Es heißt, soziale Medien trügen zur Verbreitung vieler „minderwertiger“ Musikprodukte bei.
„Die Musik ansehen“ ist nicht dasselbe wie die Musik hören.
Durch die rasante technologische Entwicklung erfährt die Musikbranche zahlreiche Veränderungen und neue Wege der Produktion und Publikumsgewinnung. Digitale Technologien haben die Musikproduktion vereinfacht und beschleunigt. Musiker und Produzenten können Software und digitale Tools nutzen, um komfortabel Musik auf Computern und Mobilgeräten zu erstellen.
In ähnlicher Weise werden Sänger in den darstellenden Künsten mithilfe von Technologie vor dem Publikum nicht nur klanglich, sondern auch visuell durch Ton- und Lichteffekte fasziniert.
Die Entwicklung digitaler Technologien hat auch die Art und Weise verändert, wie die Öffentlichkeit Musik wahrnimmt und genießt. Anstatt ein Konzert zu besuchen, können Zuhörer heute mit einem Smartphone oder Tablet jederzeit und überall eine breite Palette an Musikprodukten genießen und ihre Meinungen über das Programm und die Künstler frei austauschen.
Neben ihrem Nutzen sorgt die Technologie aufgrund ihrer negativen Folgen auch für Verwirrung bei Beteiligten und Publikum. Dr. Nguyen Thi My Liem, außerordentliche Professorin an der Universität Saigon, die seit vielen Jahren in der Musikausbildung und -forschung tätig ist, erklärte, dass bei einer reinen Qualitätsbetrachtung von Musikprodukten deutlich werde, dass der künstlerische und kulturelle Gehalt, einschließlich traditioneller Bräuche und kultureller Werte, verloren gehen könne, da die Technologie diese nun ersetzen könne. Viele Menschen würden Musik heutzutage eher „sehen“ als „hören“.
Frau Liem erklärte, dass Technologie manchmal dazu beitrage, Kunst zu „fälschen“, indem sie eine gewöhnliche Stimme in etwas Außergewöhnliches, ja sogar „Exzellentes“ verwandle. Heutzutage gebe es viele Softwareprogramme, die eine Stimme voller und klangvoller machen könnten, sodass Künstler selbstbewusst ins Aufnahmestudio gehen könnten, im Wissen, dass die Technologie Tonhöhen- und Rhythmusfehler korrigieren könne. Ganz zu schweigen davon, dass man den Beat (die Hintergrundmusik, den Playback-Track) eines anderen Künstlers extrahieren und die eigene Stimme einfügen könne, um daraus ein eigenes Produkt zu machen.
„Auf diese Weise werden das künstlerische Talent, die künstlerische Emotion und das Können, die ein Künstler benötigt, weniger notwendig, und das Kunstwerk verliert seine ‚Seele‘, weil der Künstler nichts mehr denken oder ausdrücken muss, sondern sich auf die Technologie verlässt“, erklärte Frau Liem.
Den wahren Wert der Musik entdecken.
In den letzten Jahren hat sich Rapmusik zu einem populären musikalischen Phänomen entwickelt und dominiert die Szene im Vergleich zu allen anderen Unterhaltungsgenres. Parallel zu diesem Boom hat das Ausmaß an Fehlinformationen und Verwirrung im Internet, wie etwa Plagiate, Nachahmungen und Parodien, alarmierende Ausmaße angenommen. Darüber hinaus haben einige plötzliche Erfolge bei den Zuhörern falsche Vorstellungen über den wahren Wert von Musik hervorgerufen.
Noch alarmierender ist, dass viele seichte, ja sogar vulgäre und anstößige Musikprodukte nach ihrer Veröffentlichung sofort negative Reaktionen von Publikum, Medien und Kulturforschern hervorrufen. Zuletzt sorgte „Fever“ von Tlinh und Coldzy mit seinem Text, der auf Inhalte ab 18 Jahren anspielt, für breite öffentliche Empörung. In diesem Song verwendeten die beiden Künstler der Generation Z anstößige, explizite und vulgäre Ausdrücke, die bei den Zuhörern Schamgefühle auslösten. „Fever“ wurde am 4. Juni veröffentlicht und hat nach mehr als drei Wochen fast eine Million Aufrufe und Tausende von Kommentaren auf YouTube erzielt. Darüber hinaus verbreitete sich der Song mit sehr hoher Interaktionsrate auf verschiedenen Online-Musikplattformen; auf TikTok wurde „Fever“ sogar in über 4.000 Videos als Hintergrundmusik verwendet.
Laut dem Musiker Hoai An muss für den Erfolg eines Musikprodukts die Zusammenarbeit in allen drei Phasen – Songwriting, Gesang und Produktion – reibungslos verlaufen. Funktioniert eine dieser Phasen nicht, kann das Produkt nicht entstehen. So hat beispielsweise ein Songwriter das Recht, Änderungen an seinem Liedtext abzulehnen; ein Sänger hat das Recht, die Aufnahme zu verweigern, wenn er den Text als zu vulgär empfindet; und ein Produzent wird kein Geld investieren, wenn er der Meinung ist, dass das Produkt keinen positiven Beitrag zum Leben leistet. Allerdings sind manche Lieder heutzutage negativ – von ihren Bildern bis hin zu ihren Texten –, explizit, beleidigend und vulgär und beeinflussen so leicht Zuhörer, insbesondere junge Menschen mit wenig Lebenserfahrung.
Man kann sagen, dass mithilfe von Technologie und sozialen Medien kunstfeindliche Produkte und „kultureller Müll“ die Neugierde eines Teils der heutigen Jugend ansprechen. Infolgedessen wählen viele Künstler, selbst wenn sie wissen, dass ihre Werke wertlos sind, diesen Weg, um Aufmerksamkeit und Profit zu erlangen.
Der Musiker Hoai An ist daher der Ansicht, dass neben der Nutzung modernster Technologien auch eine Anpassung der Vorschriften und Strafen für Verstöße notwendig ist. Dazu gehören beispielsweise die Beschränkung des Mindestalters für die Nutzung, die Erteilung von Warnungen oder die Entfernung von Inhalten sowie die Veröffentlichung von Hinweisen auf Verstöße. Darüber hinaus sollten die Strafen für Musikprodukte, die vulgäre Sprache oder anstößige, obszöne Bilder verwenden oder soziale Laster fördern, erhöht werden.
Viele argumentieren zudem, dass die Verhinderung dieser Musikrichtung ohne die Zusammenarbeit von Behörden und Musikproduzenten selbst schwierig sei. Darüber hinaus müssten Hörer wählerischer werden, damit niveaulose Musik mit anstößigen Texten und Bildern keinen Nährboden finde.
Quelle
![[Foto] Stärkung von Charakter und Fachwissen: Intensives Training für Artilleristen.](https://vphoto.vietnam.vn/thumb/1200x675/vietnam/resource/IMAGE/2026/06/30/1782815602541_lu-368-1875-4571-jpg.webp)
