Przez ciemność, by powitać światło

Orkiestra Symfoniczna Sun gra wieczór muzyczny „Shostakovich – The Untold Story”. (Zdjęcie: SSO)

Przez ciemność „Symfonia kameralna”

Można powiedzieć, że muzyka D. Szostakowicza jest zwierciadłem odbijającym sprzeczności czasów, między mrokiem ucisku a światłem ludzkiej woli, między postawą szyderczą a niezłomnym duchem.

Jak powiedział profesor David Fanning, badacz muzyki specjalizujący się w twórczości dwóch kompozytorów, Carla Nielsena i Dymitra Szostakowicza: „Pomiędzy sprzecznymi naciskami ze strony rządu, wytrwałością większości swoich kolegów i osobistymi przekonaniami o potrzebie służenia ludzkości i społeczeństwu, udało mu się stworzyć język muzyczny o ogromnej sile emocjonalnej”.

Dymitr Szostakowicz urodził się 25 września 1906 roku w Petersburgu w rodzinie mieszczańskiej, z ojcem chemikiem i utalentowaną pianistką. Znając grę na fortepianie i rozpoczynając przygodę z kompozycją w bardzo młodym wieku, zdobył drugą nagrodę na pierwszym konkursie chopinowskim, ukończył Symfonię nr 1 tuż po ukończeniu Konserwatorium w 1926 roku i został przyjęty przez publiczność jako pierwszy utalentowany kompozytor porewolucyjny.

Szostakowicz czuł się przedstawicielem pokolenia, które dorastało dzięki zwycięstwu rewolucji i zawsze, bardzo instynktownie, identyfikował się z romantyzmem nowej ery, do której należał. Posiadając wymarzoną kolekcję nagród w (byłym) Związku Radzieckim i poza nim, był uważany za „jeden z najpotężniejszych głosów muzycznych XX wieku”, z ogromnym dorobkiem kompozytorskim.

Symfonia kameralna (op. 110a), którą dyrektor muzyczny Olivier Ochanine wybrał do wykonania podczas koncertu, jest dziełem przepełnionym smutkiem, dźwiękowym autoportretem, wyznaniem Szostakowicza dotyczącym własnego bólu i całkowitego wyczerpania, podczas gdy on sam nosi w sobie chorobę, samotność i udrękę.

Legenda głosi, że w wieku 54 lat Dymitr Szostakowicz udał się do zniszczonego bombardowaniami Drezna, aby skomponować muzykę do filmu przedstawiającego straszliwe zniszczenia II wojny światowej . Ignorując jednak swój pierwotny cel, stworzył jedno z najgłębszych i najbardziej przejmujących dzieł w swojej karierze: „Kwartet smyczkowy nr 8 c-moll”, później przepisany na instrumenty smyczkowe przez Rudolfa Barszaja jako „Symfonia kameralna op. 110a”.

Oficjalnie poświęcony „ofiarom faszyzmu i wojny”, utwór jest w rzeczywistości pomnikiem samego kompozytora. Akord DSCH (cztery nuty D–Es–C–H), zaczerpnięty z jego niemieckich inicjałów (D. Sch), rozbrzmiewa, powtarzając się w całym utworze niczym kod ego wyryty w każdym takcie.

Niepowtarzalny podpis, którego często używał do podpisywania niektórych z tych dzieł, gdy występował w „Symfonii kameralnej”, był rozumiany jako bolesne potwierdzenie „nadal tu jestem”, w środku społeczności, która chciała wymazać osobisty koloryt każdego członka.

Publiczność zdaje się błądzić po omacku w mrocznej i bolesnej podróży do wewnętrznego świata kompozytora, wypełnionego chaotycznymi ruchami. Od mroku otwierającego Largo, przez zniekształcony rytm i przejmującą repetycję, przywołującą grozę wojny w drugiej części – Allegro Molto. Od upiornego walca, niczym taniec duchów w ruinach w trzeciej części, po zamyślony pogrzeb w czwartej części. A potem kończy się słabym oddechem w kruchej ciszy ostatniej części, niczym smutne i żałobne wzruszenie kontemplujące wspomnienia, ego i granice wytrzymałości każdego człowieka.

Eksploracja jego mroku nie była łatwym doświadczeniem dla większości publiczności zgromadzonej w sali Teatru Hoan Kiem. Przejście przez melancholię i zamęt „Symfonii kameralnej” było najsubtelniejszym sposobem dotknięcia złożonego wewnętrznego świata autora. Następnie wybuchnął płaczem, skąpany w jasnym świetle kolejnego utworu, uświadamiając sobie, jak piękne było to światło w porównaniu z mroczną otchłanią, z którą właśnie się zmierzył. Prawdopodobnie taki był również zamiar francuskiego dyrygenta Oliviera Ochanine, gdy zdecydował się zakończyć „nieopowiedzianą historię” Szostakowicza radosnym utworem zatytułowanym „Koncert nr 1” na fortepian, trąbkę i smyczki.

