À travers les ténèbres, pour saluer la lumière

L'Orchestre symphonique du Soleil présente le concert « Chostakovitch – L'histoire inédite ». (Photo : Orchestre symphonique du Soleil)

À travers les ténèbres « Symphonie de chambre »

On peut dire que la musique de D. Chostakovitch est un miroir reflétant les contradictions de l'époque, entre les ténèbres de l'oppression et la lumière de la volonté humaine, entre une attitude moqueuse et un esprit indomptable.

Comme l'a déclaré le professeur David Fanning, chercheur en musique spécialisé dans les deux compositeurs Carl Nielsen et Dmitri Chostakovitch : « Entre les pressions contradictoires des exigences du gouvernement, la persévérance de la plupart de ses collègues et ses idées personnelles sur le service à l'humanité et au public, il est parvenu à forger un langage musical d'une immense puissance émotionnelle. »

Dmitri Chostakovitch naquit le 25 septembre 1906 à Saint-Pétersbourg, dans une famille de la classe moyenne : son père était chimiste et sa mère, pianiste de talent. Pianiste confirmé, il se tourna très tôt vers la composition. Il remporta le deuxième prix du premier concours Chopin, acheva sa Symphonie n° 1 juste après avoir obtenu son diplôme du Conservatoire en 1926 et fut salué par le public comme le premier compositeur talentueux de l’après-Révolution.

Chostakovitch se sentait appartenir à la génération qui avait grandi grâce à la victoire de la révolution et s'identifiait instinctivement au romantisme de l'époque nouvelle à laquelle il appartenait. Fort d'une impressionnante collection de récompenses, tant à l'intérieur qu'à l'extérieur de l'ex-Union soviétique, il était considéré comme « l'une des voix musicales les plus puissantes du XXe siècle », avec un immense héritage de compositeur.

La Symphonie de chambre (Op. 110a) que le directeur musical Olivier Ochanine a choisi d'interpréter lors du concert est une œuvre chargée de tristesse, un autoportrait sonore, une confession de la propre douleur et de l'épuisement total de Chostakovitch, tout en portant en lui la maladie, la solitude et le tourment.

La légende raconte qu'à 54 ans, Dmitri Chostakovitch se rendit à Dresde, ville ravagée par les bombardements, pour composer la musique d'un film illustrant les atrocités de la Seconde Guerre mondiale . Mais, oubliant son projet initial, il conçut l'une des œuvres les plus profondes et envoûtantes de sa carrière : le « Quatuor à cordes n° 8 en do mineur », transcrit plus tard pour cordes par Rudolf Barshai sous le titre de « Symphonie de chambre op. 110a ».

Officiellement dédiée aux « victimes du fascisme et de la guerre », cette œuvre est en réalité un hommage au compositeur lui-même. L’accord DSCH (quatre notes ré–mi♭–do–si), tiré de ses initiales allemandes (D. Sch), résonne et se répète tout au long de la pièce, tel un code de l’ego gravé dans chaque mesure.

La signature unique qu'il utilisait souvent pour signer certaines de ces œuvres, lorsqu'elles figuraient dans la « Symphonie de chambre », était implicitement comprise comme une affirmation douloureuse du « Je suis toujours là », au sein d'une communauté qui voulait effacer la couleur personnelle de chaque membre.

Le public semble tâtonner dans un voyage intérieur sombre et douloureux au cœur du compositeur, un voyage fait de mouvements chaotiques. De la mélancolie du Largo initial au rythme distordu et à la répétition obsédante qui évoquent l'horreur de la guerre dans le deuxième mouvement, Allegro Molto. De la valse fantomatique, telle une danse d'esprits dans les ruines du troisième mouvement, aux funérailles empreintes de recueillement du quatrième. Et puis, le souffle faible dans le silence fragile du mouvement final, comme une émotion triste et mélancolique face aux souvenirs, à l'ego et aux limites de l'endurance humaine.

Explorer les ténèbres qui l'habitaient n'était pas une mince affaire pour la plupart des spectateurs présents dans l'auditorium du théâtre Hoan Kiem. Traverser la mélancolie et la confusion de la « Symphonie de chambre » offrait la manière la plus subtile d'appréhender la complexité de l'univers intérieur du compositeur. Puis, baignés par la lumière éclatante de l'œuvre suivante, les spectateurs fondaient en larmes, réalisant combien cette lumière contrastait avec l'abîme obscur qu'ils venaient de traverser. C'était sans doute aussi l'intention du chef d'orchestre français Olivier Ochanine, lorsqu'il choisit de conclure « l'histoire inédite » de Chostakovitch par une œuvre joyeuse, le Concerto n° 1 pour piano, trompette et cordes.

