Luka w kształceniu artystów w Wietnamie.

TPO – Poza problemami z wydajnością, zjawisko lip-syncingu wyraźnie odzwierciedla lukę w wietnamskim modelu kształcenia artystów, gdzie szkoły i rynek nie są ze sobą zsynchronizowane i brakuje profesjonalnego procesu kształcenia. W tym kontekście dobrze ustrukturyzowane modele kształcenia, takie jak „staże” czy ekosystemy firm rozrywkowych o obiegu zamkniętym na całym świecie, stają się cennymi sugestiami, jeśli Wietnam chce zbudować stabilne pokolenie artystów.

Model szkoleniowy nie nadąża za rynkiem.

Zjawisko synchronizacji ruchu ust i nakładania wokali jest przez wielu przedstawicieli branży uważane za długotrwałą „plagę” wietnamskiego rynku muzycznego, szczególnie w dobie rozwoju technologii, która często jest wykorzystywana do maskowania słabszych, autentycznych występów wokalnych.

Muzyk Nguyen Quang Long szczerze zauważył, że traktowanie lip-syncingu jako rozwiązania technicznego lub „ostateczności” jest niewystarczające. Powszechność tego zjawiska pokazuje, że coraz więcej artystów wychodzi na scenę, gdy ich umiejętności wykonawcze nie przystają do wymagań zawodu.

W związku z tym pojawiają się pytania dotyczące procesu kształcenia artystów w kontekście dynamicznie rozwijającego się rynku muzycznego i scenicznego, gdzie dziesiątki koncertów przyciągają tysiące widzów każdego roku. Rodzi to również problemy związane ze szkoleniem wietnamskich artystów, gdzie obecny model kształcenia nie koncentruje się na holistycznym rozwoju artysty.

Szkoły w Wietnamie często kładą większy nacisk na muzykę klasyczną i gatunki wymagające wysokich umiejętności technicznych niż na muzykę rozrywkową.

W rzeczywistości system szkół artystycznych w Wietnamie, od szkół zawodowych i kolegiów po uniwersytety, jest dość dobrze zorganizowany i ma ponad 70-letnią tradycję. Nadal jednak istnieje luka między celami kształcenia a rzeczywistymi potrzebami rynku.

„Chociaż szkoły muzyczne koncentrują się na muzyce klasycznej lub gatunkach wymagających dużej wiedzy technicznej, takich jak opera, muzyka rewolucyjna i artystyczna muzyka liryczna, rynek jest bardzo zmienny, a największym segmentem jest muzyka rozrywkowa. Dlatego też kształcenie oferowane przez te szkoły tylko częściowo zaspokaja ogólny popyt” – zauważył muzyk Quang Long.

Niezaprzeczalnym jest, że wielu znanych śpiewaków nie otrzymało formalnego wykształcenia, jednak wyjątkowe przypadki są rzadkie. Według muzyka Nguyen Quang Longa, w gatunkach wymagających wysokich umiejętności technicznych artyści muszą przejść rygorystyczną naukę i szkolenie. Z kolei w muzyce rozrywkowej ukończenie profesjonalnej szkoły artystycznej stanowi znaczący atut.

„Nasze kształcenie artystyczne nie jest jeszcze doskonałe. Musimy przyjrzeć się potrzebom społecznym, aby je odpowiednio dostosować i uzupełnić. Jednak kształcenie musi nadal utrzymywać standardy sztuki zawodowej; nie możemy, pod żadnym pozorem, obniżać wymagań dotyczących umiejętności wokalnych ani kompetencji muzycznych” – stwierdził muzyk Nguyen Quang Long.

Podróż trwająca dziesiątki lat szkolenia.

Znalezienie modelu harmonizującego te elementy to trudny problem, ale nie nie do pokonania. W wielu krajach z rozwiniętym przemysłem muzycznym, takich jak Korea Południowa, Stany Zjednoczone, a nawet Tajlandia, kształcenie artystów nie odbywa się wyłącznie w szkołach, ale jest zintegrowane z całym ekosystemem. W tym ekosystemie firmy rozrywkowe odgrywają kluczową rolę, budując zamknięty proces kształcenia, od selekcji i szkolenia, po produkcję i zarządzanie artystami.

Proces kształcenia artystów w Korei Południowej opiera się na modelu zamkniętej pętli, obejmującym wszystkie etapy – od selekcji i szkolenia, po produkcję i zarządzanie artystami.

W Korei Południowej, zanim zostaną artystami i zaczną występować na scenie, wielu młodych ludzi przechodzi proces kształcenia trwający lata, a nawet dekady. Jest to charakterystyczne dla szkolenia stażystów – rygorystycznego i systematycznego procesu, w którym młodzi artyści są jednocześnie szkoleni w zakresie wokalu, tańca, występów, wystąpień publicznych i komunikacji medialnej.

