La brecha en la formación artística en Vietnam.

TPO - Más allá de los problemas de rendimiento, el fenómeno del playback refleja claramente una deficiencia en el modelo de formación artística de Vietnam, donde las escuelas y el mercado están desincronizados y carecen de un proceso de formación profesional. En este contexto, modelos de formación bien estructurados, como las prácticas profesionales o los ecosistemas cerrados de empresas de entretenimiento que existen en todo el mundo, se convierten en sugerencias valiosas si Vietnam desea crear una generación sostenible de artistas.

El modelo de formación no se adapta al mercado.

Muchos en la industria consideran que el fenómeno del playback y la superposición de voces es una "mancha" persistente en el mercado musical vietnamita, especialmente con el auge de la tecnología, que a menudo se utiliza para enmascarar interpretaciones vocales más débiles y menos auténticas.

El músico Nguyen Quang Long señaló con franqueza que considerar la sincronización labial como una solución técnica o un "último recurso" es insuficiente. La prevalencia de este fenómeno demuestra que cada vez más artistas suben al escenario sin estar a la altura de las exigencias de la profesión.

A partir de ahí, surgen interrogantes sobre el proceso de formación artística en el contexto de un mercado musical y escénico en rápida expansión, con decenas de espectáculos que atraen a miles de espectadores cada año. Esto también plantea problemas con respecto a la formación de artistas vietnamitas, donde el modelo de formación actual no se centra en el desarrollo integral del artista.

En Vietnam, las escuelas suelen priorizar la música clásica o los géneros que requieren una gran habilidad técnica, en lugar de la música con fines de entretenimiento.

De hecho, el sistema de escuelas de arte en Vietnam, desde escuelas vocacionales y colegios hasta universidades, está bastante bien estructurado y cuenta con una tradición de más de 70 años. Sin embargo, aún existe una brecha entre los objetivos de la formación y las necesidades reales del mercado.

«Si bien las escuelas de música se centran en la música clásica o en géneros técnicamente exigentes como la ópera, la música revolucionaria y la música lírica artística, el mercado es muy volátil y el segmento más grande es la música de entretenimiento. Por lo tanto, la formación que ofrecen estas escuelas solo satisface parcialmente la demanda general», observó el músico Quang Long.

Es innegable que muchos cantantes famosos no han recibido formación académica formal; sin embargo, los casos excepcionales son raros. Según el músico Nguyen Quang Long, para los géneros que requieren alta destreza técnica, los artistas deben someterse a un estudio y entrenamiento rigurosos. En cambio, para la música de entretenimiento, haber recibido formación en una escuela de arte profesional representa una ventaja significativa.

«Nuestra formación artística aún no es perfecta. Debemos tener en cuenta las necesidades de la sociedad para adaptarla y complementarla en consecuencia. Pero la formación debe mantener los estándares del arte profesional; no podemos, bajo ningún concepto, rebajar los requisitos de habilidad vocal o competencia musical», declaró el músico Nguyen Quang Long.

Un recorrido de décadas de formación.

Encontrar un modelo que armonice estos elementos es un problema complejo, pero no insuperable. En muchos países con industrias musicales desarrolladas, como Corea del Sur, Estados Unidos o incluso Tailandia, la formación de artistas no se limita a las escuelas, sino que se integra en un ecosistema completo. En este ecosistema, las empresas de entretenimiento desempeñan un papel fundamental, creando un proceso de formación integral que abarca desde la selección y la capacitación hasta la producción y la gestión de artistas.

El proceso de formación de artistas en Corea del Sur se basa en un modelo de circuito cerrado, que abarca todas las etapas, desde la selección y la formación hasta la producción y la gestión del artista.

En Corea del Sur, antes de convertirse en artistas y actuar en un escenario, muchos jóvenes se someten a un proceso de formación que dura años, incluso décadas. Esto caracteriza la formación de aprendices: un proceso riguroso y sistemático donde los jóvenes artistas reciben formación simultánea en canto, danza, interpretación, oratoria y comunicación audiovisual.