W ten sposób SSO cofa się w czasie, by z ostatnich lat jego życia poznać młodego Szostakowicza, który był jednocześnie pełen życia i inteligencji, a jednocześnie dziwnie sarkastyczny i ekstrawagancki. W Koncercie nr 1 na fortepian, trąbkę i instrumenty smyczkowe fortepian i trąbka to nie tylko dwa instrumenty, ale dwa głosy spierające się – między rozumem a emocjami, między strachem a wolnością. Trąbka zdaje się drażnić, arogancko śmiać z tragedii. Tymczasem fortepian płacze i śpiewa pieśń przepełnioną wiarą w każdego człowieka.

I powitaj światło z „Koncertem nr 1”

Za życia Szostakowicza jego życie, ideologia, poglądy polityczne i niektóre jego dzieła spotkały się z mieszanymi recenzjami. Nikt jednak nie może zaprzeczyć, że był wielkim kompozytorem.

W symfoniach Szostakowicza, w ujęciu wielu znanych krytyków, można dostrzec wpływ Mussogrskiego, Czajkowskiego, a nawet w pewnym stopniu Rachmaninowa, na formę epicką i potężne aranżacje orkiestrowe.

Jednak w dziedzinie koncertów, zwłaszcza koncertów fortepianowych, Szostakowicz starał się jak najdalej odchodzić od wielkich rosyjskich wzorców. Porównując I Koncert fortepianowy Szostakowicza z podobnymi utworami jego współczesnych, trudno stwierdzić, czy należą one do tego samego gatunku.

Jeśli Rachmaninow, Czajkowski czy Brahms próbowali rozwinąć koncerty fortepianowe w coś na kształt symfonii z fortepianem solowym, to Szostakowicz uczynił ze swojego dzieła coś zupełnie nowego, satyrycznego i dowcipnego, zwartego i ładnego.

Mówi się, że pierwotnie Szostakowicz zamierzał skomponować koncert na trąbkę dla Aleksandra Schmidta, pierwszego trębacza Filharmonii Leningradzkiej, ale uznał, że wyzwania techniczne są zbyt trudne do rozwiązania i postanowił dodać partie fortepianu, przekształcając utwór w koncert na dwa instrumenty z orkiestrą składającą się wyłącznie z instrumentów smyczkowych – co było dość nietypowe dla Szostakowicza.

Utwór pokazuje także niezwykłą stronę jego muzyki, dostarczając rozrywki, zabawy i dowcipu, stając się jednym z najpopularniejszych koncertów współczesności.

Skomponowany w 1933 roku Koncert fortepianowy nr 1 należy do najwybitniejszych i najodważniejszych dzieł Szostakowicza – to koncert satyryczny, przeplatany młodzieńczym duchem, ostrym dowcipem i nieoczekiwanymi momentami głębokiego piękna.

Napisany na fortepian, trąbkę i instrumenty smyczkowe, utwór jest niemal podwójnym koncertem: trąbka pełni rolę komentatora, klauna i prowokatora, żonglując fortepianem w dowcipnych i nieoczekiwanych dialogach. Napędzająca, żartobliwa energia utworu odzwierciedla młodego Szostakowicza – zarówno wirtuoza, jak i psotnego satyryka.

Cztery części utworu to istny wir stylu i emocji, od figlarnych fanfar i ostrej konwersacji dwóch instrumentów w pierwszej części po ciepłe i delikatne tony fortepianu w drugiej. Następnie krótkie, tajemnicze pauzy akcentują te dwa światy wspaniałymi harmoniami w trzeciej części, a całość wieńczy ironiczny śmiech i psotne mrugnięcie okiem w części finałowej.

Za wykonanie tego koncertu w stolicy odpowiadają dwaj artyści: solista fortepianowy Luu Duc Anh i solista trębacz Daiki Yamanoi. Jako jeden z czołowych pianistów w Wietnamie, Luu Duc Anh może pochwalić się imponującym dorobkiem, obejmującym prestiżowe szkoły muzyczne, które ukończył, krajowe i międzynarodowe nagrody, udział w prestiżowych orkiestrach oraz prestiżowe konkursy, w których był jurorem.

„Koncert nr 1” poruszył serca publiczności dzięki technice wykonawczej i emocjonalnej głębi tej uwielbianej twarzy.

Obok niego, jako partner i żongler, występuje Daiki Yamanoi, trębacz orkiestry symfonicznej Sun, przeplatając dowcip z liryzmem w każdym muzycznym dialogu.

Razem rzucają światło na paradoksalny świat Szostakowicza, w którym śmiech idzie ramię w ramię z rozpaczą, a satyra staje się najprawdziwszym wyrazem przesłania autora.

Koncert „Szostakowicz – Nieopowiedziane historie” rozpoczął się utworem „Walc Fantazja” Michaiła Glinki, tańcem marzeń, przestrzenią czystą, romantyczną i lekką jak oddech. Glinka – pionier muzyki rosyjskiej – położył podwaliny pod noc delikatnym, kruchym pięknem, zanim muzyczny świat Szostakowicza obnażył kruchość tego marzenia pod ciężarem historii. Obaj kompozytorzy, w dwóch różnych okresach, uczynili z walca symbol ludzkiego życia – jednocześnie pełen wdzięku i przejmujący, ale także potencjalnie niepokonany i pełen witalności.

JEZIORO CUC PHUONG

Źródło: https://nhandan.vn/bang-qua-bong-toi-de-don-chao-anh-sang-post923587.html