Ainsi, l'Orchestre symphonique de Sydney nous transporte dans le passé, nous faisant découvrir, dès les dernières années de sa vie, un jeune Chostakovitch à la fois plein de vie et d'intelligence, mais aussi étrangement sarcastique et extravagant. Dans le Concerto n° 1 pour piano, trompette et cordes, le piano et la trompette ne sont pas seulement deux instruments, mais deux voix qui s'affrontent – entre raison et émotion, entre peur et liberté. La trompette semble railler, rire avec arrogance des tragédies. Le piano, quant à lui, pleure et chante une mélodie empreinte de foi en l'humanité.

Et accueillez la lumière avec le « Concerto n° 1 »

De son vivant, la vie, l'idéologie, les opinions politiques et certaines œuvres de Chostakovitch ont suscité des réactions mitigées. Mais nul ne peut nier qu'il fut un grand compositeur.

À travers le regard de nombreux critiques célèbres, on peut percevoir, dans les symphonies de Chostakovitch, l'influence de Moussogrski, de Tchaïkovski et même, dans une certaine mesure, de Rachmaninov, notamment dans la forme épique et les puissants arrangements orchestraux.

Mais dans le domaine du concerto, et plus particulièrement pour ses concertos pour piano, Chostakovitch a cherché à s'éloigner le plus possible des grands modèles russes. En comparant son Concerto pour piano n° 1 avec des œuvres similaires de ses contemporains, il est difficile d'affirmer qu'ils appartiennent au même genre.

Si Rachmaninov, Tchaïkovski ou Brahms ont tenté de développer les concertos pour piano en une sorte de symphonie avec piano solo, Chostakovitch a transformé son œuvre en quelque chose de complètement nouveau, satirique et spirituel, concis et joli.

On raconte que Chostakovitch avait initialement l'intention de composer un concerto pour trompette pour Alexander Schmidt, trompette principale de l'Orchestre philharmonique de Leningrad, mais qu'il a trouvé les difficultés techniques trop importantes et a décidé d'y ajouter du piano et d'en faire un concerto pour deux instruments avec un orchestre composé uniquement de cordes - ce qui est assez inhabituel pour Chostakovitch.

Cette œuvre révèle également une facette inhabituelle de sa musique, apportant divertissement, humour et esprit, et devenant ainsi l'un des concertos les plus populaires aujourd'hui.

Composé en 1933, le Concerto pour piano n° 1 est l'une des œuvres les plus brillantes et audacieuses de Chostakovitch – un concerto satirique, imprégné d'un esprit juvénile, d'un humour mordant et de moments inattendus d'une profonde beauté.

Composée pour piano, trompette et cordes, cette œuvre s'apparente à un double concerto : la trompette y tient tour à tour les rôles de commentateur, de clown et de provocateur, dialoguant avec le piano dans des échanges spirituels et inattendus. L'énergie entraînante et ludique qui s'en dégage reflète le jeune Chostakovitch, à la fois virtuose et satiriste malicieux.

Les quatre mouvements de l'œuvre forment un tourbillon de style et d'émotion, passant des fanfares enjouées et du dialogue incisif entre deux instruments du premier mouvement aux sonorités pianistiques chaleureuses et fragiles du deuxième. Puis, de brèves pauses mystérieuses ponctuent ces deux univers de somptueuses harmonies dans le troisième mouvement, pour s'achever sur un rire ironique et un clin d'œil malicieux dans le mouvement final.

Deux artistes, le pianiste soliste Luu Duc Anh et le trompettiste soliste Daiki Yamanoi, se sont chargés de présenter ce concerto au public de la capitale. Figure de proue du piano vietnamien, Luu Duc Anh possède un parcours impressionnant : il a étudié dans de prestigieuses écoles de musique, reçu de nombreux prix nationaux et internationaux, joué dans des orchestres de renom et été membre du jury de concours prestigieux.

Le « Concerto n° 1 » a touché le cœur du public grâce à la technique d'interprétation et à la profondeur émotionnelle de ce visage si cher à nos cœurs.

À ses côtés, Daiki Yamanoi, trompettiste associé de l'Orchestre symphonique Sun, fait office de partenaire et de jongleur, mêlant esprit et lyrisme dans chaque dialogue musical.

Ensemble, ils éclairent le monde paradoxal de Chostakovitch, où le rire côtoie le désespoir et où la satire devient l'expression la plus fidèle des messages de l'auteur.

Le concert « Chostakovitch – Histoires inédites » s’est ouvert sur la « Fantaisie-valse de Mikhaïl Glinka », une danse onirique, un espace limpide, romantique et léger comme un souffle. Glinka, pionnier de la musique russe, a posé les fondements de cette soirée par une beauté douce et fragile, avant que l’univers musical de Chostakovitch ne révèle la fragilité de ce rêve face au poids de l’histoire. Ces deux compositeurs, à deux époques différentes, ont fait de la valse un symbole de la vie humaine : à la fois gracieuse et envoûtante, mais aussi potentiellement indomptable et pleine de vitalité.

LAC CUC PHUONG

Source : https://nhandan.vn/bang-qua-bong-toi-de-don-chao-anh-sang-post923587.html