Nie pozwól, aby technologia stworzyła „artystyczną iluzję”.

Synchronizacja ruchu ust staje się coraz powszechniejsza na scenie. Gdy prawdziwy głos wokalisty zostaje zastąpiony wcześniej nagranym utworem przetworzonym przez oprogramowanie, zachowanie autentyczności występu staje się „testem” dla artysty i prawdziwą wartością sztuki.

Przejście ze sceny profesjonalnej na amatorską.

Występy na żywo od dawna postrzegane są jako przestrzeń, w której artyści mogą w pełni komunikować się z publicznością poprzez swój talent, emocje i umiejętności zawodowe. Jednak wraz z szybkim rozwojem branży rozrywkowej i cyfrowej technologii audio, koncepcja „śpiewania na żywo” ulega zmianie; synchronizacja ust, korzystanie z wcześniej nagranych partii wokalnych czy manipulowanie wokalem za pomocą oprogramowania w czasie rzeczywistym nie są już dziś odosobnionymi przypadkami na scenie.

Podczas seminarium „Zachowanie integralności w sztukach performatywnych. Odpowiedzialność twórców w erze cyfrowej”, które odbyło się 29 maja, wielu artystów, badaczy i menedżerów kultury otwarcie przyznało, że coraz powszechniejszym problemem jest nieuczciwość w przedstawieniach, która jest szeroko rozpowszechniona w wielu programach artystycznych.

W programach artystycznych priorytetem są zawsze autentyczne umiejętności wykonawcze i emocje. (Ilustracja: NHN)

Pułkownik i artysta Vu Ho Tung, były prorektor Wojskowego Uniwersytetu Kultury i Sztuki, uważa, że ​​sama technologia nie jest niczemu winna. Jednak gdy technologia jest wykorzystywana w celu zastąpienia poważnego szkolenia zawodowego, łatwo tworzy się „artystyczną iluzję”, przez co społeczeństwu trudno jest odróżnić prawdziwy talent od produktów „upiększonych” za pomocą technologii.

Ta „złudzenie” staje się coraz powszechniejsze na współczesnych scenach. Publiczność widzi śpiewaka trzymającego mikrofon, poruszającego się z emocjami, a dźwięk jest niemal idealnie odtworzony, ale w rzeczywistości wiele z tego pochodzi z wcześniej nagranego utworu, który został technicznie przetworzony. Misternie wyreżyserowany występ, spektakularne oświetlenie i wizualnie oszałamiająca choreografia czasami przesłaniają najważniejszy element: prawdziwy głos śpiewaka.

Wielu młodych artystów osiąga dziś sławę dzięki platformom cyfrowym, wykorzystującym produkty audio wzbogacone o różnorodne narzędzia do przetwarzania dźwięku. Jednak gdy wychodzą na scenę, natychmiast ujawnia się przepaść między ich „głosem studyjnym” a rzeczywistymi umiejętnościami scenicznymi. Filmy ukazujące prawdziwą jakość wokalu, które ostatnio pojawiły się w mediach społecznościowych, pokazują, że technologia tworzy efektowną fasadę, podczas gdy ukryte umiejętności często idą w parze.

Artysta ludowy Vuong Duy Bien, przewodniczący Wietnamskiego Stowarzyszenia Rozwoju Przemysłów Kulturalnych, otwarcie nazwał lip-syncing „fałszywką”. Jeszcze bardziej niepokojące jest to, że zjawisko to rozprzestrzenia się ze scen zawodowych na programy masowe, nawet w programach dla dzieci; uważa on, że bez surowszych środków i sankcji możemy stać się „supermocarstwem lip-syncingu”.

Uczestnicząc w występach kulturowych w kilku krajach, badacz i krytyk muzyczny Nguyen Quang Long zauważa, że ​​autentyczność w sztuce i muzyce jest zawsze najważniejsza. System nagłośnieniowy powinien jedynie pomagać publiczności słyszeć wyraźniej, a nie stosować technik, które mają uatrakcyjnić wokal lub zmniejszyć zmęczenie wokalisty; prawdziwa sztuka powinna stawiać to na pierwszym miejscu!

Kładzenie nacisku na autentyczne i emocjonalne umiejętności wykonawcze.