Tylko ci, którzy w pełni spełniają kryteria, dostają szansę na debiut, a w rzeczywistości ta podróż jest często bardzo długa: G-Dragon (BigBang) przeszedł 11 lat treningu, w tym 5 lat w SM Entertainment i 6 lat w YG, a wiele innych idoli również miało dłuższe okresy treningu, jak Jihyo (TWICE, 10 lat), Jennie (Blackpink, 6 lat) czy Suho (EXO, 6 lat).

W związku z tym wiele osób rozpoczyna drogę do zostania idolami już w wieku 10 lat, poświęcając młodość na rzecz długiego i mozolnego szkolenia. Pierwszym krokiem jest przejście procesu castingowego. Według Koreaboo, wiele dzieci uczestniczy średnio w 30 sesjach castingowych, zanim otrzyma ofertę stażu.

Jednak przyjęcie to dopiero początek. Podczas około 7-letniego okresu szkolenia, uczestnicy muszą sprostać wyczerpującemu harmonogramowi od rana do 2-3 nad ranem następnego dnia, jednocześnie ucząc się śpiewu, tańca, języków obcych, umiejętności komunikacyjnych, kontroli wizerunku i kontroli wagi.

Rygorystyczny proces treningowy, aby zostać idolką K-popu. Zdjęcie: Mashable.

Dziennikarka Euny Hong skomentowała: „Trening gwiazd K-popu to holistyczne, ludzkie wychowanie ”. Ten model wiąże się również z ogromną presją eliminacji stażystów. Według In Jin Woonga, jednego ze słynnych instruktorów szkolenia idoli, tylko około 10% stażystów ma szansę zadebiutować.

Nawet z talentem, szansa na debiut wciąż zależy od kierunku, w jakim podąża firma. „Możesz dobrze śpiewać i tańczyć, ale jeśli nie pasujesz do koncepcji, i tak zostaniesz wyeliminowany” – powiedział In Jin Woong. Wiele osób musi czekać 4-5 lat na nowy projekt lub odchodzi z branży, gdy są już za stare.

W porównaniu z tym modelem, Wietnam wciąż znajduje się w fazie przejściowej. W rzeczywistości niektóre szkoły kształcące w dziedzinie sztuki i sztuk widowiskowych zaczęły wprowadzać umiejętności wspomagające występy, takie jak taniec, mowa ciała, umiejętności komunikacyjne i etykieta artystyczna…







Niektóre placówki szkoleniowe zaczynają ewoluować w kierunku modelu nowoczesnych, wszechstronnych artystów.

Tymczasem rola firm rozrywkowych w kształceniu artystów w Wietnamie wciąż nie jest jasno określona. Na rynkach rozwiniętych stanowią one siłę napędową, działając w ramach profesjonalnego modelu przedsiębiorstwa kulturalnego.

„Patrząc na sąsiednie kraje, które z powodzeniem zbudowały podobne modele, dostrzegamy ogólny trend: model przedsiębiorstwa o obiegu zamkniętym, obejmujący szkolenia, produkcję i zarządzanie artystami, zyskuje na znaczeniu. Jeśli chcemy rozwijać przemysł muzyczny, jest to model niemal nieunikniony. W tym modelu państwo odgrywa rolę wiodącą, budując ramy prawne i tworząc sprzyjające warunki poprzez politykę, taką jak zachęty podatkowe i wsparcie dla działalności twórczej, aby umożliwić rozwój przedsiębiorstw kulturalnych” – stwierdził muzyk Quang Long.

Oczywiście, jeśli chcemy rozwijać przemysł muzyczny, stworzenie modelu szkoleniowego powiązanego z rynkiem jest niezbędne. Nie oznacza to jednak prostego kopiowania zagranicznych wzorców. Wietnam potrzebuje modelu dostosowanego do własnych realiów kulturowych, społecznych i rynkowych.

„Oprócz umiejętności wokalnych i scenicznych, młodzi artyści muszą posiadać wiele innych elementów, takich jak umiejętności komunikacyjne, budowanie wizerunku, zrozumienie publiczności, a zwłaszcza etyka zawodowa. W kontekście dynamicznego rozwoju mediów społecznościowych artyści są nie tylko wykonawcami, ale także osobami wpływowymi. Dlatego utrzymywanie pozytywnego wizerunku, właściwe zachowanie i dbałość o publiczność są kluczowymi czynnikami zrównoważonego rozwoju” – powiedział muzyk Quang Long.

W dłuższej perspektywie nie chodzi tylko o politykę zarządzania czy surowsze regulacje dotyczące wyników, ale także o budowanie zrównoważonego ekosystemu szkoleniowego. Kiedy szkoły i rynek znajdą wspólny język, kiedy firmy zaangażują się głębiej w proces szkoleniowy, a artyści jasno zrozumieją wartość uczciwości, rynek muzyczny może rozwijać się w zdrowym kierunku.

Źródło: https://tienphong.vn/lo-hong-dao-tao-nghe-si-o-viet-nam-post1834159.tpo