Solo aquellos que cumplen plenamente con los criterios tienen la oportunidad de debutar, y en realidad, este camino suele ser muy largo: G-Dragon (BigBang) pasó por 11 años de entrenamiento, incluyendo 5 años en SM Entertainment y 6 años en YG, y muchos otros ídolos también tienen períodos de entrenamiento prolongados como Jihyo (TWICE, 10 años), Jennie (Blackpink, 6 años) o Suho (EXO, 6 años).

Por consiguiente, muchas personas inician su camino para convertirse en ídolos desde los 10 años, sacrificando su juventud por un largo y arduo proceso de entrenamiento. El primer paso es superar el casting. Según Koreaboo, muchos niños participan en un promedio de 30 audiciones antes de recibir un contrato de aprendiz.

Sin embargo, ser aceptado es solo el comienzo. Durante su período de formación de aproximadamente 7 años, soportan un horario agotador desde la mañana hasta las 2 o 3 de la madrugada del día siguiente, estudiando simultáneamente canto, danza, idiomas extranjeros, habilidades comunicativas, control de imagen y control de peso.

El riguroso proceso de entrenamiento para convertirse en un ídolo del K-pop. Foto: Mashable.

La periodista Euny Hong comentó: "El entrenamiento de las estrellas del K-pop es una educación integral para el ser humano". Este modelo también ejerce una enorme presión para eliminar a los aprendices. Según In Jin Woong, uno de los instructores de entrenamiento de ídolos más famosos, solo alrededor del 10% de los aprendices tienen la oportunidad de debutar.

Incluso con talento, la oportunidad de debutar depende de la dirección que tome la compañía. "Puedes cantar y bailar bien, pero si no encajas con el concepto, te eliminarán", dijo In Jin Woong. Muchos tienen que esperar de cuatro a cinco años para un nuevo proyecto, o abandonar la industria cuando son demasiado mayores.

En comparación con este modelo, Vietnam se encuentra actualmente en una fase de transición. De hecho, algunas escuelas que imparten formación en artes y artes escénicas han comenzado a incorporar habilidades de apoyo a la interpretación, como danza, lenguaje corporal, habilidades comunicativas y etiqueta artística.







Algunas instituciones de formación están empezando a avanzar hacia un modelo de artistas modernos y versátiles.

Mientras tanto, el papel de las empresas de entretenimiento en la formación de artistas en Vietnam aún no está claramente definido. En los mercados desarrollados, constituyen una fuerza fundamental que opera bajo un modelo de empresa cultural profesional.

«Al observar los países vecinos que han implementado con éxito modelos similares, podemos apreciar una tendencia general: el modelo de empresa de circuito cerrado, que abarca la formación, la producción y la gestión de artistas, está adquiriendo cada vez mayor importancia. Si queremos desarrollar la industria musical, este modelo es prácticamente inevitable. En este modelo, el Estado desempeña un papel fundamental, estableciendo el marco legal y creando condiciones favorables mediante políticas como incentivos fiscales y apoyo a las actividades creativas, para que las empresas culturales puedan desarrollarse», declaró el músico Quang Long.

Es evidente que, para desarrollar la industria musical, es fundamental crear un modelo de formación vinculado al mercado. Sin embargo, esto no significa simplemente copiar modelos extranjeros. Vietnam necesita un modelo adaptado a sus propias realidades culturales, sociales y de mercado.

Además de las habilidades vocales y escénicas, los jóvenes artistas necesitan contar con muchos otros elementos, como habilidades comunicativas, el desarrollo de su imagen personal, la comprensión del público y, sobre todo, la ética profesional. En el contexto del fuerte desarrollo de las redes sociales, los artistas no solo son intérpretes, sino también personas influyentes. Por lo tanto, mantener una imagen positiva, comportarse de manera apropiada y ser conscientes del público son factores cruciales para un desarrollo sostenible, afirmó el músico Quang Long.

A largo plazo, esto no se trata solo de políticas de gestión o regulaciones de rendimiento más estrictas, sino también de construir un ecosistema de formación sostenible. Cuando las escuelas y el mercado encuentran puntos en común, cuando las empresas se involucran más en el proceso de formación y cuando los artistas comprenden claramente el valor de la integridad, el mercado musical puede desarrollarse de forma saludable.

Fuente: https://tienphong.vn/lo-hong-dao-tao-nghe-si-o-viet-nam-post1834159.tpo