Pomimo wieloletniej krytyki, lip-syncing wciąż jest obecny w sztukach performatywnych. Wielu twierdzi, że nie jest to jedynie wybór techniczny artysty. Przede wszystkim jest to wynik presji, jaką wywiera współczesny przemysł rozrywkowy. Dzisiejsze występy nie koncentrują się już wyłącznie na muzyce, ale stały się połączeniem dźwięku, oświetlenia, scenografii, mediów i efektów wizualnych.

Według Tan Minha, artysty z programu People's Artist, wiele współczesnych programów rozrywkowych wymaga od artystów ciągłego, intensywnego śpiewania i tańca. „Wytrzymałość człowieka jest ograniczona”, dlatego wiele programów decyduje się na lip-sync lub śpiewanie do wcześniej nagranego wokalu, aby zapewnić ogólną jakość widowiska.

Zachowanie integralności w działaniu staje się „testem” dla artystów i miarą prawdziwej wartości sztuki. (Ilustracja)

Istotnym czynnikiem są również czynniki ekonomiczne ; kompletny występ na żywo wymaga wysokiej jakości systemu nagłośnieniowego, dobrze wyćwiczonego zespołu, profesjonalnych techników i znacznie wyższych kosztów organizacyjnych w porównaniu z wykorzystaniem muzyki nagranej wcześniej. Według generała dywizji i muzyka Duc Trinha, prezesa Wietnamskiego Stowarzyszenia Muzyków, koszt występu na żywo może być kilkukrotnie wyższy niż w przypadku nagrania. W sytuacji, gdy wielu producentów stawia na zysk lub optymalizację kosztów, synchronizacja ust staje się wygodniejszym rozwiązaniem.

Do tego dochodzi mentalność perfekcjonisty; stacje telewizyjne i organizatorzy często chcą, aby programy artystyczne transmitowane na żywo oraz festiwale na dużą skalę były „absolutnie bezpieczne”, wolne od błędów i ryzyka technicznego; stopniowo stało się to zawodowym nawykiem.

Dramaturg Nguyen Dang Chuong, wiceprezes Wietnamskiego Stowarzyszenia Artystów Scenicznych, stwierdził, że w dziedzinie sztuk performatywnych, punkt d artykułu 6 Dekretu nr 79/2012/ND-CP wyraźnie zabrania „wykorzystywania nagrań dźwiękowych w celu zastąpienia prawdziwego głosu artysty lub brzmienia instrumentów muzycznych”; jednak w 2020 roku rząd zastąpił Dekret 79 Dekretem 144, który usunął ten przepis. Czy może to być jeden z fundamentalnych powodów zjawiska „lip-syncingu” podczas publicznych występów wielu grup i osób w ostatnich czasach?

W związku z tym konieczne jest ulepszenie przepisów i mechanizmów zarządzania, aby ograniczyć lip-syncing. Co ważniejsze, konieczne jest przywrócenie ducha poważnej pracy zawodowej, artystycznego szacunku do siebie i do publiczności podczas występów. Muzyk Duc Trinh zasugerował, że tak jak badania naukowe kładą nacisk na rzetelność naukową, tak i sztuka potrzebuje regulacji etycznych i rzetelności dla artystów.

Z perspektywy szkoleniowej, artysta Vu Ho Tung argumentuje, że skupianie się wyłącznie na technikach wykonawczych, przy jednoczesnym zaniedbaniu profesjonalnego kształcenia charakteru, może łatwo doprowadzić do wykształcenia artystów o wysokich umiejętnościach technicznych, ale pozbawionych głębi kulturowej i solidnych podstaw artystycznych. Instytucje kształcenia artystycznego muszą stale budować solidne podstawy techniczne i etyczne dla swoich studentów, unikając trendu kształcenia „gwiazd szybkości” lub nadmiernego skupiania się na wizerunku medialnym. Jednocześnie powinny one rozwijać estetykę muzyczną studentów, umożliwiając im wybór i docenienie dzieł o wartości artystycznej, humanistycznej i kulturowej.

W szczególności konieczne jest zbudowanie zdrowego środowiska artystycznego, które kładzie nacisk na autentyczny talent wykonawczy i szczerość emocji artystycznych. Jest to również kluczowy fundament zdrowego i zrównoważonego rozwoju sztuki oraz zachowania jej autentycznych wartości we współczesnym społeczeństwie.

Source: https://daibieunhandan.vn/khong-de-cong-nghe-tao-ao-giac-nghe-thuat-10418640.html