватории в 1926 году и был признан публикой как первый талантливый композитор послереволюционного периода.

Шостакович ощущал себя представителем поколения, выросшего благодаря победе революции, и всегда инстинктивно отождествлял себя с романтизмом новой эпохи, к которой он принадлежал. Обладая внушительной коллекцией наград как в Советском Союзе, так и за его пределами, он считался «одним из самых мощных музыкальных голосов XX века» с огромным композиторским наследием.

Камерная симфония (соч. 110а), которую музыкальный руководитель Оливье Ошанин выбрал для исполнения на концерте, — произведение, наполненное грустью, автопортрет в звуке, исповедь Шостаковича в его собственной боли и полном изнеможении, несущего в себе болезнь, одиночество и мучения.

Рассказывают, что в возрасте 54 лет Дмитрий Шостакович отправился в разрушенный бомбёжками Дрезден, чтобы написать музыку к фильму, рассказывающему о чудовищных разрушениях Второй мировой войны. Но, отказавшись от своей первоначальной цели, он задумал одно из самых глубоких и запоминающихся произведений в своей карьере: «Струнный квартет № 8 до минор», позже переложенный для струнных Рудольфом Баршаем как «Камерная симфония соч. 110а».

Официально посвящённое «жертвам фашизма и войны», произведение на самом деле является памятником самому композитору. Аккорд DSCH (четыре ноты ре–ми♭–до–си), взятый из его немецких инициалов (D. Sch), повторяется на протяжении всего произведения, словно код эго, запечатлённый в каждом такте.

Уникальная подпись, которую он часто использовал для подписания некоторых своих произведений, появляясь в «Камерной симфонии», неявно понималась как болезненное утверждение: «Я все еще здесь», посреди сообщества, которое хотело стереть личный цвет каждого его члена.

Зритель словно нащупывает свой путь в тёмном и мучительном путешествии по внутреннему миру композитора, полному хаотичных движений. От мрачности начального Largo до искажённого ритма и навязчивых повторений, вызывающих ужас войны во второй части – Allegro Molto. От призрачного вальса, словно пляски призраков на руинах, в третьей части до задумчивых похорон в четвёртой. И наконец, завершаясь слабым вздохом в хрупкой тишине финальной части, словно печальное и скорбное чувство, размышляющее о воспоминаниях, эго и пределах выносливости каждого человека.

Постижение тьмы внутри него было непростым испытанием для большинства зрителей, присутствовавших в зале театра «Хоан Кием». Проникновение в меланхолию и смятение «Камерной симфонии» было самым тонким способом прикоснуться к сложному внутреннему миру автора. А затем, окунувшись в яркий свет следующего произведения, они расплакались, осознав, насколько прекрасен этот свет по сравнению с темной бездной, с которой только что столкнулись. Вероятно, именно этого и хотел добиться французский дирижёр Оливье Ошанин, когда решил завершить «нерассказанную историю» Шостаковича радостным произведением под названием Концерт № 1 для фортепиано, трубы и струнных.

Таким образом, Шостакович совершил путешествие в прошлое, и с последних лет его жизни мы встречаем молодого Шостаковича, полного жизни и ума, но при этом странно саркастичного и экстравагантного. В Концерте № 1 для фортепиано, трубы и струнных фортепиано и труба — не просто два инструмента, а два голоса, спорящих между собой — между разумом и чувством, между страхом и свободой. Труба словно дразнит, высокомерно смеётся над трагедиями. Фортепиано же одновременно и плачет, и поёт песню, полную веры в каждого человека.

И приветствуйте свет «Концертом №1».

При жизни Шостаковича его жизнь, мировоззрение, политические взгляды и некоторые его произведения вызывали неоднозначную реакцию. Но никто не может отрицать, что он был великим композитором.

По мнению многих известных критиков, в симфониях можно увидеть влияние Муссогрского, Чайковского и даже в какой-то степени - Рахманинова на Шостаковича в эпической форме и мощных оркестровых аранжировках.

Однако в области концертного искусства, особенно в фортепианных концертах, Шостакович стремился максимально отойти от великих русских образцов. Сравнивая Первый фортепианный концерт Шостаковича с аналогичными произведениями его современников, трудно сказать, что они принадлежат к одному жанру.

Если Рахманинов, Чайковский или Брамс пытались расширить фортепианные концерты до уровня симфонии с фортепиано соло, то Шостакович превратил свое произведение в нечто совершенно новое, сатирическое и остроумное, компактное и красивое.

Говорят, что изначально Шостакович намеревался сочинить концерт для трубы для Александра Шмидта, главного трубача Ленинградской филармонии, но он посчитал технические трудности слишком сложными и решил добавить фортепиано и превратить произведение в концерт для двух инструментов с оркестром, состоящим только из струнных, что было весьма необычно для Шостаковича.

Произведение также раскрывает необычную сторону его музыки, привнося развлечение, веселье и остроумие, и став одним из самых популярных концертов сегодня.

Написанный в 1933 году, Концерт для фортепиано с оркестром № 1 является одним из самых ярких и смелых произведений Шостаковича — сатирический концерт, в котором переплетаются юношеский дух, острый ум и неожиданные моменты глубокой красоты.

Написанное для фортепиано, трубы и струнных, это произведение представляет собой почти двойной концерт: труба играет роли комментатора, клоуна и провокатора, жонглируя фортепиано в остроумных и неожиданных диалогах. Энергия импульса, игривая энергия произведения отражает характер молодого Шостаковича – виртуозного исполнителя и озорного сатирика.

Четыре части произведения – это вихрь стиля и эмоций, переходящий от игривых фанфар и острого диалога двух инструментов в первой части к тёплым и хрупким фортепианным тонам во второй. Затем короткие, таинственные паузы в третьей части перемежают два мира роскошными гармониями и завершаются ехидным смехом и озорным подмигиванием в финальной части.

За исполнение этого концерта в столице отвечают два артиста: пианист Луу Дык Ань и трубач Дайки Яманои. Будучи одним из ведущих пианистов Вьетнама, Луу Дык Ань обладает впечатляющим послужным списком: он окончил престижные музыкальные школы, получил отечественные и международные награды, выступал в составе престижных оркестров и был членом жюри престижных конкурсов.

«Концерт №1» тронул сердца слушателей благодаря технике исполнения и эмоциональной глубине этого любимого лица.

Вместе с ним в качестве партнера и жонглера выступает трубач Симфонического оркестра Солнца Дайки Яманои, который сплетает остроумие и лиризм в каждом музыкальном диалоге.

Вместе они освещают парадоксальный мир Шостаковича, где смех идет рука об руку с отчаянием, а сатира становится наиболее верным выражением послания автора.

Концерт «Шостакович — Нерассказанные истории» открылся «Вальсом-фантазией Михаила Глинки» — танцем грёз, пространством чистым, романтичным и лёгким, как дыхание. Глинка — пионер русской музыки — заложил основу для этого вечера нежной, хрупкой красотой, прежде чем музыкальный мир Шостаковича обнажил хрупкость этой мечты перед тяжестью истории. Оба композитора, в разные эпохи, превратили вальс в символ человеческой жизни — одновременно изящный и чарующий, но также потенциально неукротимый и полный жизненной силы.

Озеро Кукфыонг

Источник: https://nhandan.vn/bang-qua-bong-toi-de-don-chao-anh-sang-post923